PANIC LIFT Drops – Pieces

Part two in a five-part EP series

New Jersey Industrial act PANIC LIFT return to release the second installment in their five-part EP series titled Pieces; the follow up to this past summer’s Split. Pieces showcases two new songs. „Disease Of Kings“ and „Failure Principle“ are both introspective and melancholy tracks with themes that revolve around stress, addiction, and self-image.

„Disease Of Kings“ is an industrial rock sludgefest that incorporates symphonic keyboard melodies and a wall of guitars. The second track, a futurepop inspired dance floor smasher, „Failure Principle“ features a thick synth bassline accompanied by soaring keyboard leads.

Also featured with the release is a limited-edition PANIC LIFT face mask to accompany you on your journeys through the current post-apocalyptic landscape.

For this release, PANIC LIFT enlisted remixers genCAB, Assemblage 23, and KALCYFR who each lend their talents to the two tracks.




PANIC LIFT began in 2006 and has released music and toured consistently for the last 15 years. PANIC LIFT has released four full length albums on METROPOLIS RECORDS, and countless EPs, Remixes, and collaborations. JAMES FRANCIS is accompanied by his longtime live band which consists of DAN PLATT (KEYBOARDS) BEN TOURKANTONIS (DRUMS) CRISTIAN CARVER (DRUMS) and KENZI BURKE (BASS)


Hello. We appreciate your time with Kainklangmusik today. We are based in Germany. Obviously Germany is well known for its electronic music scene. Is that where your greatest response has been from perhaps?

Hi and thank you so much! It’s great to have this opportunity. In the beginning of my career, Germany was definitely where we had our best response. Panic Lift’s first album “Witness To Our Collapse” was released on Noitekk Records, and that year we were invited to play “Wave Gothik Treffen” We certainly were overwhelmed with the positive response there, but unfortunately soon after that Label folded. When it was time for our second album “Is This Goodbye?” we signed to Metropolis Records in the USA, and I believe since then our fanbase has been based here, as we don’t have the visibility in Germany that we once had.

Can you talk about the latest releases, “Split” and “Pieces” and the themed series that it’s a part of? Are the others to be released after the same lengths of time? Why a cassette?

Yes! I began writing this material last spring during the first COVID19 “Lockdown” and each song was so different from another I really felt that it would be unfair to have to change the tracks to fit them all into one album, you can really hear it in the difference between tracks like “Tribute” and “Disease Of Kings”. I also felt that right now, it is smarter to release shorter releases over a longer period in order to engage your audience more.

The idea is that each release will be a different format. For this, I chose cassette because it’s the only form a media I didn’t have a Panic Lift release on yet. But also, each physical component wont necessary be media. It could be anything, a T-shirt, Wristband. It’s an opportunity to make something one of a kind, and fun for the collectors.

Speaking of cassettes, why do you think that vinyl and cassettes have made such a resurgence?

I think physical media has become a collector’s market. I don’t think anyone is taking the “Split” cassette and putting it into a tape player to listen to. I believe it’s a novelty item that you can put in a display. I don’t feel this is the same for Vinyl, I believe people enjoy the less compressed sound of a record more so than a digital recording. However, I do believe a Vinyl sleeve is a work of art and can also be displayed. I think both formats have a style that looks interesting. CD’s have just become so tired looking. I don’t think they excite people much anymore.

We’d imagine that after playing this music a lot, you probably enjoy other types. Do you have any non electro/goth/industrial artists that somehow influence your work?

Absolutely! I love all types of music, and that certainly dictates some of the direction the music goes. I can think of one time in specific when I bought “The Endless River” by Pink Floyd, not so long after I wrote the song “Skeleton Key” and listening back to that track I think there is a huge Pink Floyd influence to it. I was listening to a lot of Crosses (The Deftones side project) when I wrote “A Ghost Story” so I think listening outside of the genre of music you produce helps keeps things fresh and interesting for the listener.

Has the creative process changed at all during your time with Panic Lift?

I think I have got better at working through creative blocks over the years, other than that I think the process has been more or less the same. I have tried intentionally to change things up which is usually a lot of fun. My newest release “Disease of Kings” features drums written by my drummer Ben Tourkantonis. Ben supplied some drum stems and I used them as a jumping off point to write melodies, and a collaboration that way certainly gave the song a personality different from some of the other ones I have done. I hope to do more fun experiments like that in the future.

Are you involved with any other projects? Are you involved as a remixer or in another related service?

I keep busy, but aside from my downtempo EP I released under my own name (James Francis Thomas) called “Beyond The Hill” I don’t really have many side projects. I have an alternative hip hop project called “Keep The Change” that was able to release one EP, and I hope to do more with that in the future but getting us all together in a room has been tough to organize, especially now with the Pandemic. Other than that, I have a large catalog of remixes and tracks I’ve produced so I’m constantly staying busy!


“Split” and “Pieces” comes after a three year hiatus. Why so long?

I think after I got off tour in 2018 I needed to take some time to live life without constantly playing shows or working on tunes. I had just got Married, and the idea of going back on the road did not appeal to me at all. Truth be told, I lose a lot of money every time I go on tour and now with household responsibilities and a Wife to care for I cant justify sinking that much money into endeavors like that anymore. Panic Lift was kind of on the back burner until the first Lockdown. I was stuck home, and I think I needed an outlet to occupy my time and I just started writing again. It’s a great feeling to be back but it’s certainly not the world I remember.

Has there been any change in your use of digital analog instruments over the years?

For Panic Lift, not really. When I started Panic Lift the idea was always “less is more” so I made every record using synths entirely ‘in the box’. This was much different than my approach with my older bands, where everything was hardware, as someone who grew up not having software synths as an option I personally don’t know why anyone would want to go through the hassle of routing giant hardware synthesizers together to compose a song, once I learned how to use VST’s I told myself I was never going back to that!

What’s next for you in 2022 and 2023? What do you hope to accomplish?
With “Split” and “Pieces” both out this year, I hope to have the next 3 EP’s out in 2022, and 2023 to wrap up this release cycle. I am playing one show next year, Dark Side Of The Con Festival in New Jersey and it will be great to get in front of a large crowd again. Other than that, I’m sure I will still keep recording and releasing tunes.

Thanks for your time. The last words are yours.

Thank you for your time, and thanks everyone for supporting me over the last 15 years. It is appreciated more than you will ever know!

written by W.Z.

MESH „Touring Skyward“ – The Traps We Made – VÖ: 28.01.2022

Few artists have ever permitted such an intimate glimpse behind the scenes as MESH are now granting their numerous friends with „Touring Skyward“. The British alternative electronic favourites have allowed the cameras to accompany them into the backstage, onto the tour-bus, and to other usually restricted or private locations. The two founding members of the band, Mark Hockings and Richard Silverthorn, open up in deeply honest interviews. Detailed depictions of the stage set-up of all musicians involved, fan interviews, and many more insights complete this exciting road movie.

Such an undertaking would not be complete without the concerts: These are aptly provided by professionally edited stage footage shot in full HD resolution. MESH make full use  of the chance to demonstrate their dynamic stage performance and the determined will to win over even a crowd that reacts initially hesitant until they have made them fully theirs.    

„Touring Skyward – A Tour Movie“ comes as a limited artbook with a Blu-ray of 3 ½ hours playing time including two audio CDs featuring all 23 live tracks recorded on the tour as well as a spectacular 60-page photo booklet.

By the bucketful of heart’s blood and rivers of hard working sweat went into the making of „Touring Skyward – A Tour Movie“. It took four and a half years to record, produce, and announce the Blu-ray from the time of the almost sold-out tour until the release in January 2022. Now as all the obstacles have been overcome a massive package is waiting to be enjoyed. 

„Touring Skyward – A Tour Movie“ is not just another live recording or documentary, but rather honouring an exceptional artist such MESH it is all of this and much more: „Touring Skyward – A Tour Movie“ is a gift from the alternative electronic heart for all the amazing and numerous ‚Friends Like These….‘!

Mark Hockings – vocals, guitar
Richard Silverthorn – keyboard, vocals

Style: Alternative Electronic Music


Pre-sale link

Available formats
60-page hardcover book edition including 1 Blu-ray with 3 ½ hours playing time and 2 CDs with 23 live-tracks, featuring exclusive artwork, pictures, and liner notes from various crew members.

„In The Dead Of Night“ von -La Magra-

Bei „In The Dead Of Night“ von -La Magra- werdet Ihr in die Welt der
Finsternis gelockt. Düstere Melodien und brachiale Gitarrenriffs der
miteinander verflochtenen Lieder entführen Euch immer tiefer in die
haarsträubenden Horrorerzählungen. Dabei wird Euch der Sound massiver
und heftiger als jemals zuvor begegnen.
„In The Dead Of Night“ erscheint als Doppel-CD und ist in ein
aufwändiges DigiPAC mit schaurig-schönem 8-seitigem Booklet
gekleidet. Die 2. CD beinhaltet unveröffentlichte und rare Lieder der
letzten 20 Jahre.

Album Trailer:

CD 1:

prelude – nightfall 1
forest of the damned
nightfall 2
dark shadows
nightfall 3
der wanderer
armee der schatten
the hunter
nightfall 4
the ritual
nightfall 5
haus am see
nightfall 6
der vampyr
non morte

CD 2:
kein gott (ro issue mix)
atheist (infidelis version)
flieh mit mir (male version)
mistress of the night (may-fly rmx)
guardian angel feat. martha of distorted reality
broken inside (broken again mix)
reanimation (remx for kreuzversuch)
ich will zu dir (tombstone version)
sweet jesus (church mix)
infect me (club mix)
vampyre romance (eternity rmx)
alone in darkness (forever in loneliness mix)
candlemas eve (rare track)
angels descending (nephilim rmx)
auf ewig
flieh mit mir (a memorial to conny)



SEVIT – „It Can’t Rain All The Time“ (goth/goth rock/electronic)

Darkwave Band SEVIT Drops New Video & Single Inspired By The Film, THE CROW

Those of you who like the movie, The Crow will especially like this offering we have today.  Even those of you who don’t, we hope you enjoy the two cracks we have for you.  Sevit brings a pretty cool vibe from the likes of old school dark, goth rock.  Let us know what you think!

Texas-based darkwave band SEVIT have just unleashed their single & video for the song, „It Can’t Rain All The Time.“  This is a conceptual song inspired by James O’Barr’s comic and the movie, The Crow, the character of Eric Draven and his fictional band, Hangman’s Joke.

„I always wanted to embody myself into the character’s mindset and finish the lyrics the way I always wanted to hear them in their entirety. I started to imagine the words I would have written if I was Eric Draven.

The Crow was a beautiful film – so much sadness and so much longing, so much heart… When I decided to write this song, I wanted to revisit my hearts emotional vault and I wanted the words to belong to the film’s character, Eric Draven, who I imagined to be dark, poetic, theatrical, daring, passionate and beautiful. “  – (Jackie Legos – Vocals/Guitar)

Formed from the ashes of their heavier, more electronic laden band AT NIGHT, SEVIT released their debut album, On The Edge Of A Darker Place on all major digital retailers in 2020 to critical acclaim from various online sources such as Obscura Undead, Side-Line Magazine, and Wave Press Blog.

On The Edge Of A Darker Place features 13 tracks formed from the influences of Pornography-era Cure and a decade of post minimalistic, monologic analog sounds with melodies, big beats, and dreamy vocal hooks. Songs such as “Bleed”, “Love or Madness”, “Days in the Dark” received radio and club play all over the US, Mexico, Belgium, France, Germany, and the UK.


2021 saw a CD release for On the Edge Of A Darker Place via Inclub Records (Peru) with a vinyl release scheduled for late November 2021 (having been postponed due to COVID related manufacturing issues). To date, SEVIT have opened for both national and international acts including She Wants Revenge, Actors, Rosegarden Funeral Party, and Wingtips. They are scheduled to open for She Past Away, Twin Tribes, and Bootblacks in late 2021/2022 with both US and European tours in the works. With 20+ songs written and recorded since the release of their debut, SEVIT is currently seeking label support for a second album, Requiem.

Jackie L. – Guitars Vocals
Cam B. – Keys
Brian W. – Guitars
Keith M. – Bass
Colby S. – Drums
Past Members:
Alex L.
Brian J.





🎶 Welcome to „The world of (((S)))“

While working on new material for the next years full-length album, (((S))) came across some old playlists containing songs from the first two albums „Ghost“ and „Phantom“ and realized that with modern technology some of these songs could be revised and brought back to life. The freshness and vitality they maintained after all these years coupled with his upgraded equipment led to a richer and more fulfilling sound. The result is a 10-song-compilation named „The World Of (((S)))“ to be released on 28 December 2021.

Touching on The Jesus & Mary Chain, Joy Division and The Cure, (((S))) is refreshingly relaxed, surprisingly easy, danceable, and so reminiscent of NEW ORDER in the ‘00s or the late works by Adam Ant. The Scandinavian singer’s songs „Mesmerized“ and „Lonely Is The Lighthouse“ are irresistible wave-jewels, „In A Shadow Of A Shadow“ and „A Crying Shame“ enrapture with their dark atmosphere and the unexpected Beatles-Cover „Help“ is more than a surprise: it gives the impression the original was recorded by Pink Floyd.

Back in 2009, when (((S))) found himself alone in Austin, Texas, little did he know that the debut album would be awarded one of the world’s best releases of the year by music journalist Mick Mercer on top of all the attention it had been receiving from music magazines and radios around the globe. Now, 12 years later, you can listen to an even better version of (((S)))‘s most prominent songs.


Track Listing
1. Mesmerized
2. Lonely Is The Lighthouse
3. Deathtrip
4. In A Shadow Of A Shadow
5. Hungover
6. A Crying Shame
7. Who Loves The Lover?
8. Over And Out
9. Sons Of The Defeated
10. Help



The Birthday Massacre Fascination VÖ: 18 February 2022

From the band whose landmark album Walking With Strangers has been called the „Sgt. Peppers of Dark Wave“ comes their 12th release and most intimate offering to date. „

Fascination“ is at once the most fully realized album with the bands signature blend of haunting vocals, captivating electronica and aggressive guitars and their most accessible.

All the lessons of the last 20 years in one great record. The singular world they have carved out for their hundreds of thousands of fans around the world is ready to be shared with millions of others.





Principe Valiente – Barricades VÖ: 18 March 2022


Four years after the acclaimed album Oceans, the Swedish post punksters Principe Valiente are back with a new single and a new album. Porcelain will be released in December, followed by the album Barricades in March 2022.

If you have ever visited the world of Principe Valiente, the ten songs on the new album Barricades will feel pleasantly familiar. The dramatic soundscape rises like a fairytale forest around the singer Fernando Honorato’s warm and unassailable voice. It’s all in there, the beautiful melodies, the post punk energy and the cinematic drama.
At the same time, it is the quartet’s most intimate album to date. On Barricades, the songs have grown out of melodies and chords rather than guitar riffs.
Lyrically, Honorato has been seeking new paths. In the dark and sometimes desperate tone, there is always a streak of hope.
„I haven’t had the same need to express desperation and frustration this time. Now I wanted to try to sing more sensitive „, Honorato says.

Barricades is an album deeply affected by the Corona pandemic. Most of the songs have been recorded from home with the members recording their individual contributions alone.
This has given the album a special, almost thoughtful, atmosphere.
“I’ve had more time to reflect freely both in terms of lyrics and recording, I’ve been able to try different ways. In the end, I knew exactly what I was doing with the vocals“, says Honorato.
If the band has previously been something of a solo project for him, this time all four members – Honorato, guitarist Jimmy Ottosson, keyboardist Rebecka Johansson and drummer Joakim Janthe have all contributed to the album.
“There are more ideas coming together now. Everyone has added their different perspectives to the songs and it’s much more of a collaboration together with Jimmy during the song writing”, says Honorato.

On Barricades, the band’s first album on American label Metropolis Records, Principe Valiente shows its full breadth as a band, from the epic ballad Porcelain to the power and sorrow of “I am you” These two songs also happen to be the album’s first two singles. „I am you is the most intense song we have ever done“, says Honorato. As the world now reopens after almost two years of pandemic, Principe Valiente is ready to face it.
“Our records never turn out the way we imagine them when we start working, but I’m very happy with Barricades. It feels like it’s the best album we’ve done so far”, says Honorato.


Porcelain will be released 3 December 2021, followed by I am you in mid-January. The album Barricades will be released in March 2022.

Principe Valiente is:
Fernando Honorato: Vocals, Electric Bass, Keyboards, & Piano
Jimmy Ottosson: Guitars & pads/programming
Rebecka Johansson: keyboards
Joakim Janthe: Drums




And the new album pre-orders have begun!! PRINCIPE VALIENTE | BARRICADES – OUT MARCH 18, 2022 (pre-orders for CD & Vinyl coming soon..)

THE BRUTE : veröffentlicht die 4. Single + Musikfilm + Debut Album – VÖ: 19.11.2021







The Brute : ist ein Electronica Musikprojekt und verschmelzt progressiven Elektrosound, eingängigen Melodien mit fesselndem Gesang und einen Mix aus Electro-Pop-, Blues-, Industrial- und Rock-Einflüssen. Driving To You“ ist bereits die vierte Single des Musikprojektes nach seiner Gründung 2018 und wird auch als EP auf CD im Handel erscheinen. Die Single EP wird einige Remixe sowie dem Soundtrack des kurzen Musikfilms „Momentum To Die“ beinhalten. Pünktlich zur digitalen Release der Single am 08.10.2021 wird es auch ein Video geben. 









Kurz nach der Single wird das Debut Album „Brute: One“ am 19.11.2021 digital sowie auf CD im Handel erscheinen. Auf dem Album werden einerseits bereits veröffentlichten Singles in überarbeiteter Form zu hören sein sowie komplett neue Stücke. Dabei handelt es sich bei den insgesamt neun Titeln um eine abwechslungsreiche Reise durch die Klänge elektronischer Musik, von Songs mit rockigeren Rhythmen wie „Driving To You“ zu poppigen und ruhigeren Songs wie „Lonesome Hero“ oder „Rain“ mit eingängigen Melodien bis hin zu experimentellen Stücken mit Industrial anmutenden Klängen wie „Lost“, die durch Sphäre aber vor Allem durch die abwechslungsreiche Stimme des Sängers getragen werden. 





Ebenfalls am 19.11.2021 wird das leidenschaftliche Wunsch- und Filmprojekt „Momentum To Die“ von Daniel Gierke, dem Mastermind hinter The Brute:, veröffentlicht. Ein Musikfilm von etwa 18min länge der mit Sounds und Melodien des Albums neu arrangiert als Filmmusik untermalt wird. Der Film wurde bereits im Herbst 2018 an originalen Schauplätzen des James Bond Klassikers Goldfinger in den Schweizer Bergen mit Unterstützung der Schweizer Armee gedreht, die für die Schlussaufnahmen die ehemalige Bergfestung Sasso Grand Gottardo am berühmten Gotthard Pass zur Verfügung stellte. Bezeichnender Weise ist der Musikfilm The Brute:’s Hommage an alte Agentenfilme der 60iger und 70iger Jahre ergänzt durch einen modernen elektronischen Sound.










