…and another brand new release.

Next Sunday, at 6 p.m. CET I will be on the radio again, with my own show on

Terra Relicta Radio.
Immediately after the show, my new single ALLORDIESIDE will be available on


ALLORDIECIDE was written by me. Lars Kappeler from Sweet Ermengarde / OBB, was responsible for the playing and recording of all instruments and for the mixing.

This time, my good friend from UK, Sean Palfrey and his wife Deborah Palfrey (imagomortis

) preapred a Video that will be premiered in the upcoming days at by my friend Yami Spechie, somewhere around Youtube Smilie: ;-)

That’s the news, come and listen to my show at Terra Relicta next Sunday, between 6 p.m. and 7 p.m. CET.

Just in case that you are on facebook – here is the event.




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LIYA Addresses Depression’s Curse With „Kill The Beast“ New video/single/EP out NOW

„The video and song are about someone with depression; someone who is not dealing with it and hurting himself and me, because we were together. It’s about how his depression ruined our connection. The depression is the beast that needs to be killed.“ – LIYA

The video was shot in central Israel and directed by Nero P
Music co-produced by LIYA & Vinnie Saletto (Giant Monsters On The Horizon)

Buy or Stream:


Liya Trebitch is a Singer, Songwriter and Composer from Tel-aviv Israel. LIYA began playing the piano and composing from the age of 5. She has been creating electronic music for the last 16 years. Inspired by New wave, Synth pop, Dark wave, Industrial etc. Her music has deep dark melodies that take you out of your ordinary world. A combination of Dark wave and Synth Pop. In recent years she has performed with Dj Yahel in Europe and in Israel. In December, 2018 her first EP Listen was released through the label Blind Mice Productions and received a lot of great reviews. These days LIYA continues to work on new material.

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Electronic Artist ALIA SYNESTHESIA Reveals The „Cult“ of Productivity With „Stop Go“

The song itself is about dead-end jobs and the cult of productivity.  This theme runs throughout her forthcoming EP, Anhedonia due out later this year. In this case, it’s about climbing senseless corporate ladders and sacrificing things one loves in order to perform at work, to survive and to stay afloat.


About the forthcoming EP, Anhedonia:

Anhedonia, scheduled for release in July 2021, will be the first concept EP to be originally released under the name of ALIA SYNESTHESIA. Paying homage to the sounds of the 90s (trip-hop, NIN, The SugarCubes, Bjork) Alia brings in the combination of pop and operatic vocals, distorted cello riffs, and booming, danceable basslines.

In Psychology, „anhedonia“ refers to inability to experience pleasure or loss of interest in pleasurable things. It’s linked to depression and other mental health disorders. ALIA SYNESTHESIA conceptually explores anhedonia of modernity, with all it’s silent hysterics and mental storms, not only as a de-contextualized nebulous tendril of clinical depression, but as an every day side effect of mental battles for purpose and meaning within the grinding cult of productivity.

Anhedonia will be released in two editions, White (standard edition) and Black (limited to 20 copies only). There are slight differences between the editions that provide different context to each. Both editions are available for pre-order on the project site:

Buy or Stream:

ALIA SYSTHESIA is a multi-instrumentalist, trained operatic singer, neo-classical composer, cellist & drummer. Her music compositions defy genre, spanning from electronic dance music, industrial & sludge metal to dungeon synth, atmospheric, cinematic scores, and operatic works. Known for her deep mezzo-soprano voice and experimental distorted cello technique, Alia carries her unique, exotic sound across genres.

Alia is Yakut (Siberian first nations), and was born and raised in North Siberia, where she started her music education at 6, subsequently immigrating to Canada at the age of 14. Although classically trained, her first musical exposure was to electronic music.

Alia released her first solo record titled Kingdoms Fall in 2017 under the project name Subterranea. Shortly after, two more records under different project names have followed, Banshee (2017), a synthmetal relese, and DataVVitch (201Smilie: 8), released first as anonymous record. Ever since, Alia has been touring the world from Hawaii (2017) to New Zealand (201Smilie: 8) and Japan (2019) as a live member of industrial/darkwave UK pioneers ATTRITION (Coventry, UK) and her neoclassical symphonic dungeon synth project Subterranea.

In her home city of Toronto, Alia opened for the father of dungeon synth Mortiis (2019), as well as black metal/heavy metal band Malokarpatan from Bratislava, Slovakia (201Smilie: 8). Due to versatility and uniqeness of Alia’s sound, she performed with metal bands, goth/darkwave and industrial bands, witch house acts (Valhall), synthwave acts (Dana Jean Phoenix), and dark ambient/experimental acts like Northumbria, Uxvae, and Darsombra.

Alia’s voice is often described in reviews as ‘siren-like’, haunting and beautiful, yet powerful and deep. The compositions she weaves range from tribal and hypnotic, to complex, nightmarish, avant-garde and multi-layered, laced with her signature baroque vocals.

Alia’s compositions were featured in multiple compillations, including numerous Cage Studios compillations (UK) and Brutal Resonance. She was featured on several releases by Di Auger (Toronto, Canada), and Etherial Delusions (Oregon, USA). Alia has also made guest appearances on podcasts and radio shows dedicated to classical opera. Currently, Alia’s discography consists of over 20 releases (EPs, Singles, Band Albums, Live Albums).



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German Industrial Rock Artist KANDINSKY NOIR Covers „KIX“ By ROXETTE’s PER GESSLE

March 8, 2021 – Berlin-based industrial rock artist KANDINSKY NOIR is paying tribute to Per Gessle  with their cover of the song, „KIX.“  The song was originally written by Per Gessle (ROXETTE´s Frontman) in 1997 for his first solo Album The World According to Gessle.

For fans of: Die Krupps, Zeromancer & Das Ich

„Why did I choose this mostly unknown song as cover? The main reason is related to my past: When I was younger, here was MTV, radio stations and cassettes. And the first international music I had access to through the latter were Roxette. Roxette opened my mind even regarding foreign languages and I started learning English through their lyrics.  The original version of „Kix“ contains all the features of a typical 90ies power pop song: a syncopated drum machine loop, a harmonica theme, a tambourine and a tremolo electric guitar. However, I wanted to give the song an industrial twist, in order to enhance the darker side of the lyrics.  

It is one of the few productions by Per Gessle and Roxette in general that detaches itself from the usual way the topic of love is treated. The lyrics are in some way raw, rough, merciless in the depiction of a state of things I have experienced here in Berlin. This city represents a constant search for new kicks in order to escape the insignificance of existence.“
– Anti Austyrøl (KANDINSKY NOIR)

Buy or Stream:


KANDINSKY NOIR is a solo cross-genre project from Berlin born at the end of 2020 during this time of lockdown. After 17 years without actively playing and composing, I considered this period of universal stillness as the best occasion to start again, trying to condense experiences and memories of this last decade in some songs. The name for this solo project derives from a sleeve tattoo I got on my arm reproducing a painting by the Russian artist Wassily Kandinsky, mostly known for his colourful abstract works. While the reproduction on my arm is completely in black. I found the juxtaposition between the name of the artist and a colour that is not typical for his works interesting, as it creates a sort of short-circuit of signification.

My main influences are Type O Negative, Die Krupps, Zeromancer, Fear Factory, Das Ich, Lord of the Lost, Jacques Brel and the Berlin Techno scene sounds that I have breathed in during the last decade. I would define the genre I play as industrial / synth rock, even if my very first release Miss Hauntology was more reminiscent of the 80ies Hair Metal with a touch of synths and my second release DOM-J had more of an EBM / Industrial atmosphere. The common trait among my releases is the stress of dissonances and according to the inspiration odd time signatures.

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KIRLIAN CAMERA announce new double album „Cold Pills (Scarlet Gate of Toxic Daybreak)“ and release first single ‚The 8th President‘

KIRLIAN CAMERA have released the first single taken from their forthcoming double album „Cold Pills (Scarlet Gate of Toxic Daybreak)“, which is scheduled for release on May 14, 2021. The forerunner single ‚The 8th President‘ will hit the stores on March 26, 2021. Cover art and single details can be found below.

The track ‚The 8th President‘ is now available for immediate publication via YouTube:

Please publish this pre-sale link alongside any news-item, if possible.

KIRLIAN CAMERA commented: „At times apocalyptically romantic, at other times merciless and stormy, ‚The 8th President‘ appears to be the choreography of ’satanic-shaped mystics‘, for those, who have no courageous touch with the subsoil of good“, the Italians write. „The true history of the world was born in the basement. It is there that the event of ‚The 8th President‘ came to life, in the dark and devastating places of a former asylum, where the screams and desperation of long-term patients can be still clearly perceived in every corner of that earthly hell. The pieces of a luxurious marble chessboard are moving under the fingers of the 8th President. The preys of dark and conditioning powers are now his toy, leaving nothing to dreams.“


1.1. The Illusory Guest
1.2. Cold Pills
1.3. I Became Alice
1.4. Not True
1.5. Crystal Morn
1.6. Lobotomine 5
1.7. Randonists and Sleepers
1.8. The 8th President

2.1. Dreamlex
2.2. Dusk Religion
2.3. LSDay
2.4. Phoenix Aliena
2.5. Apophenia
2.6. Blue Drug
2.7. Lux Industries
2.8. Twin Pills

With „Cold Pills (Scarlet Gate of Toxic Daybreak)“, KIRLIAN CAMERA deliver their darkest music yet. At the same time, the Italian electro-provocateurs par excellence have added a subconscious metallic vibe into their already wide-ranging sound on this massive double album. This subtle but audible shift away from more pop leaning experiments in the past, maintains the main duo’s uncanny ability to compose catchy and captivating electronic hymns, but gives their new songs a more sinister spin.

This most recent transformation of KIRLIAN CAMERA fits the constantly evolving, ever changing band that has always been restlessly searching for new answers and still finds fresh perspective – although these already legendary veterans are celebrating their most impressive 40th anniversary.

The current incarnation of KIRLIAN CAMERA with its subtle dark rock undertones might come as a surprise to some, but just means a return to his roots for the band’s founder, multi-instrumentalist Angelo Bergamini (electronics, synthesizers, e-guitars), who took his first musical steps closely linked to HAWKWIND during their „Lemmy Kilmister period“ and has worked with YES-guitarist Trevor Rubin back in the days. The Italian’s new bass player Mia Wallace comes with strong ties to the realm of metal through her involvement with ABBATH and NERVOSA among others and guitarist Alessandro Comerio also plays drums in Tom Gabriel Fischer’s TRIUMPH OF DEATH and plucks the bass for FORGOTTEN TOMB.

Yet, KIRLIAN CAMERA are foremost always themselves and this remains true for „Cold Pills“ as well. As a given constant in all the works of the band and as distinctive as Angelo Bergamini’s trademark musical handwriting are the stunning vocals of the other half of the original core duo: Elena Alice Fossi’s voice covers an amazing range of expression from the darkly seductive via the dangerously hypnotic to ethereal beauty – and every emotion in between.

As contemporary artists, KIRLIAN CAMERA are painting a dystopian picture with  „Cold Pills“ that reflects in the bleak monochrome artwork, the music, and in the lyrics. The ongoing pandemic has left its traces too. „This is the dark, toxic, and sometimes dreamy world of ‚Cold Pills‘ and its sub-title ‚Scarlet Gate of Toxic Daybreak‘ too“, reveals Elena Alice Fossi. „It is an obscure world plagued by altered states and malaise, by rituals and facts that go beyond explainable limits.“

Such multi-layered constructions as well as transcendent and subversive content have always been at the core of the art of KIRLIAN CAMERA. Their unapologetic at times outrageous ability to provoke and to hold a truth-telling mirror to the world has sparked more than one controversy in the past. Yet, the Italians have never been using provocation for its own sake or succumbed to mindless destructive impulses. Their artistic course seeks the extraordinary contrast between the pleasing and the gloomy, the otherworldly and the dreamy, and is probably unique in the world of music for this very reason.

