Gothic/Industrial Artist NIGHT TERROR Announces Their New Full-Length Release, „Freak On Th

Gothic industrial artist NIGHT TERROR has unleashed their new full-length album, Freak On The Inside.

For Fans Of: System Syn, Tragic Impulse & Bauhaus

What separates NIGHT TERROR’s music is its unique mix of gothic-style vocals with industrial sounds. After a year of „in-genre“ albums, NIGHT TERROR’s blend of eerie, soothing vocals and a multi-genre approach closes out the year in musical relief, standing apart from the masses.

„What really went into this album was 1800 hours of love and passion, pain and sorrow, memories of an old life and anger towards those who cannot seem to respect basic human rights.“
– Jeff Heveron

Freak On The Inside is both a musical endeavor I’ve been wanting to do for 33 years and the stories of my life experience and issues I feel strongly about. From the depression, addiction, and love to disgust with male chauvinists and the human virus that plagues this world. Everything I had went into this album, but it is only the beginning.

I’ve learned so much about myself and the music styles during this process. I have no intention of stopping here. I have so much more music to give back to the artists who inspired me for many years.

The album title is based on my medical condition called primary ciliary dyskinesia and dextrocardia. I truly am a freak on the inside.“

*NIGHT TERROR appears courtesy of Tigersqwak Records



Hi, I’m NIGHT TERROR… I am here to share my music and life experience with you. If you are a fan of goth genres you may like my music. If you’ve struggled with mental and physical health, you may connect with my story. I am a man who has lived through adversity, heartbreak, drug addiction & alcoholism, death, poverty and depression… Let’s not forget of course, the torment of NIGHT TERRORS!

I make music that expresses the dark parts of my life. Through my sound and lyrics you can experience he torment I call… Life. Most of my style is goth, synthpop, industrial and electronic. That does not limit my influences that range from classic Jazz like Miles Davis all the way to rap and hip-hop like Immortal Technique. As a DJ (AKA; DJ Night Terror) I spend a lot of time preparing set-lists for goth nights, 80’s
nights, punk shows and metal shows. If you asked what I’ve listened to in the past week, I’d probably say Gary Newman, Tragic Impulse, Screeching Weasel, Skinny Puppy, Sisters Of Mercy, Pop Will Eat Itself, Moris Blak, Empathy Test, VNV Nation, Aesthetic Perfection, 3TEETH, Crude SS, Carnivore, Bauhaus, Conflict, The Cure, ICE-T, Diary Of Dreams, System Syn, Wolcensmen, Lana Del Ray, Hanoi Jane (a punk band I’m in), Ministry, Koffin Kats, Parkway Drive, SIERRA, God Module, and many more.

Having been a bass player for 33 years in mainly punk or metal bands, with the exception of Pleasure Void and art/punk goth band from the 90’s. I spend a lot of time learning about music, taking lessons and practicing. I lost a lot of years to my alcohol and drug addiction (12 years sober as of Feb 2020). I also suffer from a rare condition called PCD, my music helps me to not think about how I’m actually feeling
and focus on something productive and meaningful. This is a decent bit about me but if you have questions, feel free to reach out and ask. If I don’t respond right away it is because I keep very busy.

Review – Night Terror – Freak On The Inside

Hello freaks?… here’s the next review, night terror, okay… then let’s see what this is again! 😉

A boy in front of a keyboard, a bird over it? First I thought this was a punk record, so Exploited or Daily Terror when I saw the cover, but nee, quite something else, electronic music is here!

It starts with a lot of keyboard-wielding drums, then starts the male voice, the first song „Wreck It,“ what should I say, it is not in my heart, but it is good, it will surely find lovers.

Keep watching, „Addiction,“ I got the impression the voice was mixed together too loudly, probably on the whole album, okay, the song’s not so mine!

„Go Now“ did I think?!… it sounds something like your jackets but with not so good music and worse voice? Sounds bad, but just what I thought was bad!

Also I was afraid I can’t say so much good, but this instrumental piece „Maxxed Out“ can be heard by the way, the typical players of any text passages are okay and the music is already suitable.

„Get Out Of This Place“ scratch first in the auditory canal then the music goes off and the voice speaks what, Lost Dreams… anything…, you can listen, but you can only understand little, no yeah effect so far.