The Brute: wurde 2018 durch Daniel Gierke ins Leben gerufen.

Die Songs von The Brute: wecken Erinnerungen an klassische Electronic Bands und warten mit einem moderneren Touch auf, der treibende Basslinien, eine fesselnden Stimme mit Songtexten verbindet, die bei jedem anhören eine neue Bedeutung zu haben scheinen. Von Anfang an arbeitet The Brute: mit dem berühmten Abbey Road Studios in London, UK zusammen, die nicht nur durch die Beatles bekannt geworden sind. Dabei hatte Daniel die Gelegenheit für die finalen Bearbeitungen bei allen Singles und den Album mit Simon Gibson zusammen zu arbeiten, der unter anderem für Musikgrößen wie Depeche Mode als Mastering Engineer tätig ist.








Neben den eigenen Kompositionen steuerte The Brute : 2020 für ein Tribute Album des Online Magazins Electrozombies eine Eigeninterpretation des Erasure-Hits „Ship Of Fools“ bei und nahme Anfang 2021 zusammen mit der amerikanischen Pop % Soul Sängerin Rachel Delgado eine Duett-Version seines Songs „Rain“ auf. 

Wegen der Pandemie nahm The Brute : 2020 und 2021 Abstand von Konzerten und fokussierte sich stattdessen auf die 

Studioarbeit. Für 2022 soll es dann aber auf die Bühne gehen. 


Review- The Brute : -One-


Ladys and Gentleman, welcome to the great adventure of listening, searching, going back to the roots! And in the end to stay at home and arriving by yourself.

Ich persönlich verfolge Daniels musikalische Aktivitäten schon sehr lange und freue mich riesig, das er dran geblieben ist und alles gegeben hat. Das Ergebnis ist der Hammer! Natürlich kann man nicht verleugnen, das man sich in die gute alte Zeit zurück versetzt fühlt. Aber genau das ist auch ein Grund dafür, warum die Scheibe sofort liebt oder hasst.

Gewisse stilistische Ähnlichkeiten zu einer sehr bekannten und von mir geliebten Band sind nicht von der Hand zu weisen. Um so schwerer ist es für mich, das hier zu schreiben. Die thematische Bandbreite der Songs und Texte ist sehr abwechslungsreich. Es hat nicht nur den Anschein das hier sehr viel aus einem bewegten Leben aufgegriffen und musikalisch verarbeitet wurde. Man fühlt sich als würde man sich selbst wieder finden. Es ist als säße man im Kino und würde einen Film über das eigene Leben schauen. Mit allen Höhen und Tiefen.

Mehr als einmal hat es mir ungefragt die Gänsehaut verschafft, die in meinem Fall nur dann auftritt, auch bei 30 Grad im Schatten, wenn es ein Volltreffer ist. Ich liebe dieses Gefühl und es hat sich schon immer bestätigt, das ich damit richtig lag und liege, denn diese Art von Musik brennt sich ein.

Wenn man selbst kein Instrument beherrscht fragt man sich immer, wie kann am Ende so etwas  heraus kommen? Wenn man sich auch darüber streiten kann ob es gesanglich perfekt ist oder eben genau das „dreckige“, das absichtlich nicht weichgespülte und anspruchsvolle hier den entscheidenden Punkt setzt.

Es ist kein einfaches Album! Es brauch seine Zeit. Aber es ist eines von denen, welches sofort mindestens 2 bis 3 Songs hervorbringt, die einen nicht mehr los lassen.

Ich will diesmal nicht jeden Song einzeln beschreiben. Einfach deswegen, weil ich es schlichtweg nicht alles zu Papier bringen kann, hier, sonst müsste ich ein Buch schreiben. Ich kann und muss sagen, das diese Scheibe eine echte Droge ist und ich gerne süchtig bleibe.

Hut ab vor dieser Meisterleistung und auch vor dem Mut, es um zu setzten!

Hört es euch unbedingt an und entscheidet selbst.

Ich für meinen Teil bin wieder ein riesen Stück glücklicher, zufriedener und entspannter, wenn ich das Album höre….eben zu Hause!

geschrieben von Claudia Tomaszewski


 „Seduce Me“ / „Rain“, den  31. Juli 2020.

Auch wird es eine überarbeitete Version zu “Lonesome Hero” Ende August 2020 geben, zusammen mit einem Video zu “Lonesome Hero” und einer Remix EP.  

The Brute : ist ein Electronica/SynthPop Musikprojekt aus Deutschland und der Schweiz. Hier verschmelzen progressiver Elektrosound und melodischer Gesang und ein Mix aus SynthPop, Blues und BritPop Einflüssen. Die Double Single „Lonesome Hero / And I Want You…“ ist das Debut der Gruppe. Die Songs sind schon bei Soundcloud zu hören. Die beiden Songs wecken Erinnerungen an klassische Electronic Bands und warten mit einem moderneren Touch auf, der treibende Basslinien, eine fesselnde Stimme mit Songtexten verbindet, die bei jedem anhören eine neue Bedeutung zu haben scheinen.









Interview mit The Brute:- 2020

In den Startlöchern steht hier ein Projekt, das mir persönlich sehr am Herzen lag. Ich war von Anfang an davon begeistert, nicht nur musikalisch, sondern auch menschlich. Nun haben wir uns die Zeit genommen, um ein bisschen Licht ins Dunkel zu bringen und wünschen euch viel Spaß beim lesen.

Als Erstes vielen Dank für deine Zeit und die Einblicke in dein Schaffen  Wie geht es dir? Du bist bestimmt total aufgeregt, oder?                                

Erst einmal danke für Deine Einladung zu dem Interview. Im Moment ist da so ein positives Kribbeln. Eine gewisse Aufregung lässt sich nicht leugnen. Das ganze Projekt bekommt eine Richtung, die am Anfang nicht absehbar war.








KKM: Stimmt es, dass Ende Juli 2020 die neue Single samt Remix EP rauskommen soll?

Ja, „Seduce Me / Rain“ wird die zweite Release von The Brute : und wird erneut eine Doppel-Single plus Remix EP sein. Zu hören gibt es dann verschiedene Versionen der beiden Titelsongs sowie einen neuen Bonustrack „Stay“. Offizielles Veröffentlichungsdatum ist der 31. Juli 2020. Zu „Seduce Me“ gibt es bereits ein Video, das man seit März auf YouTube anschauen kann.

KKM: Wie gemunkelt wird, hast du jetzt ein Label? Wie kam es dazu und was ist geplant?

Das ist toll, oder? Seit diesem Monat bin ich bei Timezone Records. Dinge passieren manchmal ganz schnell. Erst vor einigen Wochen hatte ich Holger von TZ einfach angeschrieben, da er tolle Künstler aus sehr verschiedenen Genres unter Vertrag hat. Einen Tag später haben wir uns schon extrem lange ausgetauscht und spontan eine Zusammenarbeit beschlossen. Es hat einfach gepasst. Das erste gemeinsame Projekt ist eben die neue Single. Im August ist eine Neuveröffentlichung der Single „Lonesome Hero / And I Want You…“ mit „Lonesome Hero“ in einer überarbeiteten Version geplant, quasi 2.0, Haha. Im Oktober soll es dann schon eine dritte Single geben gefolgt von einem kompletten Album in Dezember 20 oder Januar 21. Das gibt noch viele Nächte im Studio mit Energy-Drinks.

KKM: Wie sind die bisherigen Veröffentlichungen bei deinen Fans angekommen? Welche Reaktionen gab es von Seiten der (Szene – Fach)Presse?

Die erste veröffentlichte Single im letzten Jahr war eine Herzenssache von mir. Ich hatte absolut keine Erwartungen und war völlig überrascht, wie positiv die Reaktionen waren. In Frankreich und in Kanada kam „Lonsome Hero“ sogar bei einem Radiosender in die Rotation. Ein Freund aus Kolumbien rief eines Nachts an, dass er das Video gerade im kolumbianischen Fernsehen sieht. Und auf Facebook bekam das Video unglaubliche 100k Views und fast 600 Shares weltweit. PR in dem Sinne hatte ich gar nicht lanciert, aber dieses unglaubliche Feedback machte dann doch Mut, das ganze ernsthafter weiter zu verfolgen. Interessanterweise kam aus der Szene oder Szenefachpresse gar kein Feedback. (ausgenommen von Dir.) Eine offizielle Pressemitteilung hatte ich natürlich an alle Pressestellen oder Radiosender samt Musik geschickt. Aber ich hatte ja nichts erwartet und mir war klar, dass man sich den Weg erarbeiten muss.

KKM: Wie lange hast du an der Fertigstellung für die neue CD gearbeitet?

Das erste Demo zu „Seduce Me“ hatte ich schon im September 2019 veröffentlicht. Als dann der Deal mit Timezone Records kam, ging alles sehr schnell. Innerhalb von vier Wochen wurden alle Songs und Remixe überarbeitet bzw. „Stay“ gab es vor vier Wochen noch gar nicht. Du siehst ja meine Augenringe Smilie: ;-)








KKM: Wo wurde sie aufgenommen und produziert?

Alle Songs nehme ich komplett in meinem eigenen Studio auf und produziere sie in diesem Sinne auch dort selbst. Das Mastern der Songs machen aber professionelle Hände. Und mit Simon Gibson von den Abbey Road Studios in London habe ich da das Glück, mit einem echten Meister seines Fachs zusammenarbeiten zu dürfen. Seine Arbeiten an den letzten Alben von Depeche Mode werden wohl viele kennen. Er hat einfach das Händchen, die Seele der Songs einzufangen.

KKM: Wurdest du bei der Produktion von jemandem hinter den Reglern unterstützt, oder lag alles allein in deiner Hand?

In der Tat mache ich alles komplett alleine. Texten, Arrangements, Harmonien, jede Note und jeder einzelne Sound ist dann auch tatsächlich von mir. Über die Jahre haben sich bis unter die Decke eine Menge analoge Synthesizer angesammelt und fast jeden Abend wird daran geschraubt. Darin kann ich mich ganze Nächte verlieren.

KKM: Welche Anforderungen stellst du persönlich an einen guten Song?

Er muss überraschen können. Eine unerwartete Wendung oder Harmonie mitbringen oder ein interessantes sich aufbauendes Sounddesign. Auf keinen Fall berechenbar.

KKM: Wenn du neue Songs komponierst, benötigst du da eine bestimmte innerliche Stimmung oder eine besondere Atmosphäre?

Oh ja! Das geht sehr schnell. Musik ist für mich wie eine Droge und ich kann bestimmte Moment im Leben speichern und in den Noten wieder herauslassen. Augen schließen, den Moment vorüberziehen lassen und die Finger machen auf der Gitarre oder dem Key den Rest von ganz alleine. „And I Want You…“ ist auf diese Weise entstanden. Es hat etwas von Melancholie und der Sehnsucht nach dem Schönen, das in jedem und allem steckt, sogar wenn man vor einer Front von dunklen Wolken steht.








KKM: An welchen Orten kannst du dich am besten auf das Schreiben neuer Songs und Texte konzentrieren?

Es gibt da zwei Orte in Spanien und in den Schweizer Alpen, die mich fesseln. Dort sammle ich in Gedanken die Struktur neuer Songs. Die Fahrt dort hin ist schon sehr produktiv. Was ich da so alles in mein Mobile gebrüllt habe. Hahaha. Der Rest ist Fleißarbeit im Studio.

KKM: Welche Themen greifst Du auf und durch was lässt du dich beim Texten inspirieren?

In den Texten geht es ausschließlich um Themen, die mich persönlich berühren. Das können politische Tagesereignisse sein oder ganz persönliche Lebenserfahrungen. Das war nicht immer so. Aber man bringt so einfach mehr Seele in Gesang und Sound. „Seduce Me“ ist solch ein Bespiel. Der Song ist bereits 25 Jahre alt und erst jetzt mit dem neuen Text fühlt er sich vollständig an.

KKM: Wer verbirgt sich alles hinter The Brute: ?

Im Moment bin das nur ich. In der Vergangenheit waren es unter einem anderen Namen vier Mann. Ich hoffe, das wird sich in Zukunft wieder ändern. Gerade, wenn es um Liveauftritte geht. Bei dieser Gelegenheit; ich suche für das Projekt noch einen Gitarristen und einen oder zwei Keyboarder 

KKM: Gibt es so etwas, wie eine grundsätzliche Idee, die sich hinter The Brute: verbirgt?

Oh, das ist schon fast eine philosophische Frage. Musik hat mich schon seit der Kindheit sehr bewegt und letztlich ist Kunst ja oft genug ein Ventil des Erschaffers, um sein innerstes Ich auszudrücken. Da nehme ich mich nicht aus. Letztlich erzählen die Songs kleine Fünfminuten-Geschichten aus meinem Leben. In diesem Sinne, ja, es gibt eine grundsätzliche Idee.

KKM: Wie und wann kam es zur Gründung von The Brute: ?

Wenn Du es wirklich ganz genau wissen möchtest, das war der 03. Januar 2018 in der Oper von Madrid. Ich hatte ein Blind Date das von einer Exfreundin lanciert wurde. Eigentlich witzig. Ihre Lebensfreude hatte mich einfach wie eine Muse fasziniert. Nach über 15 Jahren Abstinenz brachte sie mich ungewollt dazu, wieder ernsthafter Musik zu machen. Zurück zu hause fing ich an „And I Want You…“ zu schreiben. In dem Song geht es eben genau um diesen Moment des Findens des inneren Wesens.

KKM: Wieso hast du dich für den Bandnamen The Brute: entschieden? Steckt für dich dahinter eine tiefere Bedeutung?

Es gibt da einen alten Film mit Clint Eastwood und Lee van Cleef, der heißt im originalen „The Good, The Bad and the Ugly“. Auf Französisch wurde er etwas anders übersetzt „Le Bon, la Brute et le Truand“. Von da ist es entlehnt. Der Doppelpunkt am Ende war ein Versehen beim erstellen des Logos und habe es spontan im Namen belassen.








KKM: Wie zufrieden bist du mit dem bisher Erreichten und was würdest du ändern, wenn du die Zeit zurückdrehen könntest?

Dafür, dass ich am Anfang eigentlich nur einen Song aufnehmen wollte und ansonsten keine Erwartungen hatte, freue ich mich über die Entwicklung. Die Zeit wollten wir schon alle zurückdrehen und natürlich hätte ich mich gefreut, wenn bereits Mitte der 90iger sich etwas ergeben hätte. Seit dem gab es viele gute und schlechte Entscheidungen. Aus heutiger Sicht würde ich nur eines ändern; eher in die Welt hinaus gehen.

KKM: Was war für dich das Schlüsselerlebnis selbst Musik machen zu wollen?

Meine Eltern und Großeltern waren Musik begeistert und nahmen mich immer mit in die Oper. Ich werde bis heute nicht vergessen, wie ich zum ersten mal als Junge den Gefangenenchor aus „Nabucco“ hörte. Und als meine Musiklehrerin mir erklärte, dass Musik nichts als Mathematik ist war es klar, das wollte ich auch machen.

KKM: Wen siehst du als das typischen The Brute : Publikum an?

Uhh, dazu habe ich ganz ehrlich gar keine Meinung. Wahrscheinlich sind alle Liebhaber von elektronische Musik jeder Couleur, potentielle Zuhörer, sei es New Wave oder Alternative Rock aus den 80igern und allem, was sich daraus in den letzten 40 Jahren an Musikstilen entwickelt hat. Aber wie schon erwähnt, interessanterweise kommt gerade aus dieser Szene nur ein sehr überschaubares Feedback. Und ich schreibe die Songs nicht für eine Szene, sondern für mich. Jeder ist herzlich eingeladen, sich diese anzuhören.

KKM: Wie wichtig ist für The Brute : (musikalischer) Erfolg?

Jetzt dann doch sehr! Hahaha. Ganz ehrlich; I want it all!








KKM: Wurdest du dich vielleicht auch (musikalisch) verbiegen lassen, um dadurch eventuell erfolgreicher zu werden, einen fetten Label Deal zu bekommen?

Nein! Klingt plakativ idealistisch, aber hatte ich in der Vergangenheit bereits abgelehnt. In den 90igern gab es mit der damaligen Band Annäherungen mit einem Label aus Köln, das unbedingt wollte, dass wir Deutsch singen und keine Synthesizer mehr benutzen. Das kam nicht in Frage. Ein Label in Hamburg blies in das selbe Horn; tolle Melodien, wir machen jetzt noch einen Tekknobeat à la Scooter drunter und dann läuft’s. Das war es dann auch nicht. Ein Szene Label aus München hatte damals sogar eine Agentin zu einem unserer Konzerte geschickt. Sie wollte wiederum reine elektronische Popmusik ohne Rock- oder Blueskomponenten. Also nein.

KKM: Was möchtest du in naher Zukunft (musikalisch) mit The Brute : erreichen?

Im Moment stehen zwei Dinge im Fokus. Zum einen die Veröffentlichung des Debutalbums und zuvor die dritte Single „Driving To You“. Dafür hatte ich bereits vor zwei Jahren mit einer großen Crew eine Art Agenten Musikvideo an originalen Schauplätzen von „Goldfinger“ in den Schweizer Bergen gedreht, mit freundlicher Unterstützung der Schweizer Armee. Die hatten uns sogar den Showdown in einer der Bergfestungen als Art Bösewicht-Headquarter drehen lassen. Das liegt seit dem in der Schublade. Mal sehen, was dann danach kommt.

KKM: Was war das Peinlichste das dir je passiert ist?

Mein aller erste Auftritt als Frontman meiner damaligen Band. Vorher stand ich nur am Keyboard. Der war so schlecht, dass man sogar Biergläser nach uns warf. Naja, danach konnte es eigentlich nur noch bessere werden. Hahaha.

KKM: Wie wurdest du dich selbst beschreiben?

Ein Genussmensch der viel arbeitet. Auf jeden Fall etwas stur und perfektionistisch. Manchmal zu melancholisch.

KKM: Welche Vorbilder oder Helden hast du?

Meine Großeltern, denen habe ich alles zu verdanken. Ansonsten war ich immer fasziniert von Menschen, die das Unbekannte entdecken und etwas wagen. So jemand wie Columbus oder, auf Musik bezogen, Musiker wie Wagner und David Bowie.

KKM: Wenn du einen Wusch frei hättest, was würdest du dir wünschen?

Ein Tag im Studio mit Alan Wilder. Darf man das sagen?