After all these decades filled with celebrated albums, of which many are already considered modern classics, and on an artistic path that knows no rest and constantly heads towards new horizons, KIRLIAN CAMERA have again created a fascinating masterpiece with „Cold Pills“ that brings their dark and mysterious aura another step closer to perfection.

Current Line-up
Elena Alice Fossi – vocals, electronics, theremin, synthesizers
Angelo Bergamini – synthesizers, electronics, e-guitars, additional vocals
Alessandro Comerio – guitars
Mia W. Wallace – bass

Recording Line-up
Elena Alice Fossi – vocals, electronics, theremin, synthesizers, piano
Angelo Bergamini – synthesizers, electronics, e-guitars, add. vocals
Mia W. Wallace – bass
Alessandro Comerio – guitars
Andrea Fossi – guitars

Guest musicians
Davide Mazza – additonal electronics on ‚Apophenia‘
Alison Bergamini – additional vocoder on ‚Lobotomine 5‘

Produced by Elena Alice Fossi
Recorded and pre-mixed by Elena Alice Fossi at Uranium Mobile Studio
Sound engineering by Willi Dammeier 

Cover Artwork by Jose Manuel Moreno Santiuste

A. The 8th President
B. Phoenix Aliena (Italian Version)
B. Golden Carousel

The meticulous songwriting and striking arrangement of the single elegantly demonstrates how this duo has mastered its musical craft with the wealth of experience of more than 30 years.

Yet the title track of the single ‚The 8th President‘ also hints at a slight change of direction for KIRLIAN CAMERA: Elena Alice Fossi’s soaring vocals float with captivating ease over a beckoning abyss of sinister electronics.

KIRLIAN CAMERA present the single ‚The 8th President‘ as the first delicious appetiser taken from their forthcoming double album „Cold Pills“. The subversive Italians remain true to their course of melancholic electronics as on the highly acclaimed latest album „Hologram Moon“.

The meticulous songwriting and striking arrangement of the single elegantly demonstrates how this duo has mastered its musical craft with the wealth of experience of more than 30 years.

Yet the title track of the single ‚The 8th President‘ also hints at a slight change of direction for KIRLIAN CAMERA: Elena Alice Fossi’s soaring vocals float with captivating ease over a beckoning abyss of sinister electronics.

„With ‚Cold Pills‘ we have created our darkest album yet,“ promise Angelo Bergamini and Elena Alice Fossi. ‚The 8th President‘ is the first indisputable proof of this statement.

Single release date: March 26, 2021

Available formats
‚The 8th President‘ will be released as a black and grey, four-sided Digipak CD and as a 12″ vinyl single limited to 300 black and 200 gold coloured copies.


Release date: March 14, 2021

Pre-sale link

Available formats
„Cold Pills“ is available as 48-page hardcover artbook including the regular double-CD and a bonus CD, Digipak 2-CD with 12-page booklet, and gatefold 2-LP in black and silver vinyl editions.




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THIS MORN‘ OMNIA announce new album and release first single

THIS MORN‘ OMNIA announce new album“The Roots of Saraswati“and release first single
1.000 Cuts (Lingh Chi)‘

THIS MORN‘ OMNIA have released the first single taken from their forthcoming album „The Roots of Saraswati„, which is slated for release on March 26, 2021. Cover art and album details can be found below.

The single track ‚1.000 Cuts (Lingh Chi)‘ is now available for immediate publication via this YouTube link:

Please publish this pre-sale link alongside any news-item, if possible.

1. Nadisti Sukta
2. The Mongoose King
3. Naous
4. Vadavigni (The All Consuming Fire)
5. People of the Serpent
6. 1.000 Cuts (Lingh Chi)
7. The Nothing Space
8. Blood Oath
9. Nepenthe
10. (A) Song of Eloi’im

With „The Roots of Saraswati“, THIS MORN‘ OMINA add a new, dark facet to their already impressive catalogue. The latest album by the Belgian tribal industrial pioneers can be seen both as a continuation of their previous work as well as a welcome expansion of their stylistic palette.

The broadening of their musical horizon is partly due to Karolus Leroq having been replaced by IVARDENSPHERE drummer and electro-musician Scott Fox. The Canadian from Edmonton arrived with new sound elements in his bag when he joined THIS MORN‘ OMINA. This line-up change resulted in the current tracks offering an increased compositional depth and a darker atmosphere compared to the previous album „Kundalini Rising“ (2017).

The organic structures of the current songs put more emphasis on the tribal heart of the Belgians, while their psychedelic trance influences shining through on their previous albums have been audibly trimmed back. The extremely well-honed production of „The Roots of Saraswati“ seamlessly blends driving atmospheric electronics with organic percussion, which will also prick up listeners‘ ears.

Lyrically, THIS MORN‘ OMINA remain true to their fascination for the spiritual traditions of the Indian subcontinent on „The Roots of Saraswati“. In Hinduism, the name „Saraswati“ („The Flowing One“Smilie: ;) represents the goddess of wisdom, art, and learning, yet also denotes a mysterious river from which knowledge, inspiration and divine grace spring. In Hindu teachings, „Saraswati“ is also used as a term for scholars and seekers of truth. All the aspects of this word contain an element of flowing and profound transcendence as a common theme, which also defines the content of the new album, musically, lyrically, and in the artwork as well.

„The Roots of Saraswati“ irresistibly call to the dancefloor via hypnotic club hits such as ‚The Mongoose King‘ and ‚The Nothing Space‘. Yet after several spins, the raw percussive power and cinematic scope of mid-tempo tracks like ‚Vadavighni („The All Consuming Fire“Smilie: ;)‘ and ‚Nepenthe‘ starts to grow into focus. The coup de grace is delivered by the soothing chords of ‚Song of Elo’im‘ that could have had a starring role on a John Carpenter soundtrack – seasoned with a tasty industrial dash.

The impressive evolution of THIS MORN‘ OMINA finds a perfect outlet with the hypnotic and varied tribal industrial masterpiece „The Roots of Saraswati“.

Album release date: March 26, 2021

Available formats
Digipack CD edition and 2CD 36-page Artbook edition.


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HOCICO New Single ‚Broken Empires‘

HOCICO shares the long-awaited new single „Broken Empires“ and music video!


Today is an exciting day for all followers of the Mexican Industrial-Electro legends HOCICO! The band drops their new single „Broken Empires“ via Out of Line Music.

Erk (vocalist) explains: “Broken Empires, is a song about the current state of the world. It resumes how the pandemic was a way to achieve power and control for some and how it transformed the world into a darker place for some others.” And Racso (music) adds: “Musically speaking “Broken Empires” is a futuristic and modern vision, it’s a blend of dark electro with the new trends of mid-tempo and dark synth.”


HOCICO are looking forward to “completing and releasing our new album in 2021 and hopefully, we get to tour the globe with it afterwards”, says Erk.


Accompanying the release of HOCICO’s new single, Erk explains, “we found it interesting – the idea of making a video where we are not part of it. This time we want to deliver the message separating ourselves visually from it to create an unusual feeling on the audience. We found an actress in Canada who performed the song in front of the camera, it’s a simple but powerful idea.” Watch the music video HERE!


Racso Agroyam (Music) and Erk Aicrag (Lyrics and Vocals)


Erk Aicrag and Racso Agroyam, two angry survivors of the physical and mental violence rising daily on the streets of Mexico City, emerged in 1993 as Hocico, a hard-electro act that lashes out against the deteriorating human spirit with compassion and rage. This project of two cousins has been active on the underground scene ever since, constantly exploring new musical concepts. Hocico creates dark and aggressive sounds: nightmarish atmospheres, classical landscapes, and driving beats, charged with adrenaline and fury. They channel the violence, isolation, and social misconduct of Mexico City into their music to exhibit what society has wronged – letting the music speak for itself. Their artistic expression is mainly focused on aggressive and violent aspects of human nature, with lyrics being equally as powerful as their sound. Los Hijos del Inferno have been active for about 30 years in the underground scene, during this time they have been touring around the globe, evolving into a headliner band on huge festivals, and has eventually become one of the most influential bands on the electro-industrial scene and the harder side of electronic music. Their live performance can be described as pure adrenalin and energy which the duo transmits to the audience. Hocico’s trademark talent creates memorable melodies and a highly creative sound design to get a club-compatible hell ride with addictive qualities. Erk and Racso persistently push themselves to be drivers and innovators in the worldwide dark and industrial scene. Erk has a side project called Rabia Sorda and Racso has a solo project called Dulce Liquido. Hocico has established as one of the most active bands in the underground music scene, both live and in the studio. To date, they have released 10 albums, several live records and DVDs, countless EP’s, singles and the story continues…

Follow HOCICO 

IG & Twitter @ocicoh

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SORROWNIGHT ​- Acoasma 26.02.2021, Dark Poets Society

Eine Halluzination, getarnt als Geräusch, fungiert als Vorbote einer Aura und ungewisser
Kraft, welche damit Tore zu einer Welt im eigenen Kopf öffnet. Diese kann nicht nur völlig
frei gestaltet werden, sondern bietet eine Atmosphäre, die nicht ganz gedeutet werden
kann. Trotz der verwirrenden Halluzination entsteht ein sanfter Schleier, der einen neuen
Pfad aus dem Boden wirbelt. Die Erfurter Band ​SORROWNIGHT ​hat sich mit ihrer neuen
EP ​ACOASMA ​in diese Welt gewagt. Nach der ersten Demo EP ​HELLISH SACRIFICE
aus dem Jahr 2016, gefolgt vom Debutalbum ​UNKNOWN PRESENCE (2019), erscheint
am 26.02.2021 das neue Werk der thüringer Dark Rock Formation. Die eingänglichen
Melodien, getragen von treibenden Drums (erstmals eingespielt von Marky Hillton) und
spielerischer Bassgitarre werden von cleanen Vocals umschmeichelt und bekommen
Unterstützung von Keyboard Riffs, Synthesizer Flächen und drückenden Gitarren mit viel
Spielraum. Diese Kombination brachte die Band nicht nur auf die Bühne mit Größen wie
Dark Tranquillity​, ​Evergrey​, ​Megaherz oder ​Null Positiv​, sondern auch zu einem
eigenen Sound mit Wiedererkennungswert und einer wachsenden Fanbase nicht nur in
Deutschland, sondern auf der ganzen Welt in Ländern wie zum Beispiel Australien, USA,
UK, Russland, Schweden, Mexiko oder Brasilien.

ACOASMA markiert einen weiteren Wegpunkt in der Reise von ​SORROWNIGHT ​und
ebnet den Weg für den frischen Sound durch die neue Besetzung und dient als Vorbote für kommende Veröffentlichungen und Präsenzen.

Release:​ ​26.02.2021, Dark Poets Society

01 Autumn Melodies
02 Deny Me03 Silent River
04 Hellish Sacrifice (Acoasma Version)
05 My Own Enemy
06 Ghostlike Vision

Christine Shadow – Keyboard
Veri Jumala -Vocals
Lichtbringer (als Gast auf Acoasma) –
Sven Crow – Bass
Marky Hillton – Drums

Rezension – Sorrownight – „Acoasma“

Bekanntlich liegt die Würze ja in der Kürze und so haben Sorrownight am 26.Februar 2021 ihre EP „Acoasma“ in die Musikwelt geschickt. Sie enthält sechs Gothic-Rock Stücke, die sich wirklich hören lassen können.

Los geht es mit „Autumn Melodies“. Ein ordentlich rockiger Einstieg mit treibenden Riffs und Veris kraftvoller Stimme. Dieser Song ist ab der ersten Sekunde das ganze Gegenteil von bieder.