Then to „Viral Attack,“ probably a song about the Corona pandemic, it speaks a gloomy voice to a kind of Captain Future Sound, the best song so far on the album, also the vocals come here which sounds better over, even if everything sounds pretty crazy, here it looks great together! TIP

„Beloved“ is the seventh song, apparently the better songs hide behind, also this song is strong, the voice is good, it goes smoothly forward, this time it takes something with me, next tip! 😉

When „Falling Time“ starts with the bright piano style, you think first, now surely a robotic voice will come soon, and fully in the cliché, but still not, the somewhat too loud (human) voice speaks more than it sings, it stumbles again and stumble is always so short before „skip.“ I want a robotic voice! 😉

For the last song „Twenty Twenty,“ let’s look at the weirdness, the scratching, that was already, and bad sounds, and a sound spectacle, okay,…. it fits, nice finish without voice, an outro from out of space, I like!

Conclusion: I have to push it back to the different tastes, for me really not everything was great, but that has nothing to mean, other people will surely like much rather than me, the album is not crap, but also not a golden egg?!

Tip: Viral Attack, Beloves and Twenty Twenty!

written by Karsten Zakrzewski





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Texas Goth-Rock Band IN A DARKENED ROOM Unveils Their New Video: „Final Vows.“

“Final Vows was written about a love lost, and the realization of knowing as things pass and change with time, they sometimes leave a trace of what was. The feeling that time may come  and go, but the strongest emotions we experience leave an imprint on this world, and we sometimes unknowingly search for these remnants again.  The song is about feeling something special, whether it be a person or an idea, and having to say goodbye to those things, and wandering the Earth wondering if you will ever find them again.“

-CJ Duron


CJ Duron- Vocals, Guitars
Svia Svenlava –  Bass, drums
Kandi Keys – Synth, percussion



An introduction to IN A DARKENED ROOM began in the winter of 2020 when (singer/guitarist) CJ Duron, welcomed bass player Svia Svenlava, and synth player Kandi Keys.  The group wanted to work with a decidedly darker sound than their previous music projects.  The subsequent pandemic appearing that spring aided in the atmosphere of dread and uncertainty.  The band quickly
began creating melancholic, gothic anthems that echoed their sentiments of love and loss, veiled with a dream-like sensuality. Warm, lush basslines and cavernous reverb flail the walls while deep croons lull you into sense of weightlessness. The band  is on mission to capture the height of passion, and depths of basic human emotion.  Music that is best experienced and listened to, In a darkened room.





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In 2020 I realized that I should take every chance to do what I love most: MUSIC. Music without rules, music without clichés and without any restrictions. This understanding led me to merge my previous projects (Deied, Melanculia, Hqmr) and continue under a single name: NINO SABLE.

Although my day job has been more busy than ever, I’ve used every opportunity and time to work on new tracks and I’m happy to announce, that I will be publishing a Single, each month, for at least one year.
All singles will be premiered on the last Sunday of the month (e.g. January 31st) at 6 p.m. CET on my own radio show on Terra Relicta Radio.
Immediately afterwards the single will be available on Bandcamp.


On the upcoming releases I mainly worked with Lars Kappeler from Sweet Ermengarde / OBB – he is responsible for a lot of instruments and mixing. I also worked with Diane from La Scaltra – she helped me out with witchy vocals and dark lyrics. In addition, Daniel from Dos Asmund provided me with some uber synthesizers, that you’ll certainly love to hear.

That’s the news, come and listen to Terra Relicta next Sunday, between 6 p.m. and 7 p.m. CET.

Want to know more about the new release?



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SCARLET DORN „Blood Red Bouquet“ VÖ am 29.01.2021

SCARLET DORN melden sich zurück mit ihrem zweiten Album „Blood Red Bouquet“. Im Jahre 2016 als Feature eines LORD OF THE LOST Songs zum ersten Mal in Erscheinung getreten, trat Sängerin Scarlet mit Ihrer Band in den folgenden Monaten und Jahren unvermeidbar immer wieder auf den Spielplan der dunkelbunten Musikszene. Nicht nur durch die Veröffentlichung des Debut-Albums „Lack Of Light“ im Jahre 2018, auch durch unermüdliches Touren, u.a. mit WITHIN TEMPTATION, JOACHIM WITT, LETZTE INSTANZ und eben auch LORD OF THE LOST.