Fazit: Das anhaltende, musikalische Niveau und die überraschende Umsetzung der Songs machen es zu einem Muss, die anstehende Scheibe an zu hören. Die Tiefe und die starke Anziehungskraft, welche die bisher veröffentlichen Kostproben bieten, zeichnen sie ebenfalls aus.

geschrieben von Claudia Tomaszewski


Bandname: The Brute :

Gründungsjahr: 2018



Youtube :





BLOODRED HOURGLASS Album „Your Highness“ – VÖ: 22.10.21

Bloodred Hourglass veröffentlichen neues Musikvideo zu „Leaves“, um die Veröffentlichung ihres neuen Albums „Your Highness“ zu feiern! 

Das BRHG-Album erscheint heute weltweit via Out Of Line Music

Schaut euch das Video „Leaves“ jetzt hier an:

Mit der unaufhaltsamen Kraft eines Hurrikans erscheint heute das neue Album „Your Highness“ von Bloodred Hourglass. Extrem melodische und ultra-eingängige Melodien, umhüllt von brutalen Gitarren, schweren Drums und rauem Gesang. „Your Highness“ ist das Ergebnis aus einer finnisch-schwedischen Produktion. Das Album wurde von Juho Räihä (SoundSpiral Audio) aufgenommen und von Henrik Udd (Henrik Udd Recording Studios) gemischt und gemastert.

„Leaves is the opening track of the album that immediately brings the ambient kind of breeze and updated soundscape to listeners‘ ears. The song has strong forward-going nature but it has a lot of air with laid-back and beautiful moments as well. It’s about letting go, which is not easy, but sometimes can also be so beautiful.“ 


Das Album ist als CD und LP sowie als limitiertes Deluxe-Edition-Boxset hier vorbestellbar: Mit diesem neuen Album etablieren sich Bloodred Hourglass mit unter die Anführer der neuen Melodic-Death-Metal-Szene. Mit traditionellen Einflüssen und einem Touch Moderne, prädestiniert sich die Band geradewegs, die lodernde Fackel von In Flames, Children of Bodom und den anderen Szene-Paten weiterzutragen. 

01 – Leaves

02 – Drag Me the Rain

03 – Nightmares Are Dreams Too

04 – Leave Out All the Rest

05 – Veritas

06 – Tell Me About Yesterday Tomorrow

07 – Change of Heart

08 – Gone For Now

09 – Kings & Queens

10 – My Prime of Kneel

11 – Until We Meet Again

01 – Rogues (Bonus)

02 – Remembrance (Bonus)

03 – Calm In My Storm (Bonus)

Bloodred Hourglass:
Jarkko Koukonen – vocals

Jarkko Hyvönen – drums

Jose Moilanen – bass

Lauri Silvonen – guitar

Joni Lahdenkauppi – guitar

Eero Silvonen – guitar

Bloodred Hourglass online:

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Band Photo by Carolin Büttner.

THE JOKE JAY Video & Single „Awake“ (8.10.) / Album „Awaken“ (out: 29.10.)

THE JOKE JAY enthüllen endlich das langerwartete Video „Awake“ aus dem Debüt-Doppelalbum „Awaken“! Das Album „Awaken“ erscheint am 29. Oktober 2021.

The Joke Jay veröffentlicht heute endlich die offizielle Single Awake“ mit einem Musikvideo aus dem kommenden Debüt-Doppelalbum „Awaken“ auf das die Fans schon seit einiger Zeit ungeduldig warten. „Awaken“ erscheint offiziell weltweit am 29.10.2021 über alle Dealer eures Vertrauens.

Schaut euch das Video zu „Awake“ hier an:

The Joke Jay, die neue Band um Namensgeber Joke Jay (And One), Produzent und Synth Pop Mastermind Olaf Wollschläger (Vorsprung durch Technik) sowie Allrounder Hilton Theissen (Zoodrake, Akanoid, Dark Millennium) präsentiert sich mit ihrem Debüt-Doppelalbum „Awaken“ im zeitlosen und trendunabhängigen Gewand einer klassischen Rock/Pop-Band mit diversen Einflüssen von Alternative Rock bis hin zu Elektro Spielarten der 70er bis 90er, und genau dem Anspruch, der kompromisslosen musikalischen Ausschweifung. Als Doppelvinyl oder CD könnt ihr hier das Album von The Joke Jay hier vorbestellen und die Band dadurch unterstützen  

english version

THE JOKE JAY finally dropped the long-awaited video „Awake“ from the debut double-album „Awaken“! The album releases on 29th of October, 2021.

The Joke Jay finally releases the official single „Awake“ accompanied by the music video from the upcoming debut double-album „Awaken“ which fans have been impatiently waiting for. The album „Awaken“ will be officially released worldwide on the 29th of October 2021 via all trusted dealers.

Check out the video for „Awake“ now here:

The Joke Jay, the new band around namesake Joke Jay (And One), producer and synth-pop mastermind Olaf Wollschläger (Vorsprung durch Technik), and allrounder Hilton Theissen (Zoodrake, Akanoid, Dark Millennium) presents themselves with their debut double album „Awaken“ in the timeless and individual appearance of a classic rock/pop band with various influences from alternative rock to electro styles of the 70s to 90s, and an approach of uncompromising, musical debauchery. You can pre-order The Joke Jay debut “Awaken” on double vinyl or CD now here:  

Tracklist – CD1:

1. Awake

2. Moonage Daydream

3. Most Of The Tears

4. The Darkest

5. I Know

6. All The Pigs

7. Wisdom Of A Captains Heart

8. Shut The Fuck Up

9. Black Fashion

10. No Place Like Home

Tracklist – CD2:

1. Invasion

2. No Future

3. Sorry For You

4. Feel So Fucked

5. Dead Planet

6. Hello Mother Earth

7. Day: One

8. Demons

9. My Friend

10. War Of The Words

11. A Starman Cannot Fall


ZOODRAKE dropped new single/video „nothing’s wrong“ / Album „seven“

 Zoodrake starten Preorder für das neue Album „seven“ (VÖ: 1. Oktober)

Die zweite Zoodrake-Single und das dazugehörige Video „nothing’s wrong“ sind ab sofort erhältlich – hier streamen: 

Oder schaut euch das neue Video jetzt direkt hier an:

Zoodrake, die Band um Sänger und Produzent Hilton Theissen, geht mit dem zweiten Album „seven“ mit zehn energiegeladenen und emotionalen Songs den einzigartigen Weg konsequent weiter. Das Album „seven“ wurde im Wide Noise Studio in Arnsberg produziert und erscheint am 1. Oktober 2021 auf CD und digital.

Hilton Theissen sagt über die neue Single: „Der Song behandelt das Aufrechterhalten des äusseren Scheins in Zeiten von Depression und der stetig drohenden Resignation. Man macht sich und anderen etwas vor.“

Bereits die erste Single „success of the snake“ offenbarte den gestärkten stilistischen Weg der Band mit einer abwechslungsreichen Bandbreite und mitreißenden Synthie- und Gitarrenwänden auf tanzbaren Beats. Der Zoodrake-Longplayer „seven“ geht noch rauer und ausufernder zu Werke, um das Gesamtbild und das Profil der Band mit einem roten Faden zu ergänzen, der allein durch die stets elektronisch basierten Songs und Hiltons markante Stimme geschaffen wird. Das kommende Album „seven“ kann hier vorbestellt werden:


*supporting Diorama

25.09.2021 Gelsenkirchen – Revierpark Nienhausen

Alle Infos:



01 success of the snake:

02 jackal parade:

03 bleed among vamps:

04 seven:

05 right back

06 nothing’s wrong

07 hit the ground

08 new oceans

09 little mantra

10 chant

Rezension- Zoodrake – „Seven“

Das ist doch schon wieder eine geile Nummer, dachte ich mir bereits, als ich gerade in den zweiten Song des neuen Zoodrake-Albums rein hörte und wurde auch bei den folgenden Songs nicht enttäuscht. Großartiger Elektro-Pop garniert mit Hilton Theissens Stimme und einem Sound der mich einfach abholt. „Seven“ ist das zweite Album des Elektro-Projekts und kann ohne Probleme an seinen Vorgänger „Purified“ anknüpfen.

Los geht es mit „Success of the snake“. Schon ab dem ersten Ton wippten meine Füße automatisch mit. Der Song macht einfach Spaß. Er hat ein ordentliches Tempo mit packenden Beats und Hilton zeigt schon hier die ganze Bandbreite seiner Stimme. Da freut man sich direkt auf den Rest des Albums.

Mit Einflüssen aus dem Industrial Bereich stürmt „Jackal Parade“ voran. Zwischendrin wechselt das Tempo in verzerrt und langsam, um dann in den eingängigen Refrain überzugehen. Das Ganze wird begleitet von vielseitig eingesetzten Synthies. Vielleicht liegt es auch am Konzertentzug der letzten zwei Jahre, aber hier will ich sofort aufspringen und tanzen!

Der Name ist Programm bei „Seven“, denn etwa genauso viele Gesichter hat das Titelstück. Echos, stampfende Drums und melancholische Parts, dazu eingängiger Gesang im Wechsel mit fast gesprochenem Text. Ein Wechselbad der Gefühle. Man muss den Song bis zum Ende hören.

Right back“ ist mein absoluter Favorit auf dem Album. Er erzählt die Geschichte einer wiederbelebten Beziehung, die am Ende immer wieder an dem Punkt ankommt, an dem sie gescheitert ist. Der Song ist tanzbar und treibend. Er stimmt einen nicht traurig. Es ist eher so, als wäre die Person erleichtert darüber, erkannt zu haben, dass sie sich damit im Kreis dreht.

Als wäre man in einer Anfangsszene von Mad Max, so fühlt man sich hingegen bei „Hit the ground“ Hiltons Stimme ist hier fast die ganze Zeit verzerrt. Der Song transportiert eine Euphorie und Aufbruchsstimmung, als müsste man sich endlich auf den Weg machen und sich selbst verwirklichen. Verpackt ist alles in schnarrenden Synthies, harten Beats und Maschinenklängen. Man muss sich einfach bewegen.

Folgt man dem monotonen Piepen eines Senders, erreicht man „Little mantra“. Das Lied macht seinem Namen alle Ehre und ist verflucht eingängig. Hiltons Stimme kommt wunderbar zur Geltung und ist schon für sich ein kleines Mantra. Der Song holt einen nach der ganzen Aufregung des bisherigen Albums wieder etwas runter. Dabei geht er trotzdem nach vorne und lässt einen keineswegs stillsitzen.

Wirklich ruhig wird es dann mit „Chant“. Ein schöner Ausklang mit schwebenden Synthies und beruhigendem Gesang. Er zeigt nochmal ein komplett anderes Gesicht von Zoodrake.

Wer Elektro-Pop mag sollte sich „Seven“ unbedingt anhören. Es ist vom ersten bis zum letzten Ton spannend und überrascht immer wieder mit neuen Stilen. Dazu ist es extrem tanzbar und wird bei mir persönlich auf jeden Fall öfter laufen.

geschrieben von Antje Heine


Solar Fake – New Album „Enjoy Distopia“ CD1+CD2 – VÖ: 12.02.2021 und Video ‚It’s who you are’


– Neue Single & Video ‚It’s who you are‘ veröffentlicht  
– Das neue Solar Fake Album „Enjoy Dystopia“ erscheint am 12. Februar!

Das neue Solar Fake Video ‚It’s who you are’ ist ab sofort hier zu sehen: 

„‘It’s who you are‘ haben wir bereits auf unseren Corona-Sommer-Open Airs gespielt. Die einzelnen ‚Home- Szenen‘ hat jeder separat gedreht, bis auf ein paar Szenen, die wir während der Dreharbeiten zu unserer ersten Single ‚This Pretty Life‘ aufgenommen haben,“ erzählt Sven Friedrich, „und natürlich ist der Clip eine Überspitzung des Bildes, was durch unseren Podcast wahrscheinlich jeder von unserem Privatleben hat. Im Song selbst geht es um unangenehme und schleimige Menschen, die permanent versuchen, ihr Umfeld zu manipulieren.“ 

Drei Jahre nach der Veröffentlichung von „You Win. Who Cares?“ erscheint am 12. Februar endlich das neue Solar Fake Album „Enjoy Dystopia“.

Die Singles streamen oder Solar Fake – „Enjoy Dystopia“ vorbestellen:







Drei Jahre nach dem Silberling „You Win. Who Cares?“ kündigen Solar Fake ein neues Album mit dem Titel „Enjoy Dystopia“ an – ein Album, das den Weg des von Fans geliebten Vorgängers konsequent mehrere Schritte weiter geht.

Das sieht auch Sänger Sven Friedrich so: „Es gibt einige Songs, die näher an „You Win. Who Cares?“ dran sind, andere sind etwas weiter weg. Mit jedem neuen Album schaue ich ein wenig über den Tellerrand und probiere, neue Elemente in die Musik einzubringen, ohne dabei den Solar Fake-Sound zu „verraten.“ Eine Neuerung liegt dem sympathischen Sänger besonders am Herzen: „Es gibt zum ersten mal einen deutschsprachigen Song auf dem Album. Das hatten wir bei Solar Fake noch nie. Ich hatte die Refrain-Zeilen direkt im Kopf, als ich den Song geschrieben habe. Und irgendwie wollte ich das nicht ins Englische übersetzen, das wäre ein Kompromiss gewesen und bei Solar Fake mache ich keine Kompromisse. Nie.“ Starke Worte, aber tatsächlich fügt sich „Es geht dich nichts an“ perfekt auf dem Album ein und zeigt eine bisher unbekannte Facette im Solar Fake Sound. Inhaltlich ist dagegen alles beim Alten, und Solar Fake Fans dürfen sich über in Melodien und Beats gegossene Wut freuen: „Das Album wird von Aggression dominiert, die mal offensichtlicher und mal subtiler ausfällt. Natürlich gibt es auch stillere und traurige Momente. Aber im Groben wird sich derjenige verstanden fühlen, der gerade in der heutigen Zeit nicht weiß, wohin mit seinen Gefühlen, seiner Aggression, seiner Verzweiflung am Menschen, seiner Hilflosigkeit der allgemeinen Dummheit gegenüber.“

„Enjoy Dystopia“ erscheint in verschiedenen Formaten. Als einfache CD, als 2-CD Digipak, als limitierte 2-LP sowie als streng limitierte Box inklusive dem Digipak, der exklusiven Akustik CD „Masked“, Handyhalter, Bandfoto, Geldbeutel und Silikonarmband. Aber das ist noch nicht alles: Drei zufällig ausgewählte Boxen werden ein „Golden Ticket“ enthalten. Mit diesem „Golden Ticket“ kann der Gewinner mit einer Begleitperson einen kompletten Konzerttag mit Solar Fake erleben, von der Ankunft bis zum Abbau, inklusive Catering und Übernachtung nach dem Konzert. Ein ganz besonderer Tag mit einer ganz besonderen Band. Alle Infos:





Schaut euch das Video von Solar Fake – „This Pretty Life“ hier an:

„This Pretty Life“ ist vielleicht nicht der typischste Song von Solar Fake, aber ich weiß auch gar nicht nicht, ob es überhaupt DEN typischen Song von uns gibt“, meint Sänger Sven Friedrich dazu und zeigt damit, dass er auch nach einem Karrierehighlight wie „You Win. Who Cares?“ nicht auf Nummer sicher geht. Und er hat mit beiden Aussagen recht, denn einerseits fügt „This Pretty Life“ dem Sound der Band eine deutlich neue Facette hinzu, andererseits bekommen Fans alles, was sie an der Band kennen und lieben: Ein eingängiger Beat, simple und doch tief gehende Synthie Melodien und die unverkennbare Stimme von Sven, die den Hörer sofort gefangen nimmt. „This Pretty Life“ ist eine handnummerierte Clubsingle inklusive drei Bonus Tracks. Jetzt überall erhältlich als MaxiCD (Limited Edition) sowie digital:






Solar Fake:
Sven Friedrich (vocals)
André Feller (keyboards, bass)
Jens Halbauer (drums)









CD 1:
1. At Least We‘ll Forget
2. I Despise You
3. This Pretty Life
4. Arrive Somewhere
5. Es geht dich nichts an
6. It‘s Who You Are
7. Trying Too Hard
8. Implode
9. Just Leave It
10. Wish Myself Away

CD 2:
1. Join Me In Death
2. Where Is My Mind
3. Es geht dich nichts an (Faelder Remix)
4. Implode (Blutengel Remix)
5. Arrive Somewhere (Solitary Experiments Remix)
6. This Pretty Life (Iris Remix)
7. I Despise You (Massive Ego Remix)
8. Trying Too Hard (Dunkelsucht Remix)
9. At Least We‘ll Forget (Backline Remix by Blood & Tears)
10. It’s who you are (Random Starlight Remix)
11. I despise you (Vintage Remix by NAN)
12. At least we’ll forget (Uplifting Emotional Mix by Anja & Alex)
13. It’s who you are (Ost+Front Remix)
14. Just leave it (Lord of the Lost Version)

1. I despise you (Piano Version)
2. This pretty life (Acoustic Version)
3. Arrive somewhere (Acoustic Version)
4. Implode (
5. Just leave it (Piano Version)
6. It’s who you are (Acoustic Version)
7. Wish myself away (Acoustic Version)

Photo Credit: Melanie Haack

Review – Solar Fake – Enjoy Dystopia

Liebe Freunde der düster-elektronischen Musik und charismatischen Sänger, das Warten hat ein Ende. Am 12. Februar 2021 erscheint, drei Jahre nach „You win. Who cares?“, das sechste Studioalbum von Solar Fake. Die Jungs haben sich nicht lumpen lassen und „Enjoy Dystopia“ in mehrere Varianten verpackt. Das gute Stück ist als simple CD, 2-CD Digipack oder als streng limitierte Fanbox mit 3 CDs und allerlei Leckerlis erhältlich. Auch wer sich seine Musik lieber als Vinyl ins Regal stellt, wurde mit der limitierten 2-LP Version nicht vergessen.

Nun aber zu den inneren Werten des neuen Albums.

Wie der eine oder andere vielleicht verfolgt hat, konnte man sich mit „This pretty life“ und einem wirklich unterhaltsamen Videoclip bereits einen ersten kleinen Eindruck verschaffen. Was mir sofort auffiel: Der Einsatz der elektronischen Klänge wurde etwas reduziert. Die Musik ist deshalb aber nicht weniger mitreißend und es ist immer noch ganz klar Solar Fake. Sven hat sich dieses Mal jedoch anscheinend eher für die klaren Klänge entschieden, was ich auch gerne mag.

Eröffnet wird das Album mit „At least we’ll forget“. Man wird gleich von sehr klaren Synthies begrüßt, bevor Svens Stimme einsetzt. Der Song macht sofort Spaß und lädt zum mit wippen ein. Mit druckvollen und ruhigeren Abschnitten bildet er eine gute Gesamtübersicht über die folgenden Stücke.