Der Song „Silent River“ ist für mich ein bisschen schizophren. Auf der einen Seite beginnt er mit einem ruhig gezupften Bass, dann gesellt sich der Rest dazu und nach der Strophe ist es, als würde man einen anderen Song hören. Schnell, treibend, mit ungeahnten stimmlichen Höhen. Plötzlich wird es wieder ruhig und eher tragend. Ein sehr interessantes Stück, bei dem man sich richtig vorstellen kann, wie sich die Musiker nachts heimlich über den nebligen Fluss schleichen, um es auf der anderen Seite krachen zu lassen und sich dann wieder zurückzuziehen.

My Own Enemy“ ist ein kraftvolles Lied, bei dem die Kenngröße der dominanten Frequenzteile der Stimme sehr gut zur Geltung kommt. Hier wurden kurze, rhythmisch prägnante Motive mit ruhigeren Teilen gepaart und ergeben ein wirklich gutes Klangbild.

Zum Schluss zeigt Veri in „Ghostlike Vision“ noch einmal seine vielschichtige Klangfarbe. Untermalt vom eingebetteten Bass und druckvollen Gitarren bildet der Song einen schönen Ausklang.

Die fünf Thüringer Musiker überzeugen mit energiegeladenem Rock, ordentlichen Gitarrensoli, treibenden Drums und der wirklich außergewöhnlichen Stimme von Veri. Davon würde ich gerne mehr hören.

geschrieben von Antje Heine


Für mehr Informationen besucht:

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Gothic Industrial Band BATAVIA Unveils New Album, „Batavia And Their Friends“

The Florida-based duo, BATAVIA has just released their new album, Batavia And Their Friends.

This new album is a cacophony of voices who give their individual interpretations on BATAVIA’s previously released EPs from 2020. You will find reimagined works from the likes of GRENDEL, MACH FOX, SPANKTHENUN, SYINX, BETA VIRUS, and more.

Adding to the works of the guest remix artists, BATAVIA have provided several remixes of their own with additional mixing work provided by Joy Thieves Productions.

Batavia and Their Friends is available now through Tigersquawk Records as a pay what you want via their Bandcamp.

BATAVIA is less about the band, but more about the people behind it. The two had been acquainted years ago and reconnected only by chance. The chemistry between them was immediately apparent and scarcely has there been a day where they have been apart since. They were married in November of 2019 in a retro arcade in downtown Jacksonville, before an Addams Family pinball machine, in true nerdy-goth fashion. Both being musicians, having strikingly similar musical tastes and already doing everything else together, it was a natural step to form a musical project. BATAVIA is a gothic industrial band from Jacksonville Florida. The band is comprised of husband and wife duo Terri and Ed Cripps.
Terri’s comeuppance was in the Madison,Wisconsin scene. She began playing piano and singing from a very young age. Ed spent most of his formative years playing in bands in the Providence and Boston area. He had been recording from his teenage years on, starting with primitive tracker software and thrift shop synthesizers to score video game mods.

They both came into the punk and industrial scene during its 90s stride and draw much of their inspiration from the music of that era; Skinny Puppy, 16Volt, C-Tec, Godflesh as well as goth and post-punk bands The Jesus and Mary Chain, The Smiths and a litany of other influences.

BATAVIA’s music is an amalgamation of all those influences, using those textures as a framework and building into new directions, painting vibrant pictures, exploring new ideas and to make more of the music they would want to listen to themselves.

BATAVIA are signed to Tigersquawk records


Hello peoplea new day a new reviewhere comes Bataviaof which I have never heard anythingso the suspense is great againWhen I saw the cover I thought it was the new record of French fries and beer (but they don’t exist anymore), the two people on the cover looked to me at first like Nils Bokelberg and Britney SpearsIn an old Viva backdrop that was supposed to represent the 70/80, nice kitschig. . yeah!

The „record“ is full of mixes (so probably the songs have been around for a while and now friends of the band have remixed them?!), so lets see how that soundsSong 1 and 8 and 11- The Absinthian1. „The Absinthian (Grendel Mix)“, yaystarts off nice and New Order-likegreat old school drums and keysthe female voice is unexpected but coolA really great song and the mix by Grendel is fantasticprobably my first TIP TOP!

8.  The Absinthian (Beta Virus Mix)“, I personally dont like it that mucheverything a bit too distorted herevoice guitaronly the drums run „straigt“ throughI liked the Grendel Mix better!

11.  The Absinthian (Green Fairy Mix)“, here the song really sounds completely differentits drivingstill I prefer the Grendel Mix, but I am also what „old school, this is what for the cyber-gothics of todayfits and is good? Song 2 and 9 and 12  ScaMask2nd “ ScaMask (Alors On Dance Mix)“, here it gets a bit more gruffindustrial vibes and the typical vocal sequencesa bit of „haaaaaaa haaaaaaa“ in betweenthats how it startsnice break in the middleare there cats screaming?. . . i dont think sothe voice very warped this timethe mix is good if not really catchy.

9.  ScaMask (Mach Fox Mix)“, wishy washy mixkinda confusedmakes me nervousthe mix is hmmmm. . . A „skip“ for meSorry but yocan get away with one and Im sure others think its great.

12.  ScaMask (Microwaved Mix)“, starts like a story from Europa radio playsthen the distorted voice and distorted guitar keysthe pad plays long the same sounds alternating with long always the same violin soundsthen again radio playwhy not?!

Mix 3 and 7 and 13  Step 13 : 3. “ Step 13 (Hell Miix by Spankthenun)“, she wants hell backnice mixthe voice is greatnice sound structurefrom the middle it gets even more rhythmicthe mix is well thought outpure Hellraiser feeling

7. „Step 13 (Liquid Crack Mix)“, this mix is a bit fasterI like it much bettera great „dance-song“ full of energyyolike to go to this hell.

13.  Step 13 (Haunted Halfway House Mix)“, is also goodmaybe a bit too much house, but not badit depends on what kind of music yoprefer to listen toif yolike „fucking shit“ talk in betweenthis is perfect.

Mix 4 and 10  Ab Initio:

4. “ Ab Initio (Insatiable Void Mix) „, strong basses buzz in sea breezesdistorted voice in a danceable soundKraftwerk sound add-ons in between end to the beach againhere again a strong mixnow I have to check if the songs are available somewhere in the original and how it sounds?

10. “ Ab Initio (Psyence Fiction Mix) „, also has a bit too much sounddoesn’t get stuck like thatI stick to the Insatiable Void Mixthere was less moreand here I miss the sea?

Mix 5: „Fields of Gray (UHF Mix)“, is a little bit quieter and at first its just a little bit of a bobble through your earsthe mix fits well into the overall picturetheres only one mix of this, but there would have been more for surestill greatespecially the drum parts go in wellAll in all all great mixessome just satisfyingothers are super awesomeso now I have to see how the songs sound unmixedIm curiousmy tipsThe Absinthian (Grendel Mix), Step 13 (Liquid Crack Mix), Fields of Gray (UHF Mix). 

written by Karsten Zakrzewski 

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Industrial/EBM Act NULL CELL Reveals New Full-Length Album, Eternally Ill.

Omaha, Nebraska-based-ebm/industrial act NULL CELL has revealed their new full-length album, Eternally Ill.  

For fans of ebm/.industrial and industrial/rock styles

Eternally Ill is available digitally via Bandcamp and appears courtesy of Machine Man Records.

Eternally Ill’s atmosphere is caused by my emotional state during its production.  It mainly had to do with my handling of depression and anxiety, and with fellow musicians and other people who either talked down to me or were outright hostile. The title is a nod to the Beastie Boys‘ debut album but doubles as the seemingly unending feeling of sadness and fear that can take over if you aren’t expressing yourself.“ 

– Isabella Chains (Null Cell)


From Omaha, Nebraska and drawing inspiration from genres such as thrash metal, hip hop, electro-industrial, and EBM, NULL CELL is the industrial rock project of Isabella Chains.




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Multi-Genre Artist SINTHETIK MESSIAH Drops THE OTHER LA Split & ATR Cover Tracks

„In My Dreams“ is a split collaboration with THE OTHER LA. The band also presents their cover of ATARI TEENAGE RIOT’s, „Destroy 2000 Years Of Culture.“

The track, „In My Dreams“ was originally produced by Cj Pierce of DROWNING POOL for THE OTHER LA’s self-titled album that was released in 2016. THE OTHER LA approached Bug Gigabyte to take the music and bring it on a more twisted,  electronic journey.

„Cj Peirce is one of the greatest guitarists on the planet. I wanted to make something that even he,  himself would jam out to.“ -Bug.

After receiving the original track stems, Bug took the audio , ground it up into a new composition and added more drums, guitars, synths and vocals. Grammy nominated engineer Joe Haze (Lords of Acid/The Banishment) then used his mastery of analog mix and mastering technology to glue all the chaos of the track together.

SINTHETIK MESSIAH’s first cover was meant to be an updated American version of the 1997 track “Destroy 2000 Years Of Culture” by the revolutionary electronic noise act, ATARI TEENAGE RIOT (ATR).  Originally ATR sampled the track „Dead Skin Mask“ by American metal  act SLAYER, from their 1990 album, Seasons in the Abyss.

In continuing the tradition of the ATR song and ideas behind both acts‘ music, Bug Gigabyte sampled the same SLAYER track and gave a new spin to the fundamentals of what makes ATARI TEENAGE RIOT. Once Bug finished composing the cover, he then passed it on to Grammy nominated engineer, Joe Haze(Lords Of Acid, The Banishment) for mixing and mastering with analog technology.

Photo credit: Light The Frame Media

Bug Gigabyte is an electronic music enthusiast and musician. In 2018, Bug started the Southern Electronic Music Conference, Louisiana’s first electronic music conference. Determined to teach and bring new ideas to the genre as a whole, 2019 Bug merged the conference with the Cutting Edge Music Conference based in New Orleans, Louisiana.

At The 2020 Cutting Edge Music Conference, Bug did an hour-long  talk on Electronic Music History: one that becan in the 1920s and went  to the 1990s. He presented educational information, industry opinion and a perspective that takes decades to truly understand. More info can be found here:

SINTHETIK MESSIAH Is known for their benefit work across the south. At the end of the year they came together with several other local acts to help raise funds for local musicians who are suffering through the Covid-19 lockdowns and restrictions. This was possible through the non-profit organization, The Foundry Of Lafayette. A total of $5,512 was raised.

Main website:


Donation page:





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Dark Ambient Act WITHERING OF LIGHT Unveils Their New Full-Length Album, „Reliquary“

January 1, 2021– US dark ambient act WITHERING OF LIGHT has unveiled their new full-length album, Reliquary.  

Reliquary is available now on digital and CD formats.  Vinyl LP format tentatively due in February.

„The concept behind this album became how each of the words that are the titles took me out of the mundane everyday and put my mind in somewhat of a different state.

For instance, „Reliquary“ is a vessel that contains a sacred or holy relic of some kind. We as humans fetishize objects, moments, memories. Even your mind can become a reliquary harboring the sacred, profane and otherwise. Each of these words I found carried some kind of weight, a spectral resonance(hence that title) and the sounds here are the aural embodiment of these.“ – Todd Janeczek

Formed in 2012 by Todd Janeczek, WITHERING OF LIGHT is the vehicle used to reach out towards the unseen, to enter dreamscapes of long forgotten places in the recesses of the mind and spirit. Meditative soundscapes to journey through the chasms and spires of one’s psyche.




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Check Out Electronic Artist VEXILLARY’s Innovative New Video, „The Geneticist“

 Electronic artist VEXILLARY has unveiled their innovative new music video for the track, „The Geneticist.“  The video premiered on ReGen Magazine HERE:

„The Geneticist“ appears on VEXILLARY’s latest EP, SurViolence.