Wie schon auf dem Debut bewegt sich das Zweitwerk des Quintetts auf seinen insgesamt 13 neuen Songs zwischen Darkrock und Pop, mit Einflüssen aus klassischer sowie elektronischer Musik, wobei „Blood Red Bouquet“ in der Summe treibender, härter und noch emotionaler ausfällt.

Eines der Highlights des Albums ist definitiv das Duett „Proud & Strong“ mit Szene-Urgestein Sven Friedrich (SOLAR FAKE, ZERAPHINE, DREADFUL SHADOWS) – eine schönere Verschmelzung aus diesen zwei warmen, bewegenden und unverkennbaren Stimmen hätte man sich nicht aussuchen können. 

Auch „Blood Red Bouquet“ wurde produziert in den legendären Chameleon Studios in Hamburg und während das neue Album den Weg in die Regale, Download- und Streaming-Plattformen findet, befindet sich die Band bereits im Songwriting für den nächsten kreativen Output.

Zunächst aber geht es erst mal auf emotionale Achterbahnfahrt mit „Blood Red Bouquet“, die dazugehörigen Tourdaten für 2021 folgen in Kürze…



Auch „Blood Red Bouquet“ wurde produziert in den legendären Chameleon Studios in Hamburg und während das neue Album den Weg in die Regale, Download- und Streaming-Plattformen findet, befindet sich die Band bereits im Songwriting für den nächsten kreativen Output.

Zunächst aber geht es erst mal auf emotionale Achterbahnfahrt mit „Blood Red Bouquet“, die dazugehörigen Tourdaten für 2021 folgen in Kürze…

Rezension – Scarlet Dorn – „Bloodred Bouquet“

Die Musikwelt ist wieder um ein ordentliches Stück Gothic-Rock reicher, denn am 29.Januar 2021 haben Scarlet Dorn ihr zweites Studioalbum „Bloodred Bouquet“ veröffentlicht. In 13 neuen Songs zeigen sie ihre Bandbreite von ruhigen und schnellen Stücken, lauten und leisen Tönen.

Los geht es mit „Scorched By A Flame So Dark“, und der wundervollen Stimme von Scarlet. Nach der Hälfte der ersten Strophe setzen kraftvolle Gitarren und Bässe ein und machen aus der vermeintlichen Ballade einen schönen Rocksong.

Für „Proud And Strong“ haben sie sich stimmliche Unterstützung von Sven Friedrich (Solar Fake) geholt. Es ist ein beeindruckendes Duett geworden, welches mir tagelang nicht aus dem Kopf ging. Die Stimmen der beiden harmonieren wirklich gut zusammen und der Refrain geht wahnsinnig ins Ohr. Der ganze Song geht gut vorwärts, hat ein paar kleine elektronische Elemente eingebaut und macht Lust auf durchtanzte Nächte.

Pianoklänge und die sanfte Stimme von Scarlet läuten „Love Has No Color But Love“ ein. Hier zeigt sie wirklich alle Möglichkeiten ihrer Stimme und geht in Höhen, die ich ihr gar nicht so zugetraut hätte. Ich war positiv überrascht. Es ist ein eher ruhiger Song, dabei aber kein bisschen langweilig.

Dieser Facettenreichtum zeigt sich auch bei „One Day“. Eine bittersüße Liebeserklärung, die zum Glück nicht schnulzig wirkt. Der Song ist kraftvoll und sanft zugleich. Wirklich sehr zu empfehlen.

Die Textzeile „Hey, big brother…“ hat mich bei „Are You Watching Me?“ doch etwas zum Schmunzeln gebracht. Erinnert es mich doch irgendwie an ein bestimmtes TV-Format. Der Song ist von seiner Machart etwas anders als der Rest des Albums. An manchen Stellen irgendwie tragend, im nächsten Moment wieder fast gesprochen, eine Achterbahn der Gefühle. Wohl fast so, wie wenn man sich ständig beobachtet fühlt.

Zu Tangoklängen kann man sich bei „True Love Is Mad“ wiegen. Zumindest die Strophen erwecken diesen Eindruck. Es ist ein eher langsames Stück, welches im Refrain ordentlich an Fahrt aufnimmt um dann wieder ruhig auszuklingen.