I despise you“ dürfte denen, die das Glück hatten eins der Sommer-Open-Airs zu besuchen, bereits bekannt sein. Mich erinnert er am Anfang ein bisschen an „All the things you say“ vom Album „Another Manic Episode“. Automatisch fangen meine Füße an zu zucken. Erstaunlich wie man bei einem Song, der davon handelt, wie sehr man jemanden verachtet, so gute Laune bekommen kann.

Enjoy Dystopia“ überrascht außerdem mit dem ersten deutschen Titel in der Geschichte von Solar Fake. „Es geht dich nichts an“ beginnt direkt aggressiv und erscheint in seinen Aussagen kompromisslos. Der Text ist eher gesprochen als gesungen und zeigt eine völlig neue Facette der Band. Ich musste mich ein bisschen rein hören und bin sehr gespannt auf die Live-Umsetzung.

Ein schneller Beat verpackt die textlich schwere Kost von „It’s who you are“ gut tanzbar. Der Refrain geht ins Ohr und Svens Stimme bleibt im Kopf. Auch zu diesem Song ist ein Video erschienen, das die privaten Eigenschaften von André, Jeans und Sven mit einem Augenzwinkern darstellt. Der geneigte Podcast-Hörer wird hier viele der Dinge wiederfinden, welche die Jungs dort so erzählen.

Ein absoluter Ohrwurm ist „Implode“. Dieses Gefühl, wenn man genug hat, es einem wirklich reicht und man es nicht rauslassen darf oder kann, das kennt wahrscheinlich jeder. Der aggressive Unterton im Song beschreibt es gut, garniert mit dem Lächeln, dass man nach außen zeigt. Die orchestrale Umsetzung auf der Bonus-CD „Masked“ ist auch wirklich der Wahnsinn und sehr zu empfehlen.

Just leave it“ ist eher ein Midtempo Song. Er vermittelt mir das Gefühl einen Brief zu lesen. Als würde jemand aus der Vergangenheit rufen, die Dinge die einen unglücklich machen endlich ruhen zu lassen. Sehr mitreißend und mit einem Hoffnungsschimmer versehen. Auch die Pianoversion von Lord of the Lost hat mich sehr berührt.

Den Ausklang bildet die Ballade „Wish myself away“, sie beginnt sehr ruhig und klar. Die Einsetzende Stimme trägt einen davon und man würde gerne mit Sven mitgehen, wohin auch immer er möchte. Der Song hinterlässt mich, wie so oft, mit einem emotionalen Cliffhanger, der auf baldige Fortsetzung hoffen lässt.

Auf „Enjoy Dystopia“ klingt kein Song wie der andere. Sven hat Solar Fake wieder einmal neu erfunden und ist sich dabei trotzdem treu geblieben. Die zehn neuen Songs bieten alles was das Herz begehrt, von Melancholie und Schwere bis zu Tanzbarkeit und dem Scheiß-auf-alle-anderen-Gefühl ist wirklich alles dabei.

Wer außerdem schon immer wissen wollte, wie HIM im Gewand von Solar Fake klingen würden, der sollte sich die Coverversion von „Join me in death“ keines Falls entgehen lassen. Ich, als langjähriger HIM-Fan war skeptisch, aber es ist wirklich gut geworden.

geschrieben von Antje Heine







Interview – Solar Fake

Am 12.Februar 2021 hat das Warten für die Fans von Solar Fake ein Ende. Drei Jahre nach dem letzten Album folgt nun „Enjoy Dystopia“. Ich habe mich für euch mit Sven Friedrich unterhalten und ihm das ein oder andere Detail zum neuen Werk entlockt.

KainKlang: Hallo Sven! Das verrückte Jahr 2020 ist nun gerade vorüber. Wie hast du die letzten Tage des Jahres verbracht?

Sven: Ich habe Silvester in Spanien verbracht. Da befindet sozusagen mein Zweitwohnsitz und es ist eine total ruhige Ecke. Da wird nie geknallt und es gibt keine Böller und ich war um null Uhr tatsächlich mit dem Hund draußen spazieren. Im Berliner Umland, wo ich ja normalerweise wohne, ist das undenkbar. Ich hatte bis Weihnachten auch extrem viel Stress und da habe ich dann über die ganzen Feiertage auch mal ein bisschen ruhiger gemacht und mich erholt.

KK: Euer neues Album „Enjoy Dystopia“ steht in den Startlöchern. Wie viel Arbeit hast du in den gut 4 Wochen bis es erscheint noch vor dir?

Sven: Die Grafik und die Musik ist schon eine Weile fertig. Ich habe die Website von Solar Fake noch erneuert und sitze jetzt gerade noch am Videoclip für „It’s who you are“, der am 28. Januar erscheint. Da ist immer noch genug zu tun.

KK: Das ist ja nun bei weitem nicht euer erstes Album. Ist die Aufregung kurz vor dem Erscheinen trotzdem noch groß?

Sven: Ach, hör bloß auf. Ich habe da jetzt über ein Jahr so ziemlich jeden Tag dran gearbeitet, also wirklich eine ziemlich lange Zeit, und es ist natürlich sehr spannend wie das dann so ankommt. Ob das außer mir überhaupt noch jemand mag. Ich meine, solange man noch dran arbeitet, denkt man ja, man hat da irgendwie noch was in der Hand, um noch was daran zu machen. Aber wenn es einmal abgegeben ist, dann ist es halt so wie es ist und dann kannst du nur noch abwarten. Das ist schon eine ziemliche Qual für mich. Am besten wäre es, wenn es nach dem Abgeben am nächsten Tag auch einfach rauskommt, aber so funktioniert das ja leider nicht, da müssen halt erst noch CDs gepresst werden. Es ist ja auch wichtig etwas zu machen, das man in der Hand halten kann. Ich glaube unsere Fans stehen da auch drauf, gerade auf die Fanboxen. Es wird außerdem auch eine Vinyl-Version geben. Das hat schon was.

KK: Was hast du selbst für Erwartungen an „Enjoy Dystopia“? Ist eine Platzierung in den Charts für dich wichtig oder bist du da eher entspannt?

Sven: Eigentlich bin ich da ziemlich entspannt. Aber dadurch das unsere letzten beiden Alben auch schon relativ gut in den Charts eingestiegen sind und sogar unser Live-Album „Who Cares? It’s live.“ auf Platz 25 eingestiegen ist, da wäre das natürlich schon nicht ganz blöd. Aber andererseits bedeutet es ja auch nur wie viel Umsatz macht welcher Künstler in dieser Woche des Jahres. Wenn man dann eine der Wochen erwischt, mit sehr vielen Veröffentlichungen, dann rutscht man eben auch mal 10 oder 20 Plätze weiter nach hinten. Und in einer anderen Woche sind dann relativ unbekannte Bands in den Top 5. Also so eine richtige Aussage, darüber wie erfolgreich du als Künstler bist, trifft eine Platzierung am Ende auch nicht. Eigentlich kann es einem also egal sein, aber es ist natürlich trotzdem schön, wenn man da eine tolle Platzierung erreicht hat. Ich würde es mir wünschen, aber ich bin jetzt auch nicht am Boden zerstört, wenn es eine schlechtere Platzierung wird.

Früher hatte das noch eine Wertigkeit was die Konzerte anbelangt, ob man als Künstler gebucht wird oder nicht. Heute achtet da kein Veranstalter mehr drauf. Da wird geschaut wie viele Tickets man verkauft und dann buchen sie dich oder lassen es halt bleiben. Die Chartplatzierung ist dann eher etwas für das Künstler-Ego.

Es bedeutet mir insgesamt auf jeden Fall mehr, wie die Musik bei den Leuten ankommt. Wenn mir die Fans schreiben, was sie mit den Songs verbindet, das finde ich dann schon besser. Oder wenn einfach viele Leute zum Konzert kommen. Das ist dann schon eher ein Spiegel dessen, wie erfolgreich du bist.






KK: Als Chef der Band, wie André und Jeans es so gerne bezeichnen, ist dein Einfluss auf das Album wohl am größten. Welche Musik hast du im Schaffensprozess privat gehört und hat diese Musik das Album vielleicht auch ein Stück weit beeinflusst?

Sven: Da ich ja wirklich alles selbst mache, tendiere ich dazu mich sehr schnell verunsichern zu lassen. Deshalb höre ich in dem ganzen Prozess nicht so unendlich viel Musik. In der technischen Phase, wo man die Songs mischt oder mastert, da höre ich dann schon relativ viel fremde Musik von der ich weiß, dass sie gut klingt. Es kam aber in der letzten Zeit auch nicht viel Musik raus, die meinen Geschmack so hundert prozentig trifft, außer das letzte Album von Iris „Six“, das habe ich viel gehört.

KK: Ist es dir ohne die ganzen Eindrücke, die die Touren sonst so mit sich bringen schwerer gefallen am neuen Album zu arbeiten? Hat es dich in deiner Kreativität beeinträchtigt?

Sven: Nee, eigentlich nicht.

Wir hatten das Glück, dass wir unseren zweiten Teil der Tour zum letzten Album im Januar und Februar noch machen konnten und auch noch einige Konzerte in Spanien spielen konnten. Somit hatten wir Anfang des Jahres ja schon noch so ein bisschen Tour Leben. Dass im Sommer die ganzen Festivals weggefallen sind, war schon sehr schade, das macht mir immer tierisch viel Spaß.

Aber letzten Endes für die Produktion war das an sich gar nicht so schlecht. Ich habe das ganze Album mehr oder weniger in Spanien produziert und wenn ich dann beispielsweise nach Deutschland fahre für ein Konzert, dann kann ich mir immer nur ein bisschen Arbeit mitnehmen. Das heißt auch, dass ich aus dem Arbeitsfluss raus gerissen werde. Ich denke, dass ich dadurch jetzt etwas schneller gewesen bin, sonst wäre das neue Album wahrscheinlich erst im Frühjahr oder Sommer erschienen. Das wäre auch kein Drama gewesen, aber so ging es halt etwas schneller.

KK: Ich durfte schon mal in die neuen Werke hinein hören. Dabei ist mir ein Lied besonders aufgefallen: „Es geht dich nichts an“ hat den ersten deutschen Text in der Geschichte von Solar Fake. Wie kam es zur doch eher ungewöhnlichen Umsetzung mit dem „Sprechgesang“?

Sven: Als ich den Song geschrieben habe, hatte ich diesen Refrain-Teil textlich und gesanglich schon fest im Kopf. Ich hatte dann eine ganze Zeit lang überlegt, wie ich jetzt daraus etwas adäquates in Englisch machen könnte und hab mir dann am Ende gedacht: „Das ist doch Blödsinn. Du hast es ja eigentlich und dann machst du denn Song jetzt halt auf Deutsch, das ist ja nun auch kein Beinbruch.“ Ich habe den Text super schnell geschrieben. Normaler Weise sitze ich da ewig dran, aber der schrieb sich einfach so runter. Nach ein, zwei Tagen war er fertig.

In dem Song geht es ja vorrangig darum, wie Leute auf Menschen mit einer psychischen Beeinträchtigung reagieren. Da kommen dann halt so unreflektierte Leute und sagen beispielsweise zu einem depressiven Menschen, dass er sich mal zusammenreißen soll. Die ganzen Strophen sind ja nur eine Aneinanderreihung von Plattitüden, die einfach ohne viel darüber nachzudenken, den Leuten an den Kopf geworfen werden, die an genau solchen Sachen dann zugrunde gehen. Es passt halt auch nicht dazu, zu diesen Aussagen viel zu singen, deshalb ist es eher gesprochen.

KK: Zu „This pretty life“ habt ihr ein sehr unterhaltsames Video produziert. Warum wird eigentlich immer André umgebracht? Bei „Under Control“ musste er ja auch schon dran glauben.

Sven: (lacht) Er bietet sich halt einfach an. Nee, er ist von uns schauspielerisch am talentiertesten. Wir sind ja nun alle keine Schauspieler und André kann das einfach am besten rüberbringen. Der hat da überhaupt keine Hemmungen. Deshalb bekommt er die schwierigsten Rollen und das ist in dem Fall eben mal wieder zu sterben.

KK: „I despise you“ weckt bei mir Erinnerungen an „I don’t want you in here“ und „All the things you say“. Folgt hier möglicherweise auch ein Video im ähnlichen Stil, so dass es eine Trilogie wird?

Sven: Wir machen auf jeden Fall noch mehr Videos, haben damit aber noch nicht angefangen. Das werden dann auch nicht mehr so super aufwendige Videos. Momentan schränkt der Lockdown die ganze Sache auch extrem ein. Wir haben noch ein paar Ideen, wo wir mal schauen müssen was zu welchem Song am besten passt aber da ist jetzt noch nichts geplant.

Bei „All the things you say“ und „I don’t want you in here“, sollte es eigentlich ein Videoclip werden. Wir haben aber diese Story überhaupt nicht in einen Song gepackt gekriegt und dann haben wir geguckt, wo können wir das unterteilen und welcher Song passt noch zu dem visuellen Stil. Deshalb haben wir das auf die zwei Songs verteilt, da es auch in der Mitte der Story so eine Zäsur gab. So was haben wir jetzt aber erstmal nicht geplant.






KK: Der Song „Implode“ ist bei mir direkt hängen geblieben. Wie ist das bei dir? Implodierst oder explodierst du eher?

Sven: Abwechselnd. Implodieren ist ja so ein Ding, wenn alles so komplett in sich zusammenfällt. Man aber selbst in dem Moment nicht fähig ist das raus zu lassen, weil man es nicht kann oder es einfach gerade nicht geht und irgendwo muss das ja alles hin. Dann geht es halt nach innen und das ist natürlich schlecht. Darum geht es in dem Song und das passiert natürlich auch mir. Ich kann aber auch nach außen, also das geht schon auch. Seit ich vor fast 10 Jahren aufgehört habe mit Rauchen passiert das auch viel häufiger. Gerade in der ersten Zeit war das echt schlimm, auch für meine Umwelt. Jetzt habe ich das aber wieder besser im Griff.

KK: Wish myself away“ ist soweit ich feststellen konnte, die einzige Ballade auf „Enjoy Dystopia“. Gibt es einen Grund dafür?

Sven: Ich habe ja bei Solar Fake meistens nicht so viele Balladen auf den Alben. Das ist meistens so der letzte Song und oft gibt es einen Midtempo Song, in dem Fall „Just leave it“. Mehr ist da eher selten drauf. Ich glaube, ich habe auch so ein bisschen Angst davor so ein Balladen-Musiker zu werden. Viele Musiker werden ja im Alter immer harmloser, immer lieblicher und immer gefälliger und das will ich auf gar keinen Fall. Deswegen lass ich mich nicht so oft dazu hinreißen solche Songs zu schreiben, weil es mir bei anderen so auf den Sack geht. Es gibt aber natürlich auch ganz viele Beispiele wie Project Pitchfork, Suicide Commando oder Combichrist, die werden ja auch im Alter nicht harmloser und das finde ich auch gut so. Das ist dann eher so meine Orientierung.

KK: Unter anderem als Vinyl oder aber in der Fan-Edition mit drei CDs, wo auch Remixe und akustische Aufnahmen dabei sind. Was entsteht bei der Albumproduktion zuerst, der akustische oder der elektronische Teil?

Sven: Ich mach immer zuerst die elektronischen Sachen und davon ausgehend bekommt Dirk Riegner, unser Pianist, dann die Demoversionen. Er schickt sie mir dann quasi auf dem Piano zurück oder manchmal auch schon als arrangiertes Stück. Ich singe dann darauf und dann bekommt es Norman und auch André und Jeans und die spielen dann alle ihr Zeug dazu. Am Ende kommt dieser ganze Wust wieder zu mir zurück. Ich mische es dann zusammen und mache, dass es schön klingt. Das macht richtig viel Spaß, einfach auch weil das schöne und ganz andere Versionen sind, obwohl es immer noch erkennbar die gleichen Songs sind. Aber die Basis für alles sind schon die Elektroversionen.

KK: Hat dich einer der Remixe besonders überrascht oder warst du auf einen besonders gespannt?

Sven: Auf den Remix von Iris bin ich sehr stolz, aber ich habe auch einen Remix für sie gemacht. Das ist immer ein Geben und Nehmen. Das ist eigentlich ganz cool, denn man bezahlt dann halt mit seiner eigenen Arbeit.

Ich finde aber alle Remixe sehr, sehr toll. Da war ich insgesamt wirklich überrascht. Die Remixe von Solitary Experiments, Massive Ego oder Blutengel sind großartig. Von Lord of the Lost diese klassische Version von „Just leave it“ und Faelder mit der Rockvariante von „Es geht dich nichts an“, die sind alle wirklich toll geworden. Die sind alle echt abwechslungsreich und machen Spaß zu hören. Ich bin auch froh, dass da so große Namen mitgemacht haben.

KK: Haben die Künstler für die Remixe freie Hand oder gibst du vor in welche Richtung es gehen soll?

Sven: Nee, die haben da komplett freie Hand. Sie können da machen was sie wollen. Sonst macht das ja auch keinen Sinn. Ich gebe meistens zwei Songs zur Auswahl. Man will ja auch nicht x-mal den gleichen Song in unterschiedlichen Versionen drauf haben, sondern schon möglichst das ganze Album abdecken. Die Songauswahl ist also eigentlich das Einzige, wo ich mich einmische und alles andere ist komplett deren Ding.







KK: Singst du dafür die Songs nochmal neu ein? Der Unterschied zum Original ist ja beispielsweise bei „I despise you“ im Massive Ego Remix doch recht groß.

Sven: Nee, das ist alles der originale Gesang. Da ist nichts neu eingesungen. Ich mische das ja dann auch nicht nochmal. Ich bekomme am Ende eine Audiodatei und das wars.

KK: Ich habe auf den Tracklisten unter anderem „Join me in death“ von HIM als Coverversion von euch gefunden. Warum fiel die Wahl auf diesen HIM Song?

Sven: Ich finde den Song toll und ich hatte mal diese Schnapsidee einen Song von HIM zu covern. Dann habe ich erstmal bei Ville nachgefragt, ob das in Ordnung ist. Er meinte das wäre eine Ehre und da habe ich es mal probiert. Ich habe ihm die Demoversion geschickt und Ville fand die cool und da haben ich mir gedacht, na dann mache ich das doch mal. Ganz einfach also.

KK: Was macht dir persönlich mehr Spaß, die Produktion oder die Live-Auftritte?

Sven: Das Schöne an Solar Fake ist, dass mir alles daran Spaß macht. Ob es nun die Produktion ist, oder die Konzerte, das Videodrehen oder die Grafiken. Aber ich kann mich da halt auch komplett austoben, mir redet da niemand rein. Das ist einfach komplett, hundert prozentig mein Ding.