Video Credits:
Original art: Luqmn Ashaari
Animation and editing: Nikolay Yunkevich
Produced and directed by: Reza Seirafi

The opulent darkwave closing song off of VEXILLARY’s latest EP, SurViolence has now received the music video treatment it deserves. Both the song and the video explore the link between science and spirituality and how they influence one another. The dark supernatural theme is embodied by the menacing lyrics of the song :“Chimera awaits at the tip of his hands, a snap of his fingers and the beast is in your land.“

The video echoes the same theme visually. It presents us with a sci-fi dream sequence that plays like techno hypnotism.

About the SurViolence EP:

SurViolence adopts the theme of unease in an overly politicized society; using surveillance culture as a metaphor on how technology that was created to serve and protect can serve to exploit. Hence the title, SurViolence.  The sub-plot of tension and lack of trust in the decisions that are being made for us fueled the eerie sounds and direction of the record.

Voyeurism has been weaponized to give rise to surveillance. Violence has been digitized to replace intelligence.  This is where evolution has led us. It’s time to take back control. If only we could have our eyes back to see.

Welcome to the surrealist horror of SurViolence.

VEXILLARY is the brainchild of the New York-based producer Reza Seirafi. His diverse work is seeded with a singular undercurrent of gloom and shaped by his unique scientific approach to production.

As a chemist and perfumer, Reza was fascinated by the secret bonds between unrelated chemical ingredients that create well-balanced, other-worldly scents. Reza’s music making process follows the same philosophy, as he magically blends unrelated musical parts to create his own brand of decadent Industrial and techno music.

On his production style, Reza has noted “key changes and odd chords are all over my stuff, connecting seamlessly where they shouldn’t. There’s some magic to it that can’t be explained.”

But VEXILLARY’s music is far from formulaic, and his records are proof of that. His debut EP for Blaq Records, Chemica Divina, was a conceptual record exploring the themes of chemical sciences and their link to the divine. On his recent EPs, CrossFire and The Brutalist, Reza takes on classic industrial sounds as ingredients and transmutates them through his own brand of alchemy to leave a refreshing modern take in his trail.

With his new release, SurViolence, Reza has now added new conceptual ingredients in the mix to tell the tale of the unease that we’re all facing as we approach what may seem to be a dystopian future. Looking into this said future, we can expect Reza to carry on doing music on his own terms to further cement his place as a true force in underground music culture. And if SurViolence is any indication, that exploration will surely remain out of the ordinary.




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Gothic/Industrial Artist NIGHT TERROR Announces Their New Full-Length Release, „Freak On Th

Gothic industrial artist NIGHT TERROR has unleashed their new full-length album, Freak On The Inside.

For Fans Of: System Syn, Tragic Impulse & Bauhaus

What separates NIGHT TERROR’s music is its unique mix of gothic-style vocals with industrial sounds. After a year of „in-genre“ albums, NIGHT TERROR’s blend of eerie, soothing vocals and a multi-genre approach closes out the year in musical relief, standing apart from the masses.

„What really went into this album was 1800 hours of love and passion, pain and sorrow, memories of an old life and anger towards those who cannot seem to respect basic human rights.“
– Jeff Heveron

Freak On The Inside is both a musical endeavor I’ve been wanting to do for 33 years and the stories of my life experience and issues I feel strongly about. From the depression, addiction, and love to disgust with male chauvinists and the human virus that plagues this world. Everything I had went into this album, but it is only the beginning.

I’ve learned so much about myself and the music styles during this process. I have no intention of stopping here. I have so much more music to give back to the artists who inspired me for many years.

The album title is based on my medical condition called primary ciliary dyskinesia and dextrocardia. I truly am a freak on the inside.“

*NIGHT TERROR appears courtesy of Tigersqwak Records



Hi, I’m NIGHT TERROR… I am here to share my music and life experience with you. If you are a fan of goth genres you may like my music. If you’ve struggled with mental and physical health, you may connect with my story. I am a man who has lived through adversity, heartbreak, drug addiction & alcoholism, death, poverty and depression… Let’s not forget of course, the torment of NIGHT TERRORS!

I make music that expresses the dark parts of my life. Through my sound and lyrics you can experience he torment I call… Life. Most of my style is goth, synthpop, industrial and electronic. That does not limit my influences that range from classic Jazz like Miles Davis all the way to rap and hip-hop like Immortal Technique. As a DJ (AKA; DJ Night Terror) I spend a lot of time preparing set-lists for goth nights, 80’s
nights, punk shows and metal shows. If you asked what I’ve listened to in the past week, I’d probably say Gary Newman, Tragic Impulse, Screeching Weasel, Skinny Puppy, Sisters Of Mercy, Pop Will Eat Itself, Moris Blak, Empathy Test, VNV Nation, Aesthetic Perfection, 3TEETH, Crude SS, Carnivore, Bauhaus, Conflict, The Cure, ICE-T, Diary Of Dreams, System Syn, Wolcensmen, Lana Del Ray, Hanoi Jane (a punk band I’m in), Ministry, Koffin Kats, Parkway Drive, SIERRA, God Module, and many more.

Having been a bass player for 33 years in mainly punk or metal bands, with the exception of Pleasure Void and art/punk goth band from the 90’s. I spend a lot of time learning about music, taking lessons and practicing. I lost a lot of years to my alcohol and drug addiction (12 years sober as of Feb 2020). I also suffer from a rare condition called PCD, my music helps me to not think about how I’m actually feeling
and focus on something productive and meaningful. This is a decent bit about me but if you have questions, feel free to reach out and ask. If I don’t respond right away it is because I keep very busy.

Review – Night Terror – Freak On The Inside

Hello freaks?… here’s the next review, night terror, okay… then let’s see what this is again! 😉

A boy in front of a keyboard, a bird over it? First I thought this was a punk record, so Exploited or Daily Terror when I saw the cover, but nee, quite something else, electronic music is here!

It starts with a lot of keyboard-wielding drums, then starts the male voice, the first song „Wreck It,“ what should I say, it is not in my heart, but it is good, it will surely find lovers.

Keep watching, „Addiction,“ I got the impression the voice was mixed together too loudly, probably on the whole album, okay, the song’s not so mine!

„Go Now“ did I think?!… it sounds something like your jackets but with not so good music and worse voice? Sounds bad, but just what I thought was bad!

Also I was afraid I can’t say so much good, but this instrumental piece „Maxxed Out“ can be heard by the way, the typical players of any text passages are okay and the music is already suitable.

„Get Out Of This Place“ scratch first in the auditory canal then the music goes off and the voice speaks what, Lost Dreams… anything…, you can listen, but you can only understand little, no yeah effect so far.

Then to „Viral Attack,“ probably a song about the Corona pandemic, it speaks a gloomy voice to a kind of Captain Future Sound, the best song so far on the album, also the vocals come here which sounds better over, even if everything sounds pretty crazy, here it looks great together! TIP

„Beloved“ is the seventh song, apparently the better songs hide behind, also this song is strong, the voice is good, it goes smoothly forward, this time it takes something with me, next tip! 😉

When „Falling Time“ starts with the bright piano style, you think first, now surely a robotic voice will come soon, and fully in the cliché, but still not, the somewhat too loud (human) voice speaks more than it sings, it stumbles again and stumble is always so short before „skip.“ I want a robotic voice! 😉

For the last song „Twenty Twenty,“ let’s look at the weirdness, the scratching, that was already, and bad sounds, and a sound spectacle, okay,…. it fits, nice finish without voice, an outro from out of space, I like!

Conclusion: I have to push it back to the different tastes, for me really not everything was great, but that has nothing to mean, other people will surely like much rather than me, the album is not crap, but also not a golden egg?!

Tip: Viral Attack, Beloves and Twenty Twenty!

written by Karsten Zakrzewski





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Texas Goth-Rock Band IN A DARKENED ROOM Unveils Their New Video: „Final Vows.“

“Final Vows was written about a love lost, and the realization of knowing as things pass and change with time, they sometimes leave a trace of what was. The feeling that time may come  and go, but the strongest emotions we experience leave an imprint on this world, and we sometimes unknowingly search for these remnants again.  The song is about feeling something special, whether it be a person or an idea, and having to say goodbye to those things, and wandering the Earth wondering if you will ever find them again.“

-CJ Duron


CJ Duron- Vocals, Guitars
Svia Svenlava –  Bass, drums
Kandi Keys – Synth, percussion



An introduction to IN A DARKENED ROOM began in the winter of 2020 when (singer/guitarist) CJ Duron, welcomed bass player Svia Svenlava, and synth player Kandi Keys.  The group wanted to work with a decidedly darker sound than their previous music projects.  The subsequent pandemic appearing that spring aided in the atmosphere of dread and uncertainty.  The band quickly
began creating melancholic, gothic anthems that echoed their sentiments of love and loss, veiled with a dream-like sensuality. Warm, lush basslines and cavernous reverb flail the walls while deep croons lull you into sense of weightlessness. The band  is on mission to capture the height of passion, and depths of basic human emotion.  Music that is best experienced and listened to, In a darkened room.





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In 2020 I realized that I should take every chance to do what I love most: MUSIC. Music without rules, music without clichés and without any restrictions. This understanding led me to merge my previous projects (Deied, Melanculia, Hqmr) and continue under a single name: NINO SABLE.

Although my day job has been more busy than ever, I’ve used every opportunity and time to work on new tracks and I’m happy to announce, that I will be publishing a Single, each month, for at least one year.
All singles will be premiered on the last Sunday of the month (e.g. January 31st) at 6 p.m. CET on my own radio show on Terra Relicta Radio.
Immediately afterwards the single will be available on Bandcamp.


On the upcoming releases I mainly worked with Lars Kappeler from Sweet Ermengarde / OBB – he is responsible for a lot of instruments and mixing. I also worked with Diane from La Scaltra – she helped me out with witchy vocals and dark lyrics. In addition, Daniel from Dos Asmund provided me with some uber synthesizers, that you’ll certainly love to hear.

That’s the news, come and listen to Terra Relicta next Sunday, between 6 p.m. and 7 p.m. CET.

Want to know more about the new release?



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SCARLET DORN „Blood Red Bouquet“ VÖ am 29.01.2021

SCARLET DORN melden sich zurück mit ihrem zweiten Album „Blood Red Bouquet“. Im Jahre 2016 als Feature eines LORD OF THE LOST Songs zum ersten Mal in Erscheinung getreten, trat Sängerin Scarlet mit Ihrer Band in den folgenden Monaten und Jahren unvermeidbar immer wieder auf den Spielplan der dunkelbunten Musikszene. Nicht nur durch die Veröffentlichung des Debut-Albums „Lack Of Light“ im Jahre 2018, auch durch unermüdliches Touren, u.a. mit WITHIN TEMPTATION, JOACHIM WITT, LETZTE INSTANZ und eben auch LORD OF THE LOST.

Wie schon auf dem Debut bewegt sich das Zweitwerk des Quintetts auf seinen insgesamt 13 neuen Songs zwischen Darkrock und Pop, mit Einflüssen aus klassischer sowie elektronischer Musik, wobei „Blood Red Bouquet“ in der Summe treibender, härter und noch emotionaler ausfällt.

Eines der Highlights des Albums ist definitiv das Duett „Proud & Strong“ mit Szene-Urgestein Sven Friedrich (SOLAR FAKE, ZERAPHINE, DREADFUL SHADOWS) – eine schönere Verschmelzung aus diesen zwei warmen, bewegenden und unverkennbaren Stimmen hätte man sich nicht aussuchen können. 