Einen ruhigen aber kraftvollen Ausklang des Albums bildet „Until The Waters Run Dry“. Der Refrain bleibt im Kopf und sorgt dafür, dass man dieses Album nach dem letzten Ton definitiv nicht gleich vergisst.

Scarlet Dorn ist mit ihrem zweiten Werk ein abwechslungsreiches Album, mit einigen potenziellen Ohrwürmern gelungen. Und obwohl ich selbst nicht so großartig begeistert von weiblichen Stimmen bin, finde ich Scarlets doch eher tiefe Stimme sehr angenehm und werde mir dieses Album sicher noch ein paar Mal anhören.

geschrieben von Antje Heine





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German film composer Jan Weber releases new album following his ALS diagnosis.

A new cycle begins for the German film composer Jan Weber who returns with the album “Poems of An Extinct Species” of his project ART NOIR after a decade since the album “Silent Green”.

Diagnosed with the neurodegenerative disease Amyotrophic Lateral Sclerosis (ALS) in 2015, Jan had just begun to lay down the framework for the album, when he was still able to move his fingers. With the loss of voluntary muscle movement slowly progressing, he needed an assistive eye-tracking communication device to complete the recording over the following 5 years. The production, mixing and mastering of the album was later supported by Thomas Navas (Lost in the Void) and Stefan Vesper (Steve Dragon, In Strict Confidence).

The album unfolds a compelling and intellectually stimulating story through Nadine Stelzer’s ethereal voice and thought-provoking lyrics that challenge the confines of our current perceptional reality. Enveloped in an anthropological-ecological mantle, it explores the vulnerability and concomitant wound-inflicting ability of the human species, invoking imagery and imagination of what was, what is, and what may be. Jan Weber, with his indomitable passion for producing and creating worlds, is the epitome of the strength of the human spirit an inspiration to everyone.

In a century where unprecedented technological advancements engendered devices that have become indispensable extensions of our motor and sensory systems, “Poems of an Extinct Species” is an ode to the multidimensional and adaptive human-nature interrelationship through time and space.

The album was released on CD and as download on January 29, 2021 by Aenaos Records.

A stream of the album is available here:


1 Gloomy Sunday 5:26
2 Shadows Of The Past 6:43
3 Moving Sky 4:38
4 Pleasure And Pain 6:46
5 All They Left Behind 5:57
6 Time And Eternity 7:07
7 The Imagined World 6:48
8 The End Of Illusions 5:44
9 Thorns And Lilies 8:59
10 Moving Sky (Wasted Life Remix) 5:59

Review – Art Noir – Poems Of An Extinct Species

Hallo Leute, heute gibts ein weiteres Review hier, diesmal Art Noir, von denen ich bisher noch nichts gehört habe, umso mehr hat mich die Musik gepackt, so viel kann ich schon mal sagen.

Es beginnt mit dem Song „Gloomy Sunday“ und ich fühle mich erinnert an Hollywood Filmmusik, aber auch an den Titelsong der Serie Babylon Berlin. Das mag ich aber alles sehr, also TOP! Eine sehr schöne Frauenstimme die etwas aus der Zeit gefallen zu sein scheint (scheinbar ist der Originalsong auch schon von 1933 bzw. 1950?!). Sehr angenehm ist hier aber auch die (wahrscheinlich neu arrangierte) Musik, alles perfekt aufeinander zugeschnitten.

„Shadow Of The Past“ kommt etwas „anders“ daher, ein Instrumentalstück das auch in Blade Runner hätte gespielt werden können, hier passt der Titel gut zum Bandnamen, ein echter Art Noir Sound. Ein gutes Sci-Fi Buch dazu und entschweben in ferne Welten!

Es fängt düster an, dann beginnt wieder diese tolle Stimme, die jetzt auch was von Doloris O‘Riordan (Cranberrys) hat beim dritten Song „Moving Sky“, er ist etwas ruhiger als der erste Song mit Stimme, aber trotzdem sehr eingängig, wenn man in der richtigen Stimmung ist. Aber auch wenn man eine bestimmte verträumte Stimmung bekommen will.

Beim vierten Song „Pleasure and Pain” muss man nach einen langen Intro am Ball bleiben, auch dieser Instrumentalsong eignet sich perfekt als Hintergrundmusik zum Buch lesen, Yoga machen oder zum nebenbei Spielen, ab der dritten Minute, wenn