Bei den Konzerten von Solar Fake ist die Chemie auf der Bühne so stimmig und überträgt sich direkt aufs Publikum, das hatte ich bisher auch mit noch keiner Band. Meistens sind ab dem ersten Song alle am Springen und Tanzen und Jubeln. Das ist schon sehr cool und macht tierischen Spaß, wenn du merkst, dass die Leute von Minute eins an einfach nur Spaß haben. Viel besser geht es ja nicht. Das ist einfach perfekt. Ich hoffe das ist so auch bald wieder möglich, obwohl ich auch unsere Corona-Open Airs echt toll fand. In Hannover war es etwas schwieriger, weil die Leute da nicht aufstehen durften, die haben dann halt im Sitzen getanzt. Das ging auch. Das war vielleicht nicht so cool, aber ich glaube, Spaß hat es ihnen trotzdem gemacht.

KK: Das Abschlusskonzert zu „You win. Who cares?“ in Görlitz wurde ja inzwischen auf den 13.11.2021 verschoben. Wird dieses Konzert überhaupt noch zur alten Tour stattfinden, oder bindet ihr es in die Tour zu „Enjoy Dystopia“ ein?

Sven: Ja, na klar. Das ist ja Quatsch zu einem Album ein Konzert zu geben, dass dann schon nicht mehr das aktuellste ist. Das wird dann einfach ein Konzert in der nächsten Tour.

KK: Habt ihr für 2021 insgesamt eine Tour geplant oder wartet ihr lieber noch bis es wieder wahrscheinlicher ist die Konzerte dann auch wirklich spielen zu können?

Sven: Eigentlich hatten wir sehr viele Konzerte schon geplant. Es sollte im März mit den ersten Konzerten losgehen und wäre bis in den Mai rein gegangen. Das ist ja nun logischer Weise alles schon wieder hinfällig. Jetzt schieben wir gerade alles auf Anfang 2022. Mal schauen, ob es da noch ein paar schöne Daten gibt, die frei sind. Wir müssen mal gucken was im Sommer so geht, ob wir da vielleicht wieder ein paar Open Airs machen können. Ich denke das wird dieses Jahr alles eher spontan ablaufen. Hoffen wir einfach, dass ab Ende des Jahres alles wieder ein bisschen entspannter ist.






KK: Live steht ihr seit der letzten Tour neben den Drums auch gelegentlich mit dem Bass auf der Bühne. Werden in Zukunft noch weitere Instrumente hinzukommen?

Sven: Nein, das reicht. Ich will auch auf gar keinen Fall eine Gitarre auf der Bühne oder so. Wir sind zu Dritt so gut eingespielt und verstehen uns so gut, das ist wirklich perfekt. Es fehlt nichts und ich finde das jetzt gerade absolut genial und so lassen wir das jetzt erstmal. Das heißt jetzt nicht, dass es für immer so bleiben muss, vielleicht stellt man irgendwann fest, dass doch noch jemand viertes auf die Bühne muss, nur momentan würde ich das absolut nicht sehen. Das André ab und zu Bass spielt finde ich cool, weil es eben auch noch mal was anderes ist.

KK: Seit dem Frühjahr 2020 verwöhnt ihr eure Fans regelmäßig mit einem Podcast. Wie kamt ihr auf diese Idee und wie gut kommt der Podcast an?

Sven: Der Podcast kommt sehr gut an und wir haben eine stetig wachsende Hörerschaft. Das war alles so ein bisschen aus der Not heraus geboren. Wir wollten uns nicht jeder in seinem Wohnzimmer vor eine Kamera setzten und auf Akustikgitarre unsere Songs spielen. Wir haben halt überlegt wie man sonst für die Fans da sein kann und was man für sie machen könnte. Dann haben wir uns gedacht, wir probieren das mal. Der erste halbe Versuch kam so gut an, genau wie die nächsten Folgen, dass es sich nun so eingespielt hat, dass der Podcast nun mehr oder weniger wöchentlich stattfindet. Wir haben gestern den 32. Podcast aufgenommen. Ich hätte gar nicht gedacht, dass wir so viel zu sagen haben. Also eigentlich haben wir ja gar nichts zu sagen. Die Gespräche sind irgendwie so, wie wenn wir gemeinsam in den Tourbus steigen und losfahren. Insofern war das, gerade während der ersten Corona-Welle, ein Ersatz für das Tourbus-Gefühl.

KK: Vielen Dank für deine Zeit und bleib gesund!

Sven: Gerne, du auch!

geschrieben von Antje Heine













diorama – tiny missing fragments – VÖ: 23. Oktober 2020 – inklusive Interview mit Torben Wendt

„tiny missing fragments“ ist das zehnte Studioalbum der Dark Wave Avantgardisten von diorama, veröffentlicht am 23. Oktober 2020 auf allen Kanälen.
Seit jeher gelten diorama als verkopft und unkonventionell. Und nie zuvor war dieses Label so berechtigt wie heute. Auf „tiny missing fragments“ vollziehen diorama einen konsequenten Bruch mit klassischen Elektro- Arrangements. Ihre emphatischen Botschaften verpacken sie stattdessen in Glitch Beats, komplexe Loops und atmosphärische Dichte. Episch und melodiös wird es in den Refrains, in denen die melancholische
Leichtigkeit früherer Releases wie „amaroid“ und „her liquid arms“ durchscheint.
Aufgenommen und produziert wurde das Album in Eigenregie von Torben Wendt und Felix Marc. Neben den eindringlichen Vocals und den vielen Sounddetails tragen auch die psychedelischen Gitarreneffekte von Zura Nakamura entscheidend zum Charakter des Albums bei. Für Präsenz in den Clubs dürften Tracks wie „gasoline“ oder der von zoodrake produzierte Remix von „horizons“ sorgen. Seine Strahlkraft erhält das Album aber durch die verstörende, zerrissene Ästhetik, die sich insbesondere bei Balladen wie „irreversible“
oder „dark pitch“ entfaltet.

Als Vorboten zur Albumveröffentlichung werden mehrere Single-Releases inkl. Videomaterial ausgekoppelt.
Das Coverartwork entstand in Zusammenarbeit mit dem niederländischen Künstler Faizki, der exklusiv für dieses Release eine Bilderserie anfertigte.

diorama bestehen seit 1996 und blicken zurück auf eine Vielzahl an Veröffentlichungen und Auftritten bei Konzerten und Festivals. Das Line Up der 4 Musiker ist seit vielen Jahren (abgesehen von einem Wechsel an
der Gitarrenposition) unverändert.

line up:
torben wendt – songwriting, production, vocals
felix marc – co-production, keyboards
zura nakamura – guitars, spring board, efx
markus halter – drums

01 – avatars
02 – patchwork
03 – horizons
04 – gasoline
05 – dark pitch
06 – charles de gaulle
07 – counterloop
08 – sensation
09 – irreversible
10 – iisland
11 – the minimum
12 – orbitalia

Rezension – „tiny missing fragments“

‚Tiny Missing Fragments‘ , am 23.10.20 ist es zu haben und ihr solltet nicht nur eure Ohren öffnen. Zugegeben bin ich wohl sehr voreingenommen, was diese Band betrifft, denn ich höre sie seit einer gefühlten Ewigkeit und bin immer gespannt wie ein Flitzebogen, wenn es etwas Neues gibt. Mich fasziniert es einfach, jedes Mal eine Überraschung zu erleben.

Beim ersten anhören dachte ich:“Was? Das soll Diorama sein? Beim zweiten Mal hatte ich sofort 3 Favoriten. Und dann ging es wieder los, ich habe den ganzen Tag damit verbracht, mich quer durch alle Scheiben zu hören:-)

Mir wurde erneut klar, was für geniale Texte es immer sind, die mich nicht mehr loslassen. Die mich immer dazu bringen, alles was ist, zu überdenken!

Auf jeden Fall kann man ganz klar erkennen, das hier echte Meister am Werk sind. Kreativ, schöpferisch und musikalisch begabt.

Erneut wird der bisher eingeschlagene Weg verlassen, um sich neu zu positionieren und zurück zu musikalischen Wurzeln und den eigentlichen Wesenszügen zu kehren.

Bravourleistung kann ich nur sagen, wenn die diffizil gewählten Satzpartikel

eine Unteilbarkeit ergeben. Schlichtheit an Wörtern, Ausdrücklichkeit als Konsequenz. Nichts, was hier nicht verstanden werden kann. Das macht es definitiv unverwechselbar.

Die Partitur absichtlich nicht harmonisch. Zerrissen, wie Fetzen, wie als würde jemand im Traum zu mir sprechen, um mich auch wirklich im Innersten zu erreichen.

Ich zitiere: „Auch wenn das nicht beabsichtigt war, passt das Album aus meiner Sicht fast wie ein Soundtrack in dieses durchgeschüttelte, verstörende, für viele auch einsame Jahr.“(TWN) – dem ist nichts mehr hinzu zu fügen.

Starten wir mit “Avatars“, eine Melange aus trostreich und verstörend. Nicht ganz einfach, hier hinein zu finden. Ungezügelte Tonzeichen versetzt mit einem das Gemüt treffenden Bezugsrahmen.

Forsch kommt „Patchwork“ daher. Die freundliche Stimme von Torben, vor einem anhaltend, opulenten Background.

Ich bin bei mir angekommen, ich muss mich nicht verbiegen, für Nichts und Niemanden, weil ich mit dem was und wie ich bin, zufrieden bin. By the way: Ich hab es lange genug versucht, jedem gerecht zu werden, aber ich bin nur ein Mensch und keine Maschine! Akzeptiere mich so oder geh einfach.

Sehr schön, das ist überhaupt ein sehr wichtiges Merkmal für einen reflektierten Menschen, der im Gegenzug auch das Gleiche zurück geben wird. Leider nur gibt es davon viel zu wenig.

Auszeichnend für „Horizons“ sind die unterkühlten, ausschlagenden und nicht glatten Sounds.

Hier nun ein paar meiner Favoriten: „Gasoline“ und „Counterloop“, da ist es wieder, was man erwartet und sich freut wie ein kleines Kind zu Weihnachten!  Wer jetzt nicht von selbst anfängt, sich in irgendeiner Art zu bewegen, der muss wohl scheintot sein;-) Hier nicht zu vergessen ist „Charles de Gaulle“. Reißt ein die Türen, stürmt die Clubs und tanzt! Lebt!

Dafür liebe ich Diorama. Manchmal braucht es nicht viel, aber das ist dann so ein angekommen sein, das kann nichts toppen!

„Dark Pitch“ ist der beste Beweis dafür, wie man Farbe bekennt. Hier wird mehr als deutlich, das es die Musiker sind, die bestimmen, was wir hören und was sie uns mitteilen wollen. Kein weichgespülter Allerweltssound, der prima im Radio hoch und runter läuft, weil jeder ihn toll findet.

Das zwei Menschen, Felix und Torben, mit einer Stimme spielen, ist schon eine „Sensation“.

Lichtlose, schwermütige Atmosphäre, aufmerksam definiert. “Irreversible“ – sachte dichterische Abschnitte unterlegt mit radikalen Bruchstücken. Genau die spezielle Art, den Ansatz in die Tat um zu setzen. Sehr genial!

‚The Minimum‘ eine dieser wunderschönen Balladen, in denen man so richtig schwelgen und vergessen kann. Manchmal ergibt Minus und Minus eben doch Plus.

‚Orbitalia‘ nicht nur der Hinweis auf das Ende des Albums, nein, auch ein kleiner Hinweis auf, ich zitiere: „Die Weiterentwicklung in eine neue Richtung auf der Weltraumkarte. „ (TWN)

Und in ihrer Schlussbetrachtung kommt die Hörerin zu folgendem Fazit:

Alles neu und doch bekannt. Wie immer in perfekter Vertonung und mit anspruchsvollen Texten. Das Album macht wach, es verstört, es zeigt auf, das man mit sich Selbst im Reinen sein muss. Das man sich nicht anderen unterordnen muss, um jemand zu sein.

Es beruhigt und bringt nach Hause. Es braucht Zeit, um es zu verstehen, aber das ist doch genau das Schöne, wenn man es das „10. Mal“ anhört und immer noch etwas neues entdeckt.

Bitte führen Sie es umgehend live und in Farbe auf, damit wir die volle Energie und Freude erleben dürfen!!!

geschrieben von Claudia Tomaszewski

Zitate sind nachzulesen im Interview;-)

Interview mit Diorama -Torben Wendt

KKM: Am 23.10.2020 erscheint euer 10. Album „tiny missing fragments“. Ich persönlich bin immer gespannt wie ein Flitzebogen, wenn es etwas Neues von euch gibt. Mich fasziniert es einfach, jedes Mal eine Überraschung zu erleben. Wie denkt ihr kommt die neue Scheibe bei den Fans an?

TWN: Auch wenn das nicht beabsichtigt war, passt das Album aus meiner Sicht fast wie ein Soundtrack in dieses durchgeschüttelte, verstörende, für viele auch einsame Jahr. Aber ob das auch so empfunden wird, ob die Songs in der Lage sind, die Leute zu berühren etc. vermag ich nicht zu sagen. Es würde mich freuen.

KKM: Wie lange hat die Fertigstellung der neuen CD gedauert? Wo wurde sie aufgenommen und produziert?

TWN: Im September 2016 haben wir „zero soldier army“ veröffentlicht. In den beiden Jahren danach sind erste Ansätze entstanden, später dann die Arrangements und Produktionen. Die heiße Phase der finalen Aufnahmen und Mixe begann Anfang 2020 – und wurde von Corona komplett gekapert. Was dazu geführt hat, dass wir viele Beiträge der einzelnen Musiker über die Distanz hinweg zusammen tragen mussten statt in gemeinsamen Sessions. Nur Felix und ich konnten uns kein Social Distancing leisten und saßen gefühlt fünfhundert Milliarden Stunden zusammen während dieser Zeit. Ungefähr zwei Drittel der Produktionen sind in meinem Home Studio entstanden, interimsweise auch im Schlafzimmer, der Rest bei Felix.

KKM: Wurdet ihr bei der Produktion von jemandem hinter den Reglern unterstützt, oder lag alles allein in euren Händen?

TWN: Über die Jahre hinweg hatten wir das Glück, mit tollen Musikproduzenten zusammenarbeiten zu können, zuletzt mit dem großartigen Gregor Beyerle und Hilton von Zoodrake. Dieses Album ist aber komplett in Eigenregie entstanden. Ich denke, unsere Handschrift als Produzenten ist sehr deutlich herauszuhören und absolut stilprägend für den Sound.

KKM: Welche Anforderungen stellt ihr persönlich an einen guten Song?

TWN: Eine allgemeingültige Checkliste kann ich nicht anbieten. Die Hauptsache ist, dass ein (emotionaler) Funke überspringt und hängen bleibt – der einen zum Nachdenken anregt, oder zum Tanzen oder weiß der Teufel wozu. Hier haben verschiedene Künstler und Genres ihre eigenen interessanten Wege. Unserer entspringt aus einer eher traditionellen Singer/Songwriter-Ecke, damit verbunden mitunter die Freude an hymnischen Refrains und dergleichen. Persönlich liebe ich aber auch aufgelöste Songstrukturen und artsy fartsy Zeug.

KKM:„gasoline“, „counterloop“ und „the minimum“, da ist es wieder, was man erwartet und sich freut wie ein kleines Kind zu Weihnachten! Ist das eine Hommage an eure musikalischen Wurzeln? Klingt so herrlich oldschool und ein bisschen melancholisch:-)

TWN: Das ist schön, dass Du das schreibst. Der musikalische Wandel, den wir mit dem Album vollziehen, ist zum Teil auch mit einer Rückbesinnung auf unsere früheren Wesenszüge verbunden und deren Weiterentwicklung in eine neue Richtung auf der Weltraumkarte.

KKM: An welchen Orten könnt ihr euch am besten auf das Schreiben neuer Songs und Texte konzentrieren?Oder waren das verschollene Schätze aus der geheimen Schublade?

TWN: Wenn ich es mir backen könnte, hätte ich gerne so ein richtiges Bandrefugium in den Bergen mit einem Stapel alter Bücher und ohne WLAN, oder wenigstens eine Schreibstube unterm Dach. Fakt ist aber, dass im Alltag wenig Wunschkonzert ist. Da nehme ich jeden verfügbaren freien Abend im Studio und jede Viertelstunde zwischendrin am Küchentresen. Und: nein, in der geheimen Schublade sind andere Sachen. :-)

KKM: Habt ihr einen persönlichen Lieblingssong auf dem aktuellen Album? Wenn ja, welcher ist es und warum?

TWN: Schwankt bei mir zwischen „horizons“ und „irreversible“. Ich finde beide Songs haben etwas tröstendes, erlösendes.

KKM: Wie kamt ihr auf das Cover und den Titel des Albums?

TWN: Der Titel entstand beim Texten des Songs „patchwork“. Ich hatte schon die Zeile mit den „missing fragments“ und brauchte noch einen Zweisilber vorab, den Felix dann mit „tiny“ beisteuerte. Wir schauten uns an und sagten, das könnte ja fast ein Albumtitel sein. Und das finde ich nach wie vor, da es die verschiedenen Inspirationsquellen hinter dem Album und seine Detailversessenheit gut auf den Punkt bringt. Das Cover entstand durch unsere Zusammenarbeit mit dem niederländischen Künstler Faizki, in dessen Kunstwerken wir die „tiny missing fragments“ reflektiert sahen. Er lieferte die Grundlage für das Cover, die von unserem Leipziger Freund User vollendet und mit weiteren Komponenten ergänzt wurde.

KKM: Die Verbindung unterschiedlicher Genres der elektronischen Tanzmusik als eines der Hauptmerkmale von euch sind nicht von der Hand zu weisen. Und nun so ein teilweiser krasser Bruch. In welchem fühlt ihr euch am wohlsten?

TWN: Ich habe letztens eine Karikatur gesehen, in der es um die Diskrepanz bei Musikern geht zwischen der Musik, die sie hören und der, die sie selbst machen. Unsere Entwicklung mit TMF führe ich schon auch darauf zurück, diese beiden Welten, wenn man so will, wieder mehr anzugleichen. Und genau damit fühlen wir uns extrem wohl.

KKM: Wie zufrieden seid ihr mit dem bisher Erreichten und was würdet ihr ändern, wenn ihr die Zeit zurückdrehen könntet?

TWN: Du meinst im Rahmen der Diorama-Karriere? Mir ist bewusst, dass vieles, was wir erleben durften, ein Privileg war. Die ersten Konzerte in Belgrad, die Reisen nach Russland oder Mexiko, die Release Parties im Reutlinger FranzK, die Auftritte mit dem Babelsberger Filmorchester, der unfassbare Support unserer Fans… wenn der Haderer und Nihilist in mir mal die Fresse hält, bin ich wirklich zufrieden. Und dankbar. Rückblickend etwas ändern ja, das gibt es eine ganze Menge. Die Kettensäge als erstes beim BWL-Studium ansetzen und stattdessen etwas Richtiges lernen, das wäre der Anfang. Allerdings müsste das alles auch einem übergeordneten Ziel dienen und darüber müsste ich erstmal nachdenken. Reicher und berühmter werden? Oder glücklicher? Oder einfach nur anders?