Auch „Blood Red Bouquet“ wurde produziert in den legendären Chameleon Studios in Hamburg und während das neue Album den Weg in die Regale, Download- und Streaming-Plattformen findet, befindet sich die Band bereits im Songwriting für den nächsten kreativen Output.

Zunächst aber geht es erst mal auf emotionale Achterbahnfahrt mit „Blood Red Bouquet“, die dazugehörigen Tourdaten für 2021 folgen in Kürze…



Auch „Blood Red Bouquet“ wurde produziert in den legendären Chameleon Studios in Hamburg und während das neue Album den Weg in die Regale, Download- und Streaming-Plattformen findet, befindet sich die Band bereits im Songwriting für den nächsten kreativen Output.

Zunächst aber geht es erst mal auf emotionale Achterbahnfahrt mit „Blood Red Bouquet“, die dazugehörigen Tourdaten für 2021 folgen in Kürze…

Rezension – Scarlet Dorn – „Bloodred Bouquet“

Die Musikwelt ist wieder um ein ordentliches Stück Gothic-Rock reicher, denn am 29.Januar 2021 haben Scarlet Dorn ihr zweites Studioalbum „Bloodred Bouquet“ veröffentlicht. In 13 neuen Songs zeigen sie ihre Bandbreite von ruhigen und schnellen Stücken, lauten und leisen Tönen.

Los geht es mit „Scorched By A Flame So Dark“, und der wundervollen Stimme von Scarlet. Nach der Hälfte der ersten Strophe setzen kraftvolle Gitarren und Bässe ein und machen aus der vermeintlichen Ballade einen schönen Rocksong.

Für „Proud And Strong“ haben sie sich stimmliche Unterstützung von Sven Friedrich (Solar Fake) geholt. Es ist ein beeindruckendes Duett geworden, welches mir tagelang nicht aus dem Kopf ging. Die Stimmen der beiden harmonieren wirklich gut zusammen und der Refrain geht wahnsinnig ins Ohr. Der ganze Song geht gut vorwärts, hat ein paar kleine elektronische Elemente eingebaut und macht Lust auf durchtanzte Nächte.

Pianoklänge und die sanfte Stimme von Scarlet läuten „Love Has No Color But Love“ ein. Hier zeigt sie wirklich alle Möglichkeiten ihrer Stimme und geht in Höhen, die ich ihr gar nicht so zugetraut hätte. Ich war positiv überrascht. Es ist ein eher ruhiger Song, dabei aber kein bisschen langweilig.

Dieser Facettenreichtum zeigt sich auch bei „One Day“. Eine bittersüße Liebeserklärung, die zum Glück nicht schnulzig wirkt. Der Song ist kraftvoll und sanft zugleich. Wirklich sehr zu empfehlen.

Die Textzeile „Hey, big brother…“ hat mich bei „Are You Watching Me?“ doch etwas zum Schmunzeln gebracht. Erinnert es mich doch irgendwie an ein bestimmtes TV-Format. Der Song ist von seiner Machart etwas anders als der Rest des Albums. An manchen Stellen irgendwie tragend, im nächsten Moment wieder fast gesprochen, eine Achterbahn der Gefühle. Wohl fast so, wie wenn man sich ständig beobachtet fühlt.

Zu Tangoklängen kann man sich bei „True Love Is Mad“ wiegen. Zumindest die Strophen erwecken diesen Eindruck. Es ist ein eher langsames Stück, welches im Refrain ordentlich an Fahrt aufnimmt um dann wieder ruhig auszuklingen.

Einen ruhigen aber kraftvollen Ausklang des Albums bildet „Until The Waters Run Dry“. Der Refrain bleibt im Kopf und sorgt dafür, dass man dieses Album nach dem letzten Ton definitiv nicht gleich vergisst.

Scarlet Dorn ist mit ihrem zweiten Werk ein abwechslungsreiches Album, mit einigen potenziellen Ohrwürmern gelungen. Und obwohl ich selbst nicht so großartig begeistert von weiblichen Stimmen bin, finde ich Scarlets doch eher tiefe Stimme sehr angenehm und werde mir dieses Album sicher noch ein paar Mal anhören.

geschrieben von Antje Heine





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German film composer Jan Weber releases new album following his ALS diagnosis.

A new cycle begins for the German film composer Jan Weber who returns with the album “Poems of An Extinct Species” of his project ART NOIR after a decade since the album “Silent Green”.

Diagnosed with the neurodegenerative disease Amyotrophic Lateral Sclerosis (ALS) in 2015, Jan had just begun to lay down the framework for the album, when he was still able to move his fingers. With the loss of voluntary muscle movement slowly progressing, he needed an assistive eye-tracking communication device to complete the recording over the following 5 years. The production, mixing and mastering of the album was later supported by Thomas Navas (Lost in the Void) and Stefan Vesper (Steve Dragon, In Strict Confidence).

The album unfolds a compelling and intellectually stimulating story through Nadine Stelzer’s ethereal voice and thought-provoking lyrics that challenge the confines of our current perceptional reality. Enveloped in an anthropological-ecological mantle, it explores the vulnerability and concomitant wound-inflicting ability of the human species, invoking imagery and imagination of what was, what is, and what may be. Jan Weber, with his indomitable passion for producing and creating worlds, is the epitome of the strength of the human spirit an inspiration to everyone.

In a century where unprecedented technological advancements engendered devices that have become indispensable extensions of our motor and sensory systems, “Poems of an Extinct Species” is an ode to the multidimensional and adaptive human-nature interrelationship through time and space.

The album was released on CD and as download on January 29, 2021 by Aenaos Records.

A stream of the album is available here:


1 Gloomy Sunday 5:26
2 Shadows Of The Past 6:43
3 Moving Sky 4:38
4 Pleasure And Pain 6:46
5 All They Left Behind 5:57
6 Time And Eternity 7:07
7 The Imagined World 6:48
8 The End Of Illusions 5:44
9 Thorns And Lilies 8:59
10 Moving Sky (Wasted Life Remix) 5:59

Review – Art Noir – Poems Of An Extinct Species

Hallo Leute, heute gibts ein weiteres Review hier, diesmal Art Noir, von denen ich bisher noch nichts gehört habe, umso mehr hat mich die Musik gepackt, so viel kann ich schon mal sagen.

Es beginnt mit dem Song „Gloomy Sunday“ und ich fühle mich erinnert an Hollywood Filmmusik, aber auch an den Titelsong der Serie Babylon Berlin. Das mag ich aber alles sehr, also TOP! Eine sehr schöne Frauenstimme die etwas aus der Zeit gefallen zu sein scheint (scheinbar ist der Originalsong auch schon von 1933 bzw. 1950?!). Sehr angenehm ist hier aber auch die (wahrscheinlich neu arrangierte) Musik, alles perfekt aufeinander zugeschnitten.

„Shadow Of The Past“ kommt etwas „anders“ daher, ein Instrumentalstück das auch in Blade Runner hätte gespielt werden können, hier passt der Titel gut zum Bandnamen, ein echter Art Noir Sound. Ein gutes Sci-Fi Buch dazu und entschweben in ferne Welten!

Es fängt düster an, dann beginnt wieder diese tolle Stimme, die jetzt auch was von Doloris O‘Riordan (Cranberrys) hat beim dritten Song „Moving Sky“, er ist etwas ruhiger als der erste Song mit Stimme, aber trotzdem sehr eingängig, wenn man in der richtigen Stimmung ist. Aber auch wenn man eine bestimmte verträumte Stimmung bekommen will.

Beim vierten Song „Pleasure and Pain” muss man nach einen langen Intro am Ball bleiben, auch dieser Instrumentalsong eignet sich perfekt als Hintergrundmusik zum Buch lesen, Yoga machen oder zum nebenbei Spielen, ab der dritten Minute, wenn die Drums einsetzen kommt der Flow, spätestes dann kann man chillig ein paar Monster mehr auf dem Bildschirm erledigen!

Okay, „All They Left Behind” ist der Titel von Lied 5, es geht in voller Fahrt voraus, wir lassen alles zurück, der Song ist was schneller im „feeling“, vielleicht sogar tanzbar (ich bin kein großer Tänzer)?!, mit Stimme und wirklich tollen Sounds, lässt sich sehr gut hören. Hier POPpt der Bär? (das hätte ich weglassen sollen *schäm)

Egal…weiter zu „Time And Eternity” ein weiteres Instrumental Stück, Ambient Art House alla Art Noir, sehr gediegen aber stark und wieder zieht es mich gedanklich in den Weltraum. Warum auch nicht, da bin ich gerne!

Dann kommt „The Imagined World”, Synthie Geräusche die wie interstellare Vogelschwärme klingen und rauschen von Wind in Glasbäumen, dann kommt die tolle Stimme zurück, die Sängerin (Nadja Delajura), schööööön… , nun die Augen schließen und sich auf diese eingebildete Welt einlassen…es wird kalt, noch ist Winter, wer weiß was noch kommt.

Am Ende enden immer die Illusionen, „End of Illusions“ ist Song acht auf diesem Album, Instrumental, Universe Music statt World Music, gut gemacht Jan Weber. Kann man feiern.

Zu „Thorns And Lilies”, die Drums beginnen in diesem tollen Song und führen uns, ja, bereiten uns vor auf eine reine natürliche Welt in der eine weich klingende elfengleiche Stimme uns auf eine Reise durch längst implodierte Welten mitnimmt, einer „Gesamtheit des Lebens“ wie sie mal war.

Zum Schluss kommt ein Remix von „Moving Sky (Wasted Life Remix)“, er ist auch ganz gut, ich mag das Original etwas lieber, hier ist mit zu viel „kratziges“ drin in der Musik, das geht nicht so gut mit der klaren Stimme, aber trotzdem ein perfektes Ende.


Ein tolles Ambient Art Album, das nicht nur zum Träumen einlädt, sondern auch ein paar sehr eingängige, ja fast POP-Songs enthält, wie immer ist das alles Geschmackssache, ich hoffe ich konnte euch anregen Art Noir mal zu probieren und bei gefallen sofort das Album zu kaufen!

Song-Tipps: “Gloomy Sunday”, “Moving Sky”, “All They Left Behind” und von den Instrumental Songs gefällt mir “Pleasure And Pain” am Besten! Danke!

geschrieben von Karsten Zakrzewski





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Solar Fake – New Album „Enjoy Distopia“ CD1+CD2 – VÖ: 12.02.2021 und Video ‚It’s who you are’


– Neue Single & Video ‚It’s who you are‘ veröffentlicht  
– Das neue Solar Fake Album „Enjoy Dystopia“ erscheint am 12. Februar!

Das neue Solar Fake Video ‚It’s who you are’ ist ab sofort hier zu sehen: 

„‘It’s who you are‘ haben wir bereits auf unseren Corona-Sommer-Open Airs gespielt. Die einzelnen ‚Home- Szenen‘ hat jeder separat gedreht, bis auf ein paar Szenen, die wir während der Dreharbeiten zu unserer ersten Single ‚This Pretty Life‘ aufgenommen haben,“ erzählt Sven Friedrich, „und natürlich ist der Clip eine Überspitzung des Bildes, was durch unseren Podcast wahrscheinlich jeder von unserem Privatleben hat. Im Song selbst geht es um unangenehme und schleimige Menschen, die permanent versuchen, ihr Umfeld zu manipulieren.“ 

Drei Jahre nach der Veröffentlichung von „You Win. Who Cares?“ erscheint am 12. Februar endlich das neue Solar Fake Album „Enjoy Dystopia“.

Die Singles streamen oder Solar Fake – „Enjoy Dystopia“ vorbestellen:







Drei Jahre nach dem Silberling „You Win. Who Cares?“ kündigen Solar Fake ein neues Album mit dem Titel „Enjoy Dystopia“ an – ein Album, das den Weg des von Fans geliebten Vorgängers konsequent mehrere Schritte weiter geht.

Das sieht auch Sänger Sven Friedrich so: „Es gibt einige Songs, die näher an „You Win. Who Cares?“ dran sind, andere sind etwas weiter weg. Mit jedem neuen Album schaue ich ein wenig über den Tellerrand und probiere, neue Elemente in die Musik einzubringen, ohne dabei den Solar Fake-Sound zu „verraten.“ Eine Neuerung liegt dem sympathischen Sänger besonders am Herzen: „Es gibt zum ersten mal einen deutschsprachigen Song auf dem Album. Das hatten wir bei Solar Fake noch nie. Ich hatte die Refrain-Zeilen direkt im Kopf, als ich den Song geschrieben habe. Und irgendwie wollte ich das nicht ins Englische übersetzen, das wäre ein Kompromiss gewesen und bei Solar Fake mache ich keine Kompromisse. Nie.“ Starke Worte, aber tatsächlich fügt sich „Es geht dich nichts an“ perfekt auf dem Album ein und zeigt eine bisher unbekannte Facette im Solar Fake Sound. Inhaltlich ist dagegen alles beim Alten, und Solar Fake Fans dürfen sich über in Melodien und Beats gegossene Wut freuen: „Das Album wird von Aggression dominiert, die mal offensichtlicher und mal subtiler ausfällt. Natürlich gibt es auch stillere und traurige Momente. Aber im Groben wird sich derjenige verstanden fühlen, der gerade in der heutigen Zeit nicht weiß, wohin mit seinen Gefühlen, seiner Aggression, seiner Verzweiflung am Menschen, seiner Hilflosigkeit der allgemeinen Dummheit gegenüber.“

„Enjoy Dystopia“ erscheint in verschiedenen Formaten. Als einfache CD, als 2-CD Digipak, als limitierte 2-LP sowie als streng limitierte Box inklusive dem Digipak, der exklusiven Akustik CD „Masked“, Handyhalter, Bandfoto, Geldbeutel und Silikonarmband. Aber das ist noch nicht alles: Drei zufällig ausgewählte Boxen werden ein „Golden Ticket“ enthalten. Mit diesem „Golden Ticket“ kann der Gewinner mit einer Begleitperson einen kompletten Konzerttag mit Solar Fake erleben, von der Ankunft bis zum Abbau, inklusive Catering und Übernachtung nach dem Konzert. Ein ganz besonderer Tag mit einer ganz besonderen Band. Alle Infos:





Schaut euch das Video von Solar Fake – „This Pretty Life“ hier an:

„This Pretty Life“ ist vielleicht nicht der typischste Song von Solar Fake, aber ich weiß auch gar nicht nicht, ob es überhaupt DEN typischen Song von uns gibt“, meint Sänger Sven Friedrich dazu und zeigt damit, dass er auch nach einem Karrierehighlight wie „You Win. Who Cares?“ nicht auf Nummer sicher geht. Und er hat mit beiden Aussagen recht, denn einerseits fügt „This Pretty Life“ dem Sound der Band eine deutlich neue Facette hinzu, andererseits bekommen Fans alles, was sie an der Band kennen und lieben: Ein eingängiger Beat, simple und doch tief gehende Synthie Melodien und die unverkennbare Stimme von Sven, die den Hörer sofort gefangen nimmt. „This Pretty Life“ ist eine handnummerierte Clubsingle inklusive drei Bonus Tracks. Jetzt überall erhältlich als MaxiCD (Limited Edition) sowie digital:






Solar Fake:
Sven Friedrich (vocals)
André Feller (keyboards, bass)
Jens Halbauer (drums)









CD 1:
1. At Least We‘ll Forget
2. I Despise You
3. This Pretty Life
4. Arrive Somewhere
5. Es geht dich nichts an
6. It‘s Who You Are
7. Trying Too Hard
8. Implode
9. Just Leave It
10. Wish Myself Away

CD 2:
1. Join Me In Death
2. Where Is My Mind
3. Es geht dich nichts an (Faelder Remix)
4. Implode (Blutengel Remix)
5. Arrive Somewhere (Solitary Experiments Remix)
6. This Pretty Life (Iris Remix)
7. I Despise You (Massive Ego Remix)
8. Trying Too Hard (Dunkelsucht Remix)
9. At Least We‘ll Forget (Backline Remix by Blood & Tears)
10. It’s who you are (Random Starlight Remix)
11. I despise you (Vintage Remix by NAN)
12. At least we’ll forget (Uplifting Emotional Mix by Anja & Alex)
13. It’s who you are (Ost+Front Remix)
14. Just leave it (Lord of the Lost Version)

1. I despise you (Piano Version)
2. This pretty life (Acoustic Version)
3. Arrive somewhere (Acoustic Version)
4. Implode (
5. Just leave it (Piano Version)
6. It’s who you are (Acoustic Version)
7. Wish myself away (Acoustic Version)

Photo Credit: Melanie Haack

Review – Solar Fake – Enjoy Dystopia

Liebe Freunde der düster-elektronischen Musik und charismatischen Sänger, das Warten hat ein Ende. Am 12. Februar 2021 erscheint, drei Jahre nach „You win. Who cares?“, das sechste Studioalbum von Solar Fake. Die Jungs haben sich nicht lumpen lassen und „Enjoy Dystopia“ in mehrere Varianten verpackt. Das gute Stück ist als simple CD, 2-CD Digipack oder als streng limitierte Fanbox mit 3 CDs und allerlei Leckerlis erhältlich. Auch wer sich seine Musik lieber als Vinyl ins Regal stellt, wurde mit der limitierten 2-LP Version nicht vergessen.

Nun aber zu den inneren Werten des neuen Albums.

Wie der eine oder andere vielleicht verfolgt hat, konnte man sich mit „This pretty life“ und einem wirklich unterhaltsamen Videoclip bereits einen ersten kleinen Eindruck verschaffen. Was mir sofort auffiel: Der Einsatz der elektronischen Klänge wurde etwas reduziert. Die Musik ist deshalb aber nicht weniger mitreißend und es ist immer noch ganz klar Solar Fake. Sven hat sich dieses Mal jedoch anscheinend eher für die klaren Klänge entschieden, was ich auch gerne mag.

Eröffnet wird das Album mit „At least we’ll forget“. Man wird gleich von sehr klaren Synthies begrüßt, bevor Svens Stimme einsetzt. Der Song macht sofort Spaß und lädt zum mit wippen ein. Mit druckvollen und ruhigeren Abschnitten bildet er eine gute Gesamtübersicht über die folgenden Stücke.

I despise you“ dürfte denen, die das Glück hatten eins der Sommer-Open-Airs zu besuchen, bereits bekannt sein. Mich erinnert er am Anfang ein bisschen an „All the things you say“ vom Album „Another Manic Episode“. Automatisch fangen meine Füße an zu zucken. Erstaunlich wie man bei einem Song, der davon handelt, wie sehr man jemanden verachtet, so gute Laune bekommen kann.

Enjoy Dystopia“ überrascht außerdem mit dem ersten deutschen Titel in der Geschichte von Solar Fake. „Es geht dich nichts an“ beginnt direkt aggressiv und erscheint in seinen Aussagen kompromisslos. Der Text ist eher gesprochen als gesungen und zeigt eine völlig neue Facette der Band. Ich musste mich ein bisschen rein hören und bin sehr gespannt auf die Live-Umsetzung.

Ein schneller Beat verpackt die textlich schwere Kost von „It’s who you are“ gut tanzbar. Der Refrain geht ins Ohr und Svens Stimme bleibt im Kopf. Auch zu diesem Song ist ein Video erschienen, das die privaten Eigenschaften von André, Jeans und Sven mit einem Augenzwinkern darstellt. Der geneigte Podcast-Hörer wird hier viele der Dinge wiederfinden, welche die Jungs dort so erzählen.

Ein absoluter Ohrwurm ist „Implode“. Dieses Gefühl, wenn man genug hat, es einem wirklich reicht und man es nicht rauslassen darf oder kann, das kennt wahrscheinlich jeder. Der aggressive Unterton im Song beschreibt es gut, garniert mit dem Lächeln, dass man nach außen zeigt. Die orchestrale Umsetzung auf der Bonus-CD „Masked“ ist auch wirklich der Wahnsinn und sehr zu empfehlen.

Just leave it“ ist eher ein Midtempo Song. Er vermittelt mir das Gefühl einen Brief zu lesen. Als würde jemand aus der Vergangenheit rufen, die Dinge die einen unglücklich machen endlich ruhen zu lassen. Sehr mitreißend und mit einem Hoffnungsschimmer versehen. Auch die Pianoversion von Lord of the Lost hat mich sehr berührt.

Den Ausklang bildet die Ballade „Wish myself away“, sie beginnt sehr ruhig und klar. Die Einsetzende Stimme trägt einen davon und man würde gerne mit Sven mitgehen, wohin auch immer er möchte. Der Song hinterlässt mich, wie so oft, mit einem emotionalen Cliffhanger, der auf baldige Fortsetzung hoffen lässt.

Auf „Enjoy Dystopia“ klingt kein Song wie der andere. Sven hat Solar Fake wieder einmal neu erfunden und ist sich dabei trotzdem treu geblieben. Die zehn neuen Songs bieten alles was das Herz begehrt, von Melancholie und Schwere bis zu Tanzbarkeit und dem Scheiß-auf-alle-anderen-Gefühl ist wirklich alles dabei.

Wer außerdem schon immer wissen wollte, wie HIM im Gewand von Solar Fake klingen würden, der sollte sich die Coverversion von „Join me in death“ keines Falls entgehen lassen. Ich, als langjähriger HIM-Fan war skeptisch, aber es ist wirklich gut geworden.

geschrieben von Antje Heine







Interview – Solar Fake

Am 12.Februar 2021 hat das Warten für die Fans von Solar Fake ein Ende. Drei Jahre nach dem letzten Album folgt nun „Enjoy Dystopia“. Ich habe mich für euch mit Sven Friedrich unterhalten und ihm das ein oder andere Detail zum neuen Werk entlockt.

KainKlang: Hallo Sven! Das verrückte Jahr 2020 ist nun gerade vorüber. Wie hast du die letzten Tage des Jahres verbracht?

Sven: Ich habe Silvester in Spanien verbracht. Da befindet sozusagen mein Zweitwohnsitz und es ist eine total ruhige Ecke. Da wird nie geknallt und es gibt keine Böller und ich war um null Uhr tatsächlich mit dem Hund draußen spazieren. Im Berliner Umland, wo ich ja normalerweise wohne, ist das undenkbar. Ich hatte bis Weihnachten auch extrem viel Stress und da habe ich dann über die ganzen Feiertage auch mal ein bisschen ruhiger gemacht und mich erholt.

KK: Euer neues Album „Enjoy Dystopia“ steht in den Startlöchern. Wie viel Arbeit hast du in den gut 4 Wochen bis es erscheint noch vor dir?

Sven: Die Grafik und die Musik ist schon eine Weile fertig. Ich habe die Website von Solar Fake noch erneuert und sitze jetzt gerade noch am Videoclip für „It’s who you are“, der am 28. Januar erscheint. Da ist immer noch genug zu tun.

KK: Das ist ja nun bei weitem nicht euer erstes Album. Ist die Aufregung kurz vor dem Erscheinen trotzdem noch groß?