KKM: Was war für euch überhaupt damals das Schlüsselerlebnis selbst Musik machen zu wollen?

TWN: Erste eigene Songs am Klavier habe ich schon als Kind geschrieben. Einen Antrieb dazu gab es offensichtlich schon recht früh. In die Musikproduktion eingestiegen bin ich mit Techno zur Hard Trance Blütezeit in den Neunzigern (übrigens damals schon mit Felix). Da war es einfach ein Spaßthema. Bis mir eines Tages beim Spazierengehen durch die Reutlinger Innenstadt die Melodie einfiel, aus der später der Song „Leaving Hollywood“ wurde. Dreivierteltakt, Chansoncharakter, völlig aus dem Nichts. Ich bin dieser Melodie dann sozusagen hinterhergegangen und spürte, dass da mehr ist. Und hier bin ich nun.

KKM: Fakt ist, es ist wirklich toll und wichtig, das ihr da seid, das ihr uns weiter „auf die Sprünge helft“ und wir etwas haben, das sich definitiv nach „zu Hause sein“ anfühlt. Habt ihr den gleichen Eindruck, wenn ihr Konzerte gebt?

TWN: Ich frag mich das oft, ob wir überhaupt eine Art höhere Aufgabe haben mit unserer Musik, da ich mich eigentlich nicht so wichtig nehmen möchte. Aber sollte das so sein, dann geht diese wahrscheinlich schon in die Richtung, die Du beschreibst – eine Art gedankliche, gefühlsmäßige Heimat zu bieten, eine Anlaufstelle, Projektionsfläche, Inspiration, vielleicht auch Trost oder Ablenkung, in jedem Fall Unterhaltung.

KKM: Was könnt ihr uns über die kommenden Live Aktivitäten berichten?

TWN: Nada.

KKM: Wie kann man sich einen Diorama Auftritt vorstellen? Was geht bei euch so auf der Bühne ab?

TWN: Wir performen die Songs. Auf Konfetti-Regen und Schlagzeugzertrümmern verzichten wir meistens.

KKM: Was möchtet ihr in naher Zukunft (musikalisch) erreichen? Was war 2020 eure schönste Erfahrung als Musiker?Gab es für euch 2020 auch weniger erfreuliche Ereignisse?

TWN: Es wäre schön, wenn unser traditionelles Heimatstadt-Konzert, der D-Day in Reutlingen, möglichst bald stattfinden kann. Von anderen Konzerten mal zu schweigen. Meine schönste Erfahrung 2020 als Musiker war das Livestream-Konzert mit Felix im April. Die weniger erfreulichen Ereignisse sind in erster Linie all die Pläne, die ins Wasser gefallen sind.

KKM: Wenn ihr einen Wusch frei hättet, was würdet ihr euch wünschen?

TWN: Dass der Religionsunterricht flächendeckend abgeschafft und durch Ethik ersetzt wird. Oder wahlweise eins dieser sauteuren Gravel Bikes.

KKM: Ich bedanke mich bei euch für das Interview und wünsche euch den „Bombenerfolg“ für die Scheibe, den sie verdient hat:-) Die letzten Worte in diesem Interview überlasse ich euch..wir sehen uns definitiv live!!!

TWN: Für Eure Aktivitäten, zumal in diesen schwierigen Zeiten, meinen großen Respekt. Und uns allen wünsche ich gute Nerven während der nächsten Zeit. Check One Two. Hey Ya Sssa!!

geschrieben von Claudia Tomaszewski




BLANK – kostenlosen digitalen Single „Thanatosis“ – including Interview

Nach ein paar Jahren der Stille kehrt das italienische dunkle elektronische Projekt BLANK mit einem neuen Album zurück, das alle zufriedenstellen soll, die sich für herzliche, synthetische Musik begeistern.

Vor der kostenlosen digitalen Single „Thanatosis“ (erhältlich auf der Bandcamp-Seite der Band) setzt “ Drifting Slowly “ die knackige elektronische Forschung fort, die mit dem vorherigen „Dark Retreat“ in voller Länge begonnen hat.

Nachdem Davide Mazza einige Zeit als Synthesizer mit den Darkwave-Legenden Kirlian Camera verbracht hat, hat er sich in sein Heimstudio zurückgezogen, um diese inspirierende Reise aus dunklen Tönen, klaren Träumen, seltsamen Techniken und synthetisierten Sequenzen zu absolvieren: elf neue Tracks, die verschiedene Einflüsse und Atmosphären frei mischen Streifzüge durch Stile und Genres und eine faszinierende Zusammenarbeit mit Elena Alice Fossi von Kirlian Camera.

Das Album wurde am Silvesterabend fertiggestellt und zeigt eine Welt, die scheinbar in Richtung unangenehmer Küsten driftet. Das Album erscheint in einer Welt, die aufgrund einer Ansteckung blockiert ist. Es scheint, dass wir driften, aber vielleicht nicht so langsam.

Interview with BLANK

KKM: Hello. Thanks for the interview. Can you give us a bit of a background on BLANK and how you came up with the name?

Thank you for spending some time with us! BLANK formed 20 years ago, when Davide and Riccardo, two guys who were passionate about industrial and electronic music decided to buy a couple of synthesizers and see what could happen. After two very successful demos, we were signed to canadian Artoffact Records, and in 15 years we’ve published with them three albums, four singles and a split. Since this year, though, we’re a full independent project and for the new album we decided to try the self-publishing route. Our name was chosen because back when we started, we both came from previous music experiences and this was a new beginning, a story yet to be written – thus a ‘blank’ to fill with our new music, ideas, creativity.

KKM: Your new Album is named „Drifting Slowly“. What can you tell us about it?

As I said it’s a self-released album – again, a new beginning. It’s been written, performed, recorded, mixed and mastered at home. It’s a mix of everything I love musically speaking, so it’s really diverse in its influences, atmospheres and sound palettes. It’s got tracks to make you dance but also to daydream about. Thematically, it’s a reflection on how I see our world today… slowly drifting towards an unavoidable apocalypse. I’ve worked very hard to make an album that could be interesting musically but also in its lyrical contents. I hope people will make the effort to dig a little into it because… it’s really good!

KKM: The musical landscape has changed dramatically from what it used to be. Bands are no longer simply doing the album tour arrangement. What is your idea to navigate through the changing times at the moment?

As a band who didn’t get many request to play live during the years, I am not sure I have a plan. Small artists who don’t have a huge following have a hard time finding places to play, and even to find audiences. Now with the pandemic, it’s become even worse, so every artist will have to find new ways to get some attention and to constantly engage people. I don’t know how honestly – but hard times usually ignite creativity, so I am somehow optimistic.

KKM: Aside from geography, what do you think separates BLANK from other artists in the electronic world?

Oh, I am not sure it is for me to say – but I strongly believe our production quality is really good – I’ve spent nights after nights after nights checking every single detail to ensure everything we do sounds as perfect as possible; also I don’t think there are many projects out there that mix so many different influences to create something that it’s such an original balance of industrial-style aggressiveness, electro-pop-oriented melodies and dark, bittersweet atmospheres. If you enjoy heartfelt, creative electronic music, you should like Blank. ;-)

KKM: How have you adapted with the current climate of the coronavirus? Have you done any streaming?

Not yet, but I intend to. It’s not easy to prepare a worthy performance, and my little time and big perfectionism don’t help. But I’ll get there, as anyone. I believe streaming will become a regular thing for all artists.

KKM: Are you involved with any other projects or remix work for other artists?

I’m a frequent collaborator of Kirlian Camera, for which I play synths live, I have remixed them and worked with them in the studio many times. In about 20 years of career we’ve remixed lots of artists, to name just a few: Stromkern, Caustic, Spectra*Paris, davaNtage, Unter Null, Blume, The Crystalline Effect, Neikka RPM…

KKM: Can you talk about the cover art from „Drifting Slowly“?

It’s a photo I took from my house when it was raining, focusing on the rain drops rather than the outside landscape, modified to use the colours of another photo I took at night in New York City, years ago. The juxtaposition of the two elements sits well with the general theme of the album: it’s basically me watching the outside world in a storm, not liking it much, therefore deciding to stay in to see what happens…

KKM: Where do you see social media strategy changing in 2020 for this music?

Good question. There will be a lot of streaming and new platforms will be created in order to provide for online events, some of them will not be free and artists will have to find the right price because people are used to get everything for free. The online presence, keeping people engaged to your profiles and spending lots of time in all kinds of social platforms will probably become paramount. Sadly, I’d say. Time is precious and should be better spent being creative rather than doing continuous promotion!

written by Claudia Tomaszewski

Thanks for your support! Check out the album at:





Ehrenfeld „Finsterwalde“ Album – I am Surprised- Believe / Soulfood – VÖ: 28.08.20

Finsterwalde ist himmlisch bereichert worden mit der unverwechselbaren Stimme des verstorbenen Felix Flaucher (Silke Bischoff/18Summers).

Felix Flaucher hat nicht nur das Titellied des Albums vor seinem Tod gesungen, seine typische melodische Stimme durchzieht das ganze Album, ist unverkennbar präsent und unterstützt, den Bowie-artigen tempre von Ehrenfeld, Ehrenfelds Stimme nimmt beide stimmlichen Facetten an, versteht es aber auch durch eine Art Sprechgesang die Ohren der Hörer für sich zu gewinnen – man hört förmlich die Symbiose ihrer besonderen Freundschaft.

Musikalisch gibt es viele Variationen: Alles in allem sind es schöne, überwältigende Aufnahmen.

reinhören und weiterhören;-)

„Flowers – Burn All Evil“ Video auf YouTube:

„Finsterwalde“ ist so überraschend vielfältig und erfrischend originell, mit messerscharfen Texten über Wahrheit, Drogen und Rock ‘n Roll, dass man sie nicht als gewöhnliche Popmusik definieren kann, sondern mit jahrelanger Erfahrung, reiner Schönheit in den absoluten Tiefen des Herzens und des Geistes, sie verbindet Poesie und Musik.

Beeinflusst von großartigen Wegbegleitern und dem Klang der Zukunft. Mit diesem Album wird nicht nur eine Erinnerung geschaffen, sondern ein neuer Weg, dennoch unverkennbar ein Ehrenfeld.

Finsterwalde Album:

Ehrenfeld – Sparkling Star


EHRENFELD Instagram:



Ehrenfeld Bio :

Peter Field alias EHRENFELD Peter hat zwei Gesichter: einmal das des ungewöhnlichen Musikers, der sich an keine Konventionen hält, sondern Grenzen sprengt, wobei er sich nicht nur vielfältiger musikalischer Mittel, sondern auch der Hilfe ungezählter Musiker bedient.
Und dann gibt es noch das des mystischen Dichters, der das Zeitgeschehen mal offen, mal verschlüsselt fokussiert wiedergibt.
Peter ist als Musiker schon seit Anfang der 80er Jahren aktiv. Begonnen hat er in Punkbands, orientierte sich aber später auch in der Wave-Szene und spielte eine Weile Bass bei Fliehende Stürme auf der Bühne, war Co-Produzent der Gothic-Electro-Legende SHOCK THERAPY, die bis Ende der 90er Jahre zahlreiche Alben veröffentlichte,  nebenbei hat er Anfang der 90er Jahre auch noch zwei Soloalben unter dem Namen BLUEFIELD aufgenommen, später eines als Peter Field.

2012 veröffentlichte er unter EHRENFELD mit „Who’s That Boy“ sein bislang stärkstes Opus. Der dunkle Grundcharakter des Debütalbums ist einem abwechslungsreichen und stilübergreifenden Sound gewichen, der sowohl mit atmosphärischen Momenten als auch mit hypnotischem Electro-Rock zu beeindrucken weiß. Hier ist EHRENFELDS emotionale und musikalische Beziehung zu Bands, wie SHOCK THERAPY oder SILKE BISCHOFF – Peter ist bei einigen Songs die zweite Stimme – spürbar. Der Ex SILKE BISCHOFF und 18 SUMMERS-Mastermind Felix Flaucher sang ein Duett für den Dark-Pop-Song „Stay With Me“ sowie „One Half Of The Moon“ und „Sparkling Star/Funkelnder Stern“.




Ahh… Post in der Mailbox: „Ehrenfeld „Finsterwalde“! (Was ist das denn?)

Dann mal los!

Zum Beginn, das Albumcover gefällt mir schon mal gut, schlichter geht es nicht (das dachte ich schon bei einem anderen Review, aber hier ist es noch schlichter), Schrift und Tannenbaum in Weiß und ein schwarzer Hintergrund.

Titel und Albumname kommen mir im ersten Augenblick etwas seltsam vor, „Ehrenfeld“ wie das Feld der „ehrenhaft“ Gefallenen, oder wie Fortuna Ehrenfeld, der Verein? (wahrscheinlich, weil Mr. Field (Feld), in diesem Projekt auch viele seiner Idole und Werke ehrt?) …und „Finsterwalde“, ist die Stadt gemeint, oder weil es klingt wie „im finsteren Walde! ..oder wegen des „Flaucher“ Songs?

Das erste Lied läuft, ich höre die Geschichte von Jonas und dem Wal , der Prophet eines Buches im Tanach, in einer aufgeregten Soundkulisse, Trommeln, eine kaum hörbare Fläche vom Synthie und ein Key das in einer Tour eine Melodie wiederholt um Spannung aufzubauen, der Sprecher mit teilweise verzerrter Erzählerstimme manchmal kommen Walgesänge, es kommt gut rüber, netter Intro-Song.

Beim zweiten Lied kommt die erste Überraschung, hier wird „Substance of Dream“ gehuldigt, nun bin ich etwas beruhigt, der Sound wird für mich interessanter, eine Band die auch schon mit den Fliehenden Stürmen zusammengearbeitet hat, wie die Verhältnisse da genau sind, kann ich nicht sagen, ich glaube der Schlagzeuger spielt bei den Stürmen, egal, wirklich ein klasse Song, der im Original schon 1993 auf einer Split e.p.: „Bluefield Feat. Substance Of Dream/House of Usher- Relict EP” rauskam.
Die Stimme schön dunkel, „Jammerei“ wie es sein soll, die Stimme von „Substance „ist auch Peter Field der Sänger dieses Ehrenfeld Projektes, das fällt mir jetzt erst auf, schöner Bass, “Identity Man„ , ein Song der an Joy Divison und Christian Death erinnert.

Weiter geht’s mit Ehrenfeld und Felix Flaucher von Silke Bischoff/18Summers, ein echt netter Kerl, der leider vor kurzer Zeit verstorben ist. In gleich sechs Songs und einem Mix wird ihm hier die Ehre erwiesen, auch bei Silke Bischoff hatte der Ehrenfeld Sänger in der Vergangenheit Gastauftritte und auch Kooperationen mit 18 Summers, scheinbar ist ihm die Zeit nahe gegangen. Sehr schön. Darum möchte ich zu den Songs nur sagen, sie sind toll, gut produziert und ein schönes Andenken an Felix, unbedingt anhören, Stimme und Sound passen perfekt. „Flowers“ (Song3) ist super, der“ Flowers Club Mix“ (Song13) ist mir zu „Techno“…yeah, bei „Sparkling Star“ (Song4) gefällt mir die Musik nicht ganz so gut, aber das ist alles Geschmacksache, „Love Never Dies“ (Song5) ist super – supercool, „Finsterwalde“ (Song8) hat einen schönen Text: „….weine nicht kleine Nachtigall, der Moment wird kommen!“, dann kommt eine neue Version des 1991 Songs von Silke Bishoff „Land On Earth“ (Song9), auch sehr gut gemacht, verzerrte Stimme, man fühlt sich gleich in eine andere Zeit zurückversetzt und gleichzeitig klingt es sehr modern.
Zum Schluss ist da noch „Tiefseeblick“ (Song12), Felix (..oder liest Peter den Text von Felix?) bietet den Text Tiefseeblick dar, keine Musik, man hört gerne mal zu.

Die Nummer sechs auf dem Album ist G.G. Allin gewidmet, in „Tanz und Schrei“ hört man den „Irren“ reden, ein echt krasser Mensch, wer ihn nicht kennt muss in mal Googeln, eine Punklegende. Man beginnt gleich am Kopf zu bluten, wenn man den Namen liest. Der Song beginnt mit einem eintönigen E-Drum, und weiblicher, oder verzerrter, Flüsterstimme, bla bla bla, Tanz und Schrei…bla bla bla…hat aber auch was! ?

An siebter Stelle „And Though The Lens” (feat. Elephant vs.Bromley) kommt wieder was düsterer daher, orientalische Klänge und klagender Gesang, guter 90er Sound, neu aufgefrischt, Moment?!?!? … ist auch hier Peter Field beteiligt gewesen, man weiß es nicht genau, mein erster heißer Tipp heute! Gefällt mir sehr!

Weiter zu „Dreamwater“ (Song 10), akustische Gitarre und Wasser rauscht, ein Streicher setzt ein, zum Schluss Trommeln, wunderschön! Kann man in die „Depri“ Playlist zufügen, direkt hinter Sisters – 1959, oder so?!

Das letzte unbesprochene Lied und an elfter Stelle der Album Playlist nennt sich „Stimmen des Dramas“, die Trommeln erzeugen spannende Stimmung wie schon in einigen Songs davor, Textfragmente, woraus (Film? – Nachrichten?) auch immer, werden eingespielt, ich verstehe „Masken“, „Leichen“, „Vergänglichkeit“ und „alle sind dahin“ …ist das „Moby Dick“?… , fällt mir grade nicht ein, aber auch der Song kommt schön altmodisch daher, erinnert mich an diesen elektrischen Stuhl Song, keine Ahnung mehr von wem der war! ?

So geht eine musikalisch erzählerische Reise aus der Welt des Peter Field zu ende, es hat mir gefallen, auch wenn ich am Anfang etwas irritiert war. Aber das musste wohl so sein! Jetzt bin ich beseelt!

Meine drei TIPPS:

Identity Man, Love Never Dies und And Through The Lens !

geschrieben von Karsten Zakrzewski


SEA OF SIN – SYNTHPOP MADE IN GERMANY -Wer das nicht hört ist selbst schuld, wenn ihr/ihm etwas entgeht;-)

SEA OF SIN setzen ihren Erfolgskurs auch  2020 fort. Anfang 2019 sind sie mit ihrem
neuen Album UNBROKEN durchgestartet – Top 2-Platzierung in den Deutschen
Alternative Charts (DAC). Darauf folgte die Remix EP ihres Erfolgshits YOU mit einem
grandiosen Video, 2 Remix Sammlungen des Titels „WHAT ARE YOU WAITING
FOR?“ und die „Love Trilogy“ mit einem noch unveröffentlichten Song. Das
Highlight des Jahres haben sich die beiden Synthpop-Größen aus dem Enzkreis bis zum Jahresende aufgehoben. Am 29. November erschien „The Remixes“ – eine Sammlung der besten Remix Versionen ihrer Songs.