Sven: Ach, hör bloß auf. Ich habe da jetzt über ein Jahr so ziemlich jeden Tag dran gearbeitet, also wirklich eine ziemlich lange Zeit, und es ist natürlich sehr spannend wie das dann so ankommt. Ob das außer mir überhaupt noch jemand mag. Ich meine, solange man noch dran arbeitet, denkt man ja, man hat da irgendwie noch was in der Hand, um noch was daran zu machen. Aber wenn es einmal abgegeben ist, dann ist es halt so wie es ist und dann kannst du nur noch abwarten. Das ist schon eine ziemliche Qual für mich. Am besten wäre es, wenn es nach dem Abgeben am nächsten Tag auch einfach rauskommt, aber so funktioniert das ja leider nicht, da müssen halt erst noch CDs gepresst werden. Es ist ja auch wichtig etwas zu machen, das man in der Hand halten kann. Ich glaube unsere Fans stehen da auch drauf, gerade auf die Fanboxen. Es wird außerdem auch eine Vinyl-Version geben. Das hat schon was.

KK: Was hast du selbst für Erwartungen an „Enjoy Dystopia“? Ist eine Platzierung in den Charts für dich wichtig oder bist du da eher entspannt?

Sven: Eigentlich bin ich da ziemlich entspannt. Aber dadurch das unsere letzten beiden Alben auch schon relativ gut in den Charts eingestiegen sind und sogar unser Live-Album „Who Cares? It’s live.“ auf Platz 25 eingestiegen ist, da wäre das natürlich schon nicht ganz blöd. Aber andererseits bedeutet es ja auch nur wie viel Umsatz macht welcher Künstler in dieser Woche des Jahres. Wenn man dann eine der Wochen erwischt, mit sehr vielen Veröffentlichungen, dann rutscht man eben auch mal 10 oder 20 Plätze weiter nach hinten. Und in einer anderen Woche sind dann relativ unbekannte Bands in den Top 5. Also so eine richtige Aussage, darüber wie erfolgreich du als Künstler bist, trifft eine Platzierung am Ende auch nicht. Eigentlich kann es einem also egal sein, aber es ist natürlich trotzdem schön, wenn man da eine tolle Platzierung erreicht hat. Ich würde es mir wünschen, aber ich bin jetzt auch nicht am Boden zerstört, wenn es eine schlechtere Platzierung wird.

Früher hatte das noch eine Wertigkeit was die Konzerte anbelangt, ob man als Künstler gebucht wird oder nicht. Heute achtet da kein Veranstalter mehr drauf. Da wird geschaut wie viele Tickets man verkauft und dann buchen sie dich oder lassen es halt bleiben. Die Chartplatzierung ist dann eher etwas für das Künstler-Ego.

Es bedeutet mir insgesamt auf jeden Fall mehr, wie die Musik bei den Leuten ankommt. Wenn mir die Fans schreiben, was sie mit den Songs verbindet, das finde ich dann schon besser. Oder wenn einfach viele Leute zum Konzert kommen. Das ist dann schon eher ein Spiegel dessen, wie erfolgreich du bist.






KK: Als Chef der Band, wie André und Jeans es so gerne bezeichnen, ist dein Einfluss auf das Album wohl am größten. Welche Musik hast du im Schaffensprozess privat gehört und hat diese Musik das Album vielleicht auch ein Stück weit beeinflusst?

Sven: Da ich ja wirklich alles selbst mache, tendiere ich dazu mich sehr schnell verunsichern zu lassen. Deshalb höre ich in dem ganzen Prozess nicht so unendlich viel Musik. In der technischen Phase, wo man die Songs mischt oder mastert, da höre ich dann schon relativ viel fremde Musik von der ich weiß, dass sie gut klingt. Es kam aber in der letzten Zeit auch nicht viel Musik raus, die meinen Geschmack so hundert prozentig trifft, außer das letzte Album von Iris „Six“, das habe ich viel gehört.

KK: Ist es dir ohne die ganzen Eindrücke, die die Touren sonst so mit sich bringen schwerer gefallen am neuen Album zu arbeiten? Hat es dich in deiner Kreativität beeinträchtigt?

Sven: Nee, eigentlich nicht.

Wir hatten das Glück, dass wir unseren zweiten Teil der Tour zum letzten Album im Januar und Februar noch machen konnten und auch noch einige Konzerte in Spanien spielen konnten. Somit hatten wir Anfang des Jahres ja schon noch so ein bisschen Tour Leben. Dass im Sommer die ganzen Festivals weggefallen sind, war schon sehr schade, das macht mir immer tierisch viel Spaß.

Aber letzten Endes für die Produktion war das an sich gar nicht so schlecht. Ich habe das ganze Album mehr oder weniger in Spanien produziert und wenn ich dann beispielsweise nach Deutschland fahre für ein Konzert, dann kann ich mir immer nur ein bisschen Arbeit mitnehmen. Das heißt auch, dass ich aus dem Arbeitsfluss raus gerissen werde. Ich denke, dass ich dadurch jetzt etwas schneller gewesen bin, sonst wäre das neue Album wahrscheinlich erst im Frühjahr oder Sommer erschienen. Das wäre auch kein Drama gewesen, aber so ging es halt etwas schneller.

KK: Ich durfte schon mal in die neuen Werke hinein hören. Dabei ist mir ein Lied besonders aufgefallen: „Es geht dich nichts an“ hat den ersten deutschen Text in der Geschichte von Solar Fake. Wie kam es zur doch eher ungewöhnlichen Umsetzung mit dem „Sprechgesang“?

Sven: Als ich den Song geschrieben habe, hatte ich diesen Refrain-Teil textlich und gesanglich schon fest im Kopf. Ich hatte dann eine ganze Zeit lang überlegt, wie ich jetzt daraus etwas adäquates in Englisch machen könnte und hab mir dann am Ende gedacht: „Das ist doch Blödsinn. Du hast es ja eigentlich und dann machst du denn Song jetzt halt auf Deutsch, das ist ja nun auch kein Beinbruch.“ Ich habe den Text super schnell geschrieben. Normaler Weise sitze ich da ewig dran, aber der schrieb sich einfach so runter. Nach ein, zwei Tagen war er fertig.

In dem Song geht es ja vorrangig darum, wie Leute auf Menschen mit einer psychischen Beeinträchtigung reagieren. Da kommen dann halt so unreflektierte Leute und sagen beispielsweise zu einem depressiven Menschen, dass er sich mal zusammenreißen soll. Die ganzen Strophen sind ja nur eine Aneinanderreihung von Plattitüden, die einfach ohne viel darüber nachzudenken, den Leuten an den Kopf geworfen werden, die an genau solchen Sachen dann zugrunde gehen. Es passt halt auch nicht dazu, zu diesen Aussagen viel zu singen, deshalb ist es eher gesprochen.

KK: Zu „This pretty life“ habt ihr ein sehr unterhaltsames Video produziert. Warum wird eigentlich immer André umgebracht? Bei „Under Control“ musste er ja auch schon dran glauben.

Sven: (lacht) Er bietet sich halt einfach an. Nee, er ist von uns schauspielerisch am talentiertesten. Wir sind ja nun alle keine Schauspieler und André kann das einfach am besten rüberbringen. Der hat da überhaupt keine Hemmungen. Deshalb bekommt er die schwierigsten Rollen und das ist in dem Fall eben mal wieder zu sterben.

KK: „I despise you“ weckt bei mir Erinnerungen an „I don’t want you in here“ und „All the things you say“. Folgt hier möglicherweise auch ein Video im ähnlichen Stil, so dass es eine Trilogie wird?

Sven: Wir machen auf jeden Fall noch mehr Videos, haben damit aber noch nicht angefangen. Das werden dann auch nicht mehr so super aufwendige Videos. Momentan schränkt der Lockdown die ganze Sache auch extrem ein. Wir haben noch ein paar Ideen, wo wir mal schauen müssen was zu welchem Song am besten passt aber da ist jetzt noch nichts geplant.

Bei „All the things you say“ und „I don’t want you in here“, sollte es eigentlich ein Videoclip werden. Wir haben aber diese Story überhaupt nicht in einen Song gepackt gekriegt und dann haben wir geguckt, wo können wir das unterteilen und welcher Song passt noch zu dem visuellen Stil. Deshalb haben wir das auf die zwei Songs verteilt, da es auch in der Mitte der Story so eine Zäsur gab. So was haben wir jetzt aber erstmal nicht geplant.






KK: Der Song „Implode“ ist bei mir direkt hängen geblieben. Wie ist das bei dir? Implodierst oder explodierst du eher?

Sven: Abwechselnd. Implodieren ist ja so ein Ding, wenn alles so komplett in sich zusammenfällt. Man aber selbst in dem Moment nicht fähig ist das raus zu lassen, weil man es nicht kann oder es einfach gerade nicht geht und irgendwo muss das ja alles hin. Dann geht es halt nach innen und das ist natürlich schlecht. Darum geht es in dem Song und das passiert natürlich auch mir. Ich kann aber auch nach außen, also das geht schon auch. Seit ich vor fast 10 Jahren aufgehört habe mit Rauchen passiert das auch viel häufiger. Gerade in der ersten Zeit war das echt schlimm, auch für meine Umwelt. Jetzt habe ich das aber wieder besser im Griff.

KK: Wish myself away“ ist soweit ich feststellen konnte, die einzige Ballade auf „Enjoy Dystopia“. Gibt es einen Grund dafür?

Sven: Ich habe ja bei Solar Fake meistens nicht so viele Balladen auf den Alben. Das ist meistens so der letzte Song und oft gibt es einen Midtempo Song, in dem Fall „Just leave it“. Mehr ist da eher selten drauf. Ich glaube, ich habe auch so ein bisschen Angst davor so ein Balladen-Musiker zu werden. Viele Musiker werden ja im Alter immer harmloser, immer lieblicher und immer gefälliger und das will ich auf gar keinen Fall. Deswegen lass ich mich nicht so oft dazu hinreißen solche Songs zu schreiben, weil es mir bei anderen so auf den Sack geht. Es gibt aber natürlich auch ganz viele Beispiele wie Project Pitchfork, Suicide Commando oder Combichrist, die werden ja auch im Alter nicht harmloser und das finde ich auch gut so. Das ist dann eher so meine Orientierung.

KK: Unter anderem als Vinyl oder aber in der Fan-Edition mit drei CDs, wo auch Remixe und akustische Aufnahmen dabei sind. Was entsteht bei der Albumproduktion zuerst, der akustische oder der elektronische Teil?

Sven: Ich mach immer zuerst die elektronischen Sachen und davon ausgehend bekommt Dirk Riegner, unser Pianist, dann die Demoversionen. Er schickt sie mir dann quasi auf dem Piano zurück oder manchmal auch schon als arrangiertes Stück. Ich singe dann darauf und dann bekommt es Norman und auch André und Jeans und die spielen dann alle ihr Zeug dazu. Am Ende kommt dieser ganze Wust wieder zu mir zurück. Ich mische es dann zusammen und mache, dass es schön klingt. Das macht richtig viel Spaß, einfach auch weil das schöne und ganz andere Versionen sind, obwohl es immer noch erkennbar die gleichen Songs sind. Aber die Basis für alles sind schon die Elektroversionen.

KK: Hat dich einer der Remixe besonders überrascht oder warst du auf einen besonders gespannt?

Sven: Auf den Remix von Iris bin ich sehr stolz, aber ich habe auch einen Remix für sie gemacht. Das ist immer ein Geben und Nehmen. Das ist eigentlich ganz cool, denn man bezahlt dann halt mit seiner eigenen Arbeit.

Ich finde aber alle Remixe sehr, sehr toll. Da war ich insgesamt wirklich überrascht. Die Remixe von Solitary Experiments, Massive Ego oder Blutengel sind großartig. Von Lord of the Lost diese klassische Version von „Just leave it“ und Faelder mit der Rockvariante von „Es geht dich nichts an“, die sind alle wirklich toll geworden. Die sind alle echt abwechslungsreich und machen Spaß zu hören. Ich bin auch froh, dass da so große Namen mitgemacht haben.

KK: Haben die Künstler für die Remixe freie Hand oder gibst du vor in welche Richtung es gehen soll?

Sven: Nee, die haben da komplett freie Hand. Sie können da machen was sie wollen. Sonst macht das ja auch keinen Sinn. Ich gebe meistens zwei Songs zur Auswahl. Man will ja auch nicht x-mal den gleichen Song in unterschiedlichen Versionen drauf haben, sondern schon möglichst das ganze Album abdecken. Die Songauswahl ist also eigentlich das Einzige, wo ich mich einmische und alles andere ist komplett deren Ding.







KK: Singst du dafür die Songs nochmal neu ein? Der Unterschied zum Original ist ja beispielsweise bei „I despise you“ im Massive Ego Remix doch recht groß.

Sven: Nee, das ist alles der originale Gesang. Da ist nichts neu eingesungen. Ich mische das ja dann auch nicht nochmal. Ich bekomme am Ende eine Audiodatei und das wars.

KK: Ich habe auf den Tracklisten unter anderem „Join me in death“ von HIM als Coverversion von euch gefunden. Warum fiel die Wahl auf diesen HIM Song?

Sven: Ich finde den Song toll und ich hatte mal diese Schnapsidee einen Song von HIM zu covern. Dann habe ich erstmal bei Ville nachgefragt, ob das in Ordnung ist. Er meinte das wäre eine Ehre und da habe ich es mal probiert. Ich habe ihm die Demoversion geschickt und Ville fand die cool und da haben ich mir gedacht, na dann mache ich das doch mal. Ganz einfach also.

KK: Was macht dir persönlich mehr Spaß, die Produktion oder die Live-Auftritte?

Sven: Das Schöne an Solar Fake ist, dass mir alles daran Spaß macht. Ob es nun die Produktion ist, oder die Konzerte, das Videodrehen oder die Grafiken. Aber ich kann mich da halt auch komplett austoben, mir redet da niemand rein. Das ist einfach komplett, hundert prozentig mein Ding.

Bei den Konzerten von Solar Fake ist die Chemie auf der Bühne so stimmig und überträgt sich direkt aufs Publikum, das hatte ich bisher auch mit noch keiner Band. Meistens sind ab dem ersten Song alle am Springen und Tanzen und Jubeln. Das ist schon sehr cool und macht tierischen Spaß, wenn du merkst, dass die Leute von Minute eins an einfach nur Spaß haben. Viel besser geht es ja nicht. Das ist einfach perfekt. Ich hoffe das ist so auch bald wieder möglich, obwohl ich auch unsere Corona-Open Airs echt toll fand. In Hannover war es etwas schwieriger, weil die Leute da nicht aufstehen durften, die haben dann halt im Sitzen getanzt. Das ging auch. Das war vielleicht nicht so cool, aber ich glaube, Spaß hat es ihnen trotzdem gemacht.

KK: Das Abschlusskonzert zu „You win. Who cares?“ in Görlitz wurde ja inzwischen auf den 13.11.2021 verschoben. Wird dieses Konzert überhaupt noch zur alten Tour stattfinden, oder bindet ihr es in die Tour zu „Enjoy Dystopia“ ein?

Sven: Ja, na klar. Das ist ja Quatsch zu einem Album ein Konzert zu geben, dass dann schon nicht mehr das aktuellste ist. Das wird dann einfach ein Konzert in der nächsten Tour.

KK: Habt ihr für 2021 insgesamt eine Tour geplant oder wartet ihr lieber noch bis es wieder wahrscheinlicher ist die Konzerte dann auch wirklich spielen zu können?

Sven: Eigentlich hatten wir sehr viele Konzerte schon geplant. Es sollte im März mit den ersten Konzerten losgehen und wäre bis in den Mai rein gegangen. Das ist ja nun logischer Weise alles schon wieder hinfällig. Jetzt schieben wir gerade alles auf Anfang 2022. Mal schauen, ob es da noch ein paar schöne Daten gibt, die frei sind. Wir müssen mal gucken was im Sommer so geht, ob wir da vielleicht wieder ein paar Open Airs machen können. Ich denke das wird dieses Jahr alles eher spontan ablaufen. Hoffen wir einfach, dass ab Ende des Jahres alles wieder ein bisschen entspannter ist.






KK: Live steht ihr seit der letzten Tour neben den Drums auch gelegentlich mit dem Bass auf der Bühne. Werden in Zukunft noch weitere Instrumente hinzukommen?

Sven: Nein, das reicht. Ich will auch auf gar keinen Fall eine Gitarre auf der Bühne oder so. Wir sind zu Dritt so gut eingespielt und verstehen uns so gut, das ist wirklich perfekt. Es fehlt nichts und ich finde das jetzt gerade absolut genial und so lassen wir das jetzt erstmal. Das heißt jetzt nicht, dass es für immer so bleiben muss, vielleicht stellt man irgendwann fest, dass doch noch jemand viertes auf die Bühne muss, nur momentan würde ich das absolut nicht sehen. Das André ab und zu Bass spielt finde ich cool, weil es eben auch noch mal was anderes ist.

KK: Seit dem Frühjahr 2020 verwöhnt ihr eure Fans regelmäßig mit einem Podcast. Wie kamt ihr auf diese Idee und wie gut kommt der Podcast an?

Sven: Der Podcast kommt sehr gut an und wir haben eine stetig wachsende Hörerschaft. Das war alles so ein bisschen aus der Not heraus geboren. Wir wollten uns nicht jeder in seinem Wohnzimmer vor eine Kamera setzten und auf Akustikgitarre unsere Songs spielen. Wir haben halt überlegt wie man sonst für die Fans da sein kann und was man für sie machen könnte. Dann haben wir uns gedacht, wir probieren das mal. Der erste halbe Versuch kam so gut an, genau wie die nächsten Folgen, dass es sich nun so eingespielt hat, dass der Podcast nun mehr oder weniger wöchentlich stattfindet. Wir haben gestern den 32. Podcast aufgenommen. Ich hätte gar nicht gedacht, dass wir so viel zu sagen haben. Also eigentlich haben wir ja gar nichts zu sagen. Die Gespräche sind irgendwie so, wie wenn wir gemeinsam in den Tourbus steigen und losfahren. Insofern war das, gerade während der ersten Corona-Welle, ein Ersatz für das Tourbus-Gefühl.

KK: Vielen Dank für deine Zeit und bleib gesund!

Sven: Gerne, du auch!

geschrieben von Antje Heine













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Ending SOON – The Palace Of Tears – „Of Ruination“ (goth, ethereal, ebm)

Das ätherische Darkwave-Duo THE PALACE OF TEARS hat sein neues Album Of Ruination vorgestellt . Der Album-Teaser feierte HIER seine exklusive Premiere im ReGen Magazine :

Of Ruination ist sieben Tracks von düsterer Schönheit und jenseitiger Verführung. THE PALACE OF TEARS vereint hypnotische Elektronik, stark geschichtete, verarbeitete Gitarren und schwüle Vocals, die faszinieren und ein ätherisches Amalgam schaffen, das Grenzen überschreitet.

Die einzigartige Alchemie des Duos stützt sich auf so unterschiedliche musikalische Einflüsse wie Post-Punk, Shoegaze, Dark Ambient, Gothic Rock, Electronica und vieles mehr. Der Palast der Tränen kreieren ihre eigene Klanglandschaft voller eindringlicher Schönheit – gespenstisch – evokativ – sinnlich.

Of Ruination ist jetzt überall digital erhältlich, bald folgt eine limitierte CD-Edition.

Leahs Vocals erzeugen eine Ohnmacht traumhafter Liebkosungen im Herzen der menschlichen Psyche, die in jeden Moment Schlaflieder sinnlicher Sehnsucht weben und schichten, während Ericks dichter Wirbel aus gespenstisch geschichteten Gitarren und atmosphärischer Elektronik einen Klangzauber aus akustischem Nebel zaubert, um ihn zu beruhigen der Zuhörer in sein üppiges Ambiente.

Der Zerstörung befasst sich mit Themen wie Liebe, Tod und der Suche nach der Wahrheit in einer Welt voller Trauer und Sehnsucht nach Verbindung. Sieben Spuren von Eskapismus für Romantiker und Suchende, die es wagen, ihre eigenen Geister von innen heraus zu beschwören. Dieses Werk kann dem Hörer als Mittel dienen, um Illusionsthemen zu erkunden. „Masque L’Intrigue“, das dunkle irdische Weibliche; „Dein Leib voller schwarzer Nektar“, der Schmerz und die Verwirrung des Verlustes; „Schatten flüsternder Phantome“, ätherische Körper und seltsame Wesenheiten; „Tränen des Mondes“, Träume verlassen und in harte Realitäten eintreten; „Of Ruination“ und die Unbeständigkeit von Körper und Geist; „Cold Dead Skin“ und die Reise zu einem tieferen Bewusstsein.







„Of Ruination“ – Der Palast der Tränen

1. Terra Ephemera
2. Dein Leib voller schwarzer Nektar
3. Masque L’Intrigue
4. Tränen des Mondes
5. Kalte tote Haut
6. Schatten flüsternder Phantome
7. Der Ruinierung











Leah Darkling
Erick Scheid

Beide Künstler bringen gemeinsam eine Vielzahl unterschiedlicher Erfahrungen in der kreativen Performance-Welt mit Einflüssen aus Theater, Tanz, Zirkus, Oper und Butoh auf den Tisch. Die aus New Orleans stammende Sängerin Leah Darkling bringt eine abwechslungsreiche und strukturierte Herangehensweise an ihren Gesang und ihr Songwriting mit und greift dabei auf ihre vielen Disziplinen in den darstellenden Künsten zurück. Auf einer Reise nach Europa auf der Suche nach weiteren Horizonten lernte sie in Berlin den Multiinstrumentalisten Erick R Scheid kennen.

Ericks 10-jähriges Projekt Mercury’s Antennae, in dem er drei Alben als Gitarrist-Ingenieur-Elektronik produzierte, trat am Schauspielhaus in Leipzig für das Wave-Gotik-Treffen auf. Später im selben Jahr begann eine Vermischung der Gedanken, während gleichzeitig eine Fernbeziehung bestand, und das Duo erstellte schließlich gemeinsam Demos. Mit der Zeit und dem Aufkommen der Chemie und Alchemie einer kreativen Partnerschaft traf Erick die mutige und gewagte Entscheidung, aus den grün schimmernden Wäldern von Portland, Oregon, in die unheimlichen und mysteriösen südlichen Tiefen von New Orleans, Louisiana, zu ziehen, um von vorne zu beginnen die vorherige Haut seines früheren Projekts abwerfen. Hier in New Orleans wurde THE PALACE OF TEARS mit der anschließenden Veröffentlichung ihres Debütalbums Of Ruination verwirklicht. Auf unheimliche Weise überspannt das Album in New Orleans nach der gesamten Karnevalsaison eine Zeit völliger Dekadenz mit Masken, Kostümen, Festlichkeit, Ausschweifung und fantastischem Genuss, um sich schnell in tiefe Isolation, Verzweiflung und Verzweiflung zu verwandeln Einsamkeit durch die Pandemie.

Während die Band noch auf ihre Zeit wartet, um vor einem lebendigen, atmenden Publikum aufzutreten, hat sie es sich zur Aufgabe gemacht, digitale Live-Streaming-Möglichkeiten zu nutzen, um ihre Live-Ästhetik zu demonstrieren und weiterhin die Fackel für darstellende Künste als entscheidende Art des Seins und Ausdrucks zu tragen, insbesondere wenn es gibt kollektive Not. Mit großer Vorfreude ist DER PALAST DER TRÄNEN Bereiten Sie ihre Kreationen auf die nächste Welle von Auftritten vor, während die Branche wieder auftaucht.

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