Nachdem das Duo nun eine Single-Version zu ihrem Song „Unspoken Words“ veröffentlichte, erscheint jetzt bereits die Remix EP dazu. Der Titel, bereits auf dem 2019 erschienen Album UNBROKEN einer der beliebtesten der Fans und Hörer, kam auch in der kürzlich erschienen  Singleversion bestens an – erfuhr auch im Radio und Spotify viel Zuspruch Die etwas dunklere und angespanntere Stimmung und Atmosphäre war sicherlich auch der momentan beunruhigenden Zeiten geschuldet. Jetzt liefern Klaus Schill und Frank Zwicker sechs weitere Versionen des Titels. Den Opener der EP, der „Hanseatic Dark Mix“ stammt von den beiden Synthpoppern selbst. Produzent Klaus Gratzel, der unter den Synonymen Soni Code, Rotoskop, Mindbeat und Khibou bekannt ist, liefert vier weitere Versionen, bevor die Band Promenade Cinema dann einen krönenden Abschluss setzt – Das Lyric-Video dazu gibt es schon am 28. Mai, 18:00 Uhr auf dem Sea of Sin-YouTube-Kanal.

In den 90er Jahren zählten Sea of Sin zu den größten Hoffnungen der deutschen Synthpop-
Szene. 20 Jahre nach Band-Splitt überraschte SEA OF SIN dann mit ihrem Comeback-Album
FUTURE PULSE Fans wie Kritik gleichermaßen: Das Album, 2018 erschienen, erreichte unter anderem zahlreiche Top-10-Platzierungen in den Deutschen Alternative Charts (DAC) und German Electronic Web Charts (GEWC). Während das vorige Album größtenteils aus Re-Edits älterer Songs bestand, ist SEA OF SIN seit 2019 mit komplett neuen Songs am Start. Das Warten hat sich wahrlich gelohnt!





iSTAR : Durch die Nacht – DAS ALBOOK von Amandas Nadel – inklusive Interview;-)

Amandas … wer ?!
Amandas! Die Nadel!
Unbändige Leidenschaft in der Kehle und den Teufel in
sechs Saiten gebannt. Mit herzbetonten Lyrics und starken Melodien zum Mitsingen lockt Amandas aus der Komfortzone. Das ist nicht systemkonform.
Das ist nicht brav. Aber es trifft Dich in der Seele …
… und tritt Dir in den Arsch.
Seit sein Debütalbum „Sticht“ 2015 ist viel Zeit vergangen. Amandas hat eine erstaunliche Persönlichkeitsveränderung vollzogen. Vom bärtigen „Haudrauf“ zum fast fragilen Mädchenjungen. Ja. Das hat einen Hintergrund. Amandas ist Transgender. Er definiert sich selbst als „non-binary“, als beiden oder keinem Geschlecht zugehörig und möchte das – nach jahrelangem inneren Kampf und enormem Druck und Ablehnung durch Familie und Gesellschaft – auch nach Außen klar darstellen und vertreten.
Den Namen Amandas hat er schon 2007 in Anspielung an seine non-binary-Selbst- Definition bewusst gewählt. Amanda mit S.
Ein Mann und eine Frau, die immer beides sind. Hart und weich, Feuer und
Wasser, sanft und brutal, verspielt und „in your face“.
Ein quadruple Bourbon-Espresso mit roten Haaren … und einem Stück Zucker.

iSTAR : Durch die Nacht – DAS ALBOOK von Amandas Nadel

„Du bist ein Versager. Eine Jammergestalt, Shara…“, Eleonoras
gleichgültige, fast monotone Stimme schnitt wie ein Damaszenerdolch durch die rauchgeschwängerte Luft der kleinen Küche…“
Mit diesen Worten beginnt Amandas´ neue Veröffentlichung. Und sie ist etwas besonderes!
Das erste Albook. Album und Buch. Das erste NDH/Metal-Hörbuch der Welt.
Explicit Content! Nicht jugendfrei!

Bezugnehmend auf die Storyline seiner ersten Single seines Debut-Albums „Sticht“ baut Amandas eine spannende Geschichte rund um den Musiker Shara, der in die Fänge
Wiedergängerin Eleonora gerät und untermalt sie gekonnt harten Klängen seiner Musik, wobei die einzelnen 8 Namen der dazugehörigen Lieder tragen.
Eine Geschichte, die oberflächlich betrachtet eine spannend romantische im Reich der Untoten ist, aber sich psychologischen Themen wie Co-Abhängigkeit beschäftigt
eintaucht in okkulte Weisheiten vergangener Jahrtausende Explicit Content! Nicht jugendfrei!
Liebevoll setzt Amandas der babylonischen Göttin ISHTAR Denkmal und setzt sie sehr unaufdringlich unausgesprochenen Mittelpunkt einer Geschichte
schmerzhaften Wege der Liebe garniert mit starken erotischer Leidenschaft.

Illustriert von 8 wundervollen Manga-Illustrationen von Grimsel. Das Buch kommt mit einer DVD-Beilage, die das Hörbuch enthält und alle noch einmal separat (für diejenigen, die nur die Musik alleine genießen wollen). Und zwei Datei-Formaten. HQ 320 MP3 UND für den Audiopuristen in FLAC 44/16.

Schauen wir mal rein:

SINGLE 1 – 26.12.2019
Kapitel 1 – Ich Lieb Dich Nicht
„Im Bett konnte Shara mit ihr eine Energie entwickeln, die für ihn bis dato unvergleichlich war. Sie wanden sich im Spiel der Lust wie Schlangen um den Baum der Erkenntnis. Süß der Apfel, bitter das Gift der Konsequenz. Gier. Sie nahmen von einander Besitz und Shara drang in sie ein. Sie stöhnte laut auf. „Liebe mich!“, schrie er verzweifelt, und er fickte sie. Hart und tief.“ Nach diesen Worten bricht der Song hart in den Handlungsstrang und baut gekonnt
Gänsehautfeeling auf. Bedingungslos deckt Amandas Co-Dependency Issues auf und
drückt sprichwörtlich seinen Finger in unterwürfige Liebes-Sucht. Ein Song der das
jämmerliche Flehen nach Liebe zu jedem Preis aufdeckt. Masochistische Hingabe an
jemanden, der nichts zurück gibt.

Kapitel 2 – Einsamkeit
„Zitternd lag er auf dem polierten Eichenboden und tiefe Einsamkeit quoll aus seinem Unterbewusstsein in sein vernebeltes Denken. Ein menschliches Gefühl. Die dämonische
Sicherheit der vergangenen Monate hatte einen Sprung bekommen. Ächzend stöhnend raffte er sich schließlich auf und verließ leise fluchend das Appartement.“ Song und Kapitel widmen sich dem urmenschlichen Gefühl der Einsamkeit und den daraus resultierenden inneren Kämpfen und Zerrissenheiten.

Kapitel 3 – Dunkelheit

„Venera erschrak und schrie auf, doch diesmal behielt sie die Fassung. Zitternd, aber beherzt griff sie nach einer leeren Blumenvase, bereit damit zu zuschlagen und rief: „Wer bist du
und was willst du von mir?!“ „Ich bin die Dunkelheit.“, antwortete Shara mit sanftem Ton…“ Mit „Dunkelheit“ greift Amandas seine Debütsingle „Vampir“ noch einmal auf, macht sie als wiederkehrendes Thema zum roten Faden und haucht ihr in völligem Neu-Arrangement neues Leben und überraschend durchschlagende Energie ein.

Kapitel 4 – Tanz Mit Mir

„Veneras kristallblaues Haar peitschte durch die Luft. Im Gleichklang ihrer Seelen tanzten sie über die alten Wege, sprangen über Grabsteine, fegten über polierte Marmorplatten,
stießen Kerzen um und wirbelten wie Derwische durch die Stille der letzten Ruhestätte der Sterblichen. Niemand hat die Untoten je tanzen gesehen.“ Romantischer erster Höhepunkt einer Liebe, die keine Zeit kennt. Seelenverwandte, die einander ohne Worte erkennen und hören. Vereinigung und Unterwerfung.

Kapitel 5 – Göttin

„Mit einem zischenden Geräusch loderten plötzlich die Augen des Standbildes der Göttin gleißend weiß auf, und der Stern in der Mitte der Stirn begann pulsierend Wellen von Licht abzustrahlen. Aber es schien kein Licht zu sein. Es war zu langsam. Wie transparent strahlendes Plasma wanderten Wellen durch den Raum, durchdrangen sie und ihren in Trance versunkenen Schöpfer, schlugen am Marmor der Wände auf und prallten wieder ab, um ein unüberschaubares Flackern des Raumes zu erzeugen. Schließlich öffnete Shara seine Augen und Griff nach dem silbernen Kelch, der zu Ishtars Füßen stand.“ Mit „Göttin“ setzt Amandas dem Divine Feminine – dem göttlichen weiblichen Prinzip – ein Denkmal und erzählt die Geschichte einer Initiation in uralte babylonische Philosophien und Weisheiten. Die Protagonisten Shara und Venera lieben einander am marmornen Altar im Tempel der Göttin ISHTAR. Eine den patriarchalisch-dogmatisch strengen Strukturen der 3 abrahamitischen Religionen völlig fremde Darstellung der körperlichenVereinigung als ein Akt höchster göttlicher Liebe und seelischem Gleichklang. Tabubruch und Aufreißen veralteter religiöser Denkweisen. NDH und Spiritualität? Ja! Es funktioniert.

Kapitel 6 – Durch die Nacht
„Shara, der mit heruntergezogenen Hosen und harter Erektion da stand, schaute überrumpelt und verdutzt, als die Jugendlichen spöttisch lachend an ihm vorbeizogen. „Na warte! Du kleine Ratte!“, rief er ihr nach, brach aber sogleich in Gelächter aus, während er ihr, sich humpelnd die Hosen hochziehend, nachlief. Sie rannte laut lachend über die Wiese. Shara, seine Gürtelschnalle schließend, ihr auf den Fersen.“ Eine Nacht im Vergnügungspark „Divo Ostrov“. Shara und Venera zelebrieren die verspielte Leichtigkeit ihrer Liebe wie Kinder in einem Feuer von Leidenschaft und Hingabe. Der Titelsong des Albooks träumt vom Pathos einer romantischen Liebe. Trotzige Nickelback-Romantik in deutscher Sprache. Amandas kümmert sich nicht um die Romantik-Allergiker. Denn er meint es ernst und setzt ganz bewusst die Euphorie der Verliebtheit in den Mittelpunkt. Ein unglaublich starker Song, der im Ohr bleibt und zum passionierten Mitsingen einlädt.

Kapitel 7 – Wie Die Wölfe

„In dieser Sekunde brach im Penthouse des wunderschönen Altbaus aus der Zeit Peter des Großen die lebendige Hölle los. Zähne klappten scharf nach unten, und mit der chirurgischen Präzision von Raubtieren, rissen die beiden Untoten einer und einem nach dem anderen die Adern auf. Versetzten die Anwesenden in Todesangst und nackte Panik. Die, die fliehen wollten, wurden, schneller als das Licht, an der Tür erwartet und brachen, einer nach dem anderen als leere graue Hüllen zusammen.“ Shara und Venera erleben den Höhepunkt einer Nacht voller Leidenschaft und Blutdurst. Ein Song wie ein Rudel Wölfe, das rasend durch die Nacht hetzt und gnadenlos alles niederstreckt was ihm gefällt.

Kapitel 8 – Krieg

„ …Irgendetwas ist seltsam. Das gefällt mir gar nicht. Komm! Nach Hause! Schnell!“ Sie bogen gerade um die Ecke und wollten eben im Schatten der Seitengasse in den Nachthimmel fliehen, da stand sie vor ihnen: Eleonora! Shara blieb abrupt stehen und zog
Venera instinktiv schützend zu sich. Sein Blick verfinsterte sich. „Was willst Du?“ …“ Im achten und letzten Kapitel kommt es zum Showdown mit Sharas Schöpferin Eleonora und zu einer wilden Verfolgungsjagd durch das nächtliche St. Petersburg, die auf einem einsamen Schrottplatz am Rande der Stadt endet … Ein Song wie eine Schlacht. Harter Metal in dem Max Klee von der Band B.O.S.C.H. gefeatured wird.

Track Listing (Horbuch):
Kapitel 1 – Ich Lieb Dich Nicht 12:35
Kapitel 2 – Einsamkeit 34:17
Kapitel 3 – Dunkelheit 22:34
Kapitel 4 – Tanz Mit Mir 20:21
Kapitel 5 – Göttin 28:51
Kapitel 6 – Durch Die Nacht 12:03
Kapitel 7 – Wie die Wölfe 13:57
Kapitel 8 – Krieg 22:24

Track Listing (nur musik):
1. Ich Lieb Dich Nicht 04:23
2. Einsamkeit 04:17
3. Dunkelheit 04:17
4. Tanz Mit Mir 04:45
5. Göttin 05:10
6. Wie Die Wölfe 04:31
7. Krieg – featuring Max Klee 04:09
8. Durch Die Nacht 05:25

Line Up: 
Vocals, Guitar, Bass, Lesung – Amandas Nadel
Second Vocals – Betti Stewart
Drums – Max Haas ausser
Drums auf “Dunkelheit” – Alex Kerbl
Additional Vocals auf “Krieg” – Max Klee

In Gesamtheit konzipiert, geschrieben, komponiert,
arrangiert, mixed & mastered von Amandas Nadel
Executive Producer: Betti Stewart
Illustrationen: Lilian Grimsel & Amandas Nadel
Photos: Georg Gogoljak & Amandas Nadel
Herzlichen Dank an:
Betti Stewart, Max Haas, Max Klee, Alex Kerbl,

Amandas Nadel – iStar „Durch die Nacht“- Rezension

Diese Rezension ist etwas besonderes für mich. Es war ein größeres Projekt. Ein Albook, das erste seiner Art. Ein Hörbuch versehen mit Songs, die alle Gefühle der Protagonisten unmissverständlich und bittersüß untermalen. Ein Metal-Hörbuch sozusagen inklusive gedruckter Illustrationen im Mangastyle. Und es ist mein erstes. Ich habe bisher tatsächlich noch kein komplettes Hörbuch gehört, aber diese Premiere hat sich gelohnt.

Amandas greift hier die Geschichte seines Debütalbums „Sticht“ von 2015 wieder auf und verfolgt sie weiter. Es geht um Untote, um Blut, um Gier und Macht und um Lust. Amandas selbst leiht den Charakteren seine Stimme und erweckt sie zum Leben. Oder sterben, oder Untot sein, wie auch immer.

Begeben wir uns also nach St. Petersburg und verfolgen das Hörspiel.

Kapitel 1: Ich liebe Dich nicht

Shara verzehrt sich nach der narzisstischen Liebe und Anerkennung Eleonoras, der Untoten. Er ist süchtig nach ihr. Abhängig und unterwürfig begehrt er ihren Leib, ihre Seele und ihr Blut. Eleonora verhöhnt ihn, hält ihn an der kurzen Leine und Shara schwört sich, dieses Mal wird es anders. Er wird sie sich diese Nacht nehmen. Ihren Körper und ihr Blut. Denn seinem Körper kann Eleonora nicht widerstehen. Sie versinken in gnadenloser Leidenschaft.

Hier bricht der Song in aller Härte herein. Es ist eine Art Duett, in dem Amandas beiden Seiten seine Stimme schenkt. Shara, der um Eleonoras Liebe bettelt. Und Eleonora, die ihm entgegenschleudert, dass sie ihn nicht liebt. Der Song widerspiegelt mit harten Klängen die ganze Verzweiflung Saras und beleuchtet schonungslos das Thema Co-Abhängigkeit in der Beziehung.

Kapitel 2: Einsamkeit

Hier ist der Song das Kapitel. Shara erwacht und kämpft einen Kampf gegen Einsamkeit und Selbsthass. Diese Stimmung ist perfekt vertont und herausgeschrien. Ein zügiger Song, der den Wunsch weckt auszubrechen aus der kalten Seele und endlich wieder zu leben. Versehen mit schönen Gitarrensoli und ordentlich Kraft dahinter.

Kapitel 3: Dunkelheit

Auf seinen einsamen Streifzügen durch die Nächte von St. Petersburg entdeckt Shara die schöne blauhaarige Venera. Er will sie aussaugen und leiden lassen, doch er kann nicht. Denn in ihren Augen kann er die Sterne sehen und dieser Zauber berührt ihn so sehr, dass er von ihr ablässt und sie vergessen lässt, dass er bei ihr war. Doch er kann sie nicht vergessen, so sehr er es auch versucht. Immer wieder beobachtet er sie, wird schon fast zu ihrem Stalker. Er beobachtet Venera nicht nur, er studiert sie regelrecht. Von Eleonara hat er sich längst entfernt. Nur in seinem Kopf hört er noch ihre verhöhnende Stimme und ihre unerwünschten Kommentare, denn sie sind im Geist nach wie vor miteinander verbunden.

Er sieht für sich nur einen Weg. Veneras Blut und sein Blut. Er geht zu ihr und sie ist verzaubert von ihm. Er trinkt ihr Blut und gibt ihr seins. Ihr Körper und seiner ekstatisch vereint. Dann stirbt Venera.

Das Kapitel wird vom gleichnamigen Song perfekt abgerundet. Kraftvoller Metal mit wuchtigen Gitarren, der für einen bleibenden Eindruck sorgt. Man bekommt das wahnsinnige Gefühl vermittelt, wie es sein muss ein Geschöpf der Nacht zu sein, ohne Grenzen und durstig.

Kapitel 4: Tanz mit mir

Venera wird wiedergeborgen als Untote und entdeckt ihre neuen Möglichkeiten, die neue Intensität von einfach allem. Sie möchte leben, tanzen und Blut. Also brechen sie in die Nacht auf.

Der Song mitten im Kapitel beginnt mit einer Spieluhr und geht dann in ein mitreißendes Duett über, welches, wie der Titel schon sagt, durchaus zum Tanzen einlädt. Und dann wieder mit der Spieluhr ausklingt.

Amandas beschreibt die erste Nacht Veneras als Untote, ihre erste Blutmahlzeit und ihren Tanz mit Shara auf dem Friedhof. Doch auch jetzt gönnt Eleonora ihnen keinen Frieden und wildert in Sharas Gedanken.

Kapitel 5: Göttin

Shara möchte Venera als Ishtars Tochter weihen und erweckt dafür die Göttin des Krieges und der Liebe. Ishtar gibt Venera von ihrem Blut.

Kraftvoll setzt an dieser Stelle der Song ein. Schnell und laut und mit der ganzen Bandbreite seiner Stimme besingt Amandas die Göttin, die mit Shara spielt und ihn gierig macht. Ein wirklich beeindruckendes Stück.

Das Blut scheint Venera zu verändern, alles noch intensiver zu machen. Ishtar spricht nun zu ihr und zeigt ihr die Erkenntnisse der letzten Jahrhunderte und erweckt nie gekanntes Begehren und unbändige Lust.

Kapitel 6: Durch die Nacht

Energiegeladene Gitarren leiten dieses Kapitel ein. Der Song hat einen packenden Sound und man hört Amandas das Vergnügen beim Singen an. Eine Einladung die Nacht in einem Strom von Vergnügungen zu durchfliegen. So ganz ohne Handbremse und Vernunft im Nacken würde sicher jeder die Nacht durchfeiern wollen und bis zum Morgen tanzen. Der Refrain ist sehr einprägsam, ich habe mich später immer wieder beim Summen erwischt. Ein toller Song.

Im folgenden Text beschreibt Amandas einen Jahrmarkt so lebensecht, dass man die Zuckerwatte förmlich riechen kann. Doch nicht nur mit Karussell fahren und Naschereien durchleben Shara und Venera die Nacht. Sondern ganz nach Art der Untoten auch mit Blut, Lust und Neckereien, die an Teenager erinnern, die absolut ausgelassen sind. Die beiden beschließen die Nacht auf einer Privatparty weiter zu durchtanzen.

Kapitel 7: Wie die Wölfe

Auf der Party im Penthouse angekommen, singt Amandas beim Lesen ein Lied von Korn, welches aus den Boxen schallt, à cappella an. Shara und Venera beginnen zu tanzen. Es ist ein Tanz der Derwische, der alle Aufmerksamkeit auf sich zieht. Sie tanzen an der Decke und jeder schaut gebannt zu.

Wild wie die Wölfe ist auch der einsetzende Song. Beginnend mit Wolfsgeheul, folgen die kraftvollen Gitarren und ein etwas ruhigerer Gesangspart. Der Refrain sorgt für ein eindrucksvolles Bild des Tanzes von Shara und Venera.

Nach diesem wilden Tanz haben die beiden Untoten Durst. Sie reißen den anderen Gästen die Adern und Kehlen auf und feiern eine Blutparty. Sie versinken ineinander; der Engel mit den blauen Haaren und der fragile Musiker. Eine Liebeserklärung, bei der einem warm ums Herz wird.

Kapitel 8: Krieg

Plötzlich wird sich Shara dessen bewusst, dass er Eleonoras Stimme schon eine ganze Weile nicht mehr in seinem Kopf gehört hat. Er ahnt schreckliches. Sie verlassen die Party und Eleonora erwartet sie bereits. Sie nimmt Shara alle Kraft und quält ihn mit schrecklichen Schmerzen, so dass er nichts unternehmen kann, als Eleonora Venera entführt. „Krieg,“ schreit er „den kannst du haben!“

Schneller aggressiver Metal verleiht dieser Kriegserklärung Nachdruck. Schüsse hallen im Hintergrund und Amandas gröhlt, schreit und droht mit allem was Shara Eleonora anzutun gedenkt.

Ishtar versucht Shara im Geiste zu beruhigen, jedoch nur mit mäßigem Erfolg. Als er sich wieder halbwegs bewegen kann …

Das müsst ihr schon selbst herausfinden:-)

So endet dieses einmalige Albook und lässt reichlich Potential für eine Fortsetzung, in welcher Form auch immer.


Ich bin begeistert. Es ist wie gesagt mein erstes Hörbuch gewesen und ich habe es genossen. Amandas hat eine schöne Stimme sowohl zum Singen, als auch zum Lesen. Die Songs vertiefen die Geschichte ungemein und lassen einen noch intensiver mitfühlen. Sprachlich hat er sich für einen guten Stilmix entschieden. Von sanften, wohl überlegten, ja fast schon altertümlichen Wortspielen, bis hin zum modernen What-the-fuck-Slang ist alles vertreten. Gut dosiert und immer passend eingesetzt. Es war meinen Ohren ein Vergnügen dem Gesamtwerk zu lauschen.

Die dazugehörigen Mangas sind schön gezeichnet und ausdrucksstark. Interessanter Weise ist Shara mit roten Haaren und eher androgyn dargestellt. Eine schöne Verbindung zu Amandas selbst, wie ich finde.

geschrieben von Antje Heine

Interview mit und von Amandas Nadel

KKM: Vielen Dank, dafür, das du dir die Zeit, genommen hast, auch ein ausführliches, etwas anderes und mit meinen neugierigen Fragen gespicktes Interview zu beantworten. Als erstes interessiert mich natürlich brennend, wie es dir geht und wie deine letzte Veröffentlichung bei den Fans und der „Fachpresse“ so ankam?

Freu mich sehr über das Interview.
Ja, es geht mir gut. I´m ok.
Du, das bringt mich jetzt zum Lachen, denn die „Fachpresse“ hat auf diese Veröffentlichung nicht reagiert. Nicht ein einziger Journalist wollte eine Rezension schreiben. Offenbar war die Konsumation von 2 Stunden 50 Minuten Hörbuch inklusive Musik zu überfordernd.

KKM: Am 2.2.2020 kam dein neues Albook „ iStar – Durch Die Nacht“ in den Handel. Wie kam es dazu, dass du dich für so eine Art der Veröffentlichung entschieden hast?

Eigentlich war es ein Versuch. Noch niemand vor mir hat so etwas gemacht. Ich denke mit dem richtigen Marketing und einem passenden Vertriebspartner könnte so etwas auch richtig gut klappen. Hörbuch und Musik. Aber ich mache nun mal alles selbst und ich arbeite ohnehin 24/7. Ich tu was ich kann mein Marketing zu verbessern, aber es gehört nicht zu meinen größten Talenten.

KKM: Warum sollte man sich dieses Album unbedingt kaufen?

Weil es das beste ist, was aus mir bis jetzt herausgekommen ist. Weil es einzigartig ist. Musik und eine wirklich berührende Geschichte.

KKM: Ich persönlich habe mich riesig über diese Hammer-Scheibe und die Wahnsinns Aufmachung gefreut. Ist das als eine Hommage an deine langjährigen Fans zu sehen?

Ach. Es ist eine Hommage an Menschen, die ich sehr geliebt habe.

KKM: Wie lange hast du an der Fertigstellung gearbeitet? Wo wurde die CD aufgenommen und produziert?

Viel zu lange. Die Drum-Recordings hab ich schon im August 2017 gemacht, dann kam die Tour mit Stahlmann und Bosch. Viele Hardware und Computer Probleme. Ich habe dieses Album 4 Mal aufgenommen.
Das ist kein Witz. 3 Mal kompletter Datenverlust (bis auf die Drumspuren)
Es war das Anstrengendste was ich je gemacht habe.
Dafür, dass es quasi durch den Rost gefallen ist, ein Wahnsinn.
Aber es musste raus. Ich hätte es durchzogen auch wenn ich daran krepiert wäre.

KKM: Auf welchen wesentlichen Werten beruhen deine täglichen Handlungen, Entscheidungen, Pläne?

Soll ich da jetzt was idealistisches sagen?
Gut. Ich glaube, dass, wie es in der Deklaration der Menschenrechte so schön heißt, die Menschen sich im Geiste der Brüderlichkeit begegnen sollten. Und das sagt eigentlich schon alles.
Egalite – Fraternite – Liberte
Mehr gibt es nicht zu sagen.
Habst Euch lieb. Ich versuchs auch.

KKM: Kannst du deine Visionen mit anderen teilen oder verwirklichen?

Selten. Ich arbeite lieber alleine. Zu viele Jahre haben mir Besserwisser meine Suppe versalzen. Ich hab darauf keine Lust mehr. Ich habe meine Vision und die setze ich um.

KKM: Wie schaffst du es die nötige Balance zwischen Nähe und Distanz zu deinen Fans zu finden?

Keine Ahnung :-D

KKM: Welche Musik läuft bei dir zu Hause?

In den letzten Monaten viel Peripherie, Feared, Steven Wilson, Alter Bridge, Klassik und dann auch sehr gerne Binaural Beats einfach zum Runterkommen oder meditieren. Bei mir läuft alles was ich gut finde. Von Meshugga bis Vivaldi. Aber generell Gitarren-lastig. Nona …

KKM: Was würdest du selbst für viel Geld nicht tun?

Das ist eine Frage, die ich mir noch nie gestellt habe, da mir noch nie jemand Geld geboten hat für etwas worüber es Grund gäbe nachzudenken. Ich hatte zwar schon einige Unterredungen mit Mephisto, aber mit einem Koffer voller Kohle ist er noch nie vor der Türe gestanden.

KKM: Wenn du eine Stadt wärst, welche wäre das und warum?

Nun ich lebe in Wien (nicht gebürtig) und ich liebe diese Stadt wirklich.
Ich bin in der Tat halb Wien halb Los Angeles. Wien wegen seiner morbid, unfreundlichen Freundlichkeit, die immer was charmantes hat und LA für seine Sonnigkeit. Ich war überrascht wie Hilfsbereit die Menschen dort (teilweise) sind. Beispiel: Steigen 3 Leute in den Bus ein, haben aber keine Single Dollar-Scheine. Dann wird in die Runde gefragt und 10 Leute zücken die Brieftaschen und es wird gewechselt. Kein Witz. Das habe ich mehrmals erlebt. Versuch das mal in Wien im Bus … NO F**** WAY :-D :-D

KKM: Welche 3 Bücher haben dich am meisten beeinflusst?

Uff, das ist schwer zu sagen. Gut ich versuchs.
Narziss & Goldmund, das Buch von Thoth und die Akasha Chronik … :-D

KKM: Welchen Film muss man zwingend gesehen haben?

Den, den du selber drehst

KKM: Bist du ein guter Freund?

Diese Frage an mich gerichtet?
Ich habe wenige Freunde. Aber in erster Linie deshalb, weil die, die ich entfernt habe es eben nicht waren :-D

KKM: Wer darf dir sagen, dass du falsch liegst?

Jeder, der schlüssig argumentiert. Ich bin kein Rechthaber. Aber wenn ich weiß, dass ich Recht habe, weil ich Wissen über etwas besitze, dann beißt du dir bei mir die Zähne aus.
Aber ich bin sehr wissbegierig, daher. Raus mit deinen Infos. Es geht nie ums Recht Haben.

KKM: Was würdest du heute deinem jüngeren Selbst empfehlen?

„Scheiss drauf und machs endlich! Du wirst es später ohnehin tun, aber dann wirst du fast 20 Jahre verloren haben.“

KKM: Was würdest du heute/ jetzt studieren, wenn du die Möglichkeit dazu hättest?

Psychologie und/oder mein Medizinstudium beenden und den Facharzt für Psychiatrie machen.

KKM: Wenn es eine Sache gäbe, die du an dir ändern könntest, welche wäre das?

Ich ändere die ganze Zeit Dinge an mir. Ich bin ja das einzige was ich ändern kann, also fang ich mal da an.

KKM: Wenn du als Tier wiedergeboren würdest, als welches willst du geboren werden?

Der Wolf ist mir am verwandtesten.

KKM: Hast du Hobbies? Welche und warum?

Ich denke abgesehen von meiner Musik, die ich einfach liebe, bin ich einfach ein interessierter Mensch. Briefmarken sammeln wirst du mich nie sehen. Aber ich kann einem Arthouse Film genau so viel abgewinnen, wie einem Vortrag von Prof. Lehofer Facharzt für Psychiatrie (LSF Graz). War ein Riesenfan von ihm, als ich noch studiert habe. Ein Wahnsinns-Typ. Wenn der den Hörsaal betreten hat und zu „flüstern“ begonnen hat wars still. Sein Vortrag so fesselnd und interessant. Da hat nie jemand auch nur kurz an tratschen gedacht.
Hobbies …
Ich weiß nicht … so was hab ich nicht.
Ich hab keine Zeit für Hobbies. Ich bin die ganze Zeit beschäftigt mit Dingen, die mich interessieren.

KKM: Wo fühlst du dich zuhause?

Das ist kein Ort. Ich fühle mich zuhause wo ich geliebt werde. Geographie ist unwesentlich.

KKM: Welches Getränk bestellst du an der Bar?

Ich geh nicht mehr in Bars :-D Und wenn eine Tasse Tee oder Mineral. Alle 3000 Jahre vielleicht ein kleines Bier.

KKM: Welcher Mensch kommt dir in den Sinn, wenn du das Wort erfolgreich hörst?

Jesus von Nazareth.
Wenn du drüber nachdenkst wirst du mir recht geben.
Das müssen die Stones erstmal schaffen.

KKM: Wenn du einen deiner Sinne abgeben müsstest – hören, sehen, fühlen – welcher wäre das?

Tu ich nicht :-D

KKM: Kannst du über dich selbst lachen?

Ja. Sehr gerne. Über sich selbst zu lachen ist sehr aufschlussreich. Man lernt sich dabei lieben und sich auch nicht zu ernst zu nehmen.

KKM: Was kannst du nur mit Humor ertragen?

Uninteressierte Menschen, oder besser: Menschen, die auf ihr Unwissen stolz sind und die mit drei Worten zu erkennen geben, dass da der Abyss hinter der Schädeldecke lauert.

KKM: Was hat dich dazu bewegt das zu tun, was du heute tust?

Mein rebellisches Wesen

KKM: Welches war der schlimmste Job den du jemals hattest?

Ich hatte schon eine Menge schmutzige Jobs in Fabriken mit Nachtschichten, aber am meisten habe ich die Zeit als Callcenter-Agent im RTL-Shop gehasst.

KKM: Welchen Toten würdest du gerne wiedersehen?

Ach ich hätte ein paar Fragen an meine Altvorderen. Das ist nicht nur einer.

KKM: Hast du Angst vor dem Tod?

Kennst du jemanden der keine Angst davor hat? Ich verrat Dir was, alle die behaupten, sie hätten keine, lallen Dich mit Nonsens zu. Der Tod, the last frontier, das absolut Unbekannte ist für jeden auf seine Weise eine mehr oder weniger große Herausforderung und ich beschäftige mich viel damit. Denn ich halte es für wesentlich sterben zu lernen. „Ars moriendi“ nannte man das im Mittelalter. Würde unserer Zeit, die den Tod so ausblendet, nicht schaden.
Der Mensch macht alles nur im Angesicht des Todes. Er ist die Triebfeder unseres Schaffens.

Ich wünsche dir für die Zukunft alles was du dir wünschst und ich wünsche mir und deinen Fans, das wir noch sehr lange von dir hören und dich bald mehr live sehen;-) Die letzten Worte in diesem Interview überlasse ich dir:-)

geschrieben von Claudia Tomaszewski


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Kainklangmusikmagazin …schwarz hat viele Farben…

Bandbiografien und Interview, Konzertberichte, Konzerthinweise,

Band- und Eventpromotion und das bereits seit 2009.

Unsere Interessen liegen nicht nur im Bereich Gothic, Metal, Elektro? Nein, sie umfassen alle gängigen Musikrichtungen die man zur schwarzen Szene zählen kann.

An dieser Stelle ein herzliches Dankeschön an alle, mit denen wir bis jetzt zusammen arbeiten durften und die uns unterstützt haben und werden. Ohne Euch würde es uns nicht geben!!! ;-)


Promotionmaterial kann uns gerne zugeschickt werden;-)

Sendet Ihr uns Eure Promos, schreibt uns bitte eine Infomail mit Infos über Euch, Eure Kunst, Links, usw.

Super wäre auch, wenn Ihr uns im Vorfeld mitteilen könnt, was

genau Ihr möchtet, ein Interview, Bandvorstellung, Promotion, etc.:-)

Cloudy meldet sich dann schnellstmöglich bei Euch.

Die Promo-Bemusterung selbst kann rein digital oder auf postalischen Wege erfolgen. Die Postadresse wird nur auf Anfrage mitgeteilt, dafür gibt es leider Gründe.

Unaufgefordert zugeschicktes Promotionmaterial kann grundsätzlich nicht zurückgeschickt werden.

Kainklangmusikmagazinkann nicht dafür garantieren, dass unaufgefordert zugesandtes Promotionmaterial redaktionell berücksichtigt werden kann, dies gilt insbesondere dann, wenn das Genre nicht in den üblichen Musikpool von Kainklangmusikmagazinpasst. Ausnahmen sind nach vorheriger Absprache mit uns möglich.

Wir freuen uns auf Euch!

einfach anfragen…..

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Um effektiv zu arbeiten, sucht das Kainklangmusikmagazin nach Menschen, die uns in den verschiedenen Bereichen, redaktionell sowie fotografisch, unterstützen wollen und können.


  • ein Mindestalter von 18 Jahren

  • Engagement und Zuverlässigkeit

  • einwandfreies Deutsch und Englisch, gerne auch andere Fremdsprachen


Ohne entsprechendes Equipment ist eine Bewerbung in diesem Bereich zwecklos, denn das Magazin stellt keines zur Verfügung.


Die Mitarbeit ist honorarfrei ist. Fahrt- und Materialkosten etc. können nicht übernommen werden.

Was anderweitig machbar ist, wird im Speziellen besprochen.


Die Bewerbung kann formlos erfolgen, und neben grundlegenden Informationen zur Person kurze Angaben zur Motivation sowie zu bisherigen Erfahrungen und Kenntnissen enthalten.

Für Redakteure ist eine Schriftprobefür Fotografen: Angaben zu Equipment, sowieVerweise auf bisherige Arbeiten eine Grundvoraussetzung.

Die Bewerbung erfolgt per EMail an:


Inhaberin / proprietress:

Claudia Tomaszewski, Chemnitz, Deutschland

erreichbar unter / contact:

Sprachen / languages:

deutsch, englisch

Hinweis:Das Kainklangmusikmagazinarbeitet nicht gewinnorientiert und ist keine Veröffentlichung im Sinne des Pressewesens!
Eventuelle Einnahmen dienen allein der Kostendeckung.


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Claudia  “Cloudy”  Tomaszewski


Origin / Herkunft : Chemnitz, Germany

Responsibilities / Aufgaben : Chief Editor / Contact and PR / Photography / Concert and CD reviews / News / Event Calender / Interviews

Personal interests / persönliche Interessen: music, parties, literature, cinema, my family inkl. my dog, travelling

Fav. bands/artist: VNV Nation, Mesh, Apoptygma Berzerk, DeVision, And One,Placebo, End of Green Paradise Lost,Opeth, Fields of The Nephilim and too many bands to mention

Most memorable concert(s) / unvergessliche Konzert(e): Depeche Mode(1996 – Mannheim), Diary of Dreams 2005 – Hamburg), APOP( 2009- Dresden), Tiamat (Munich)etc.p.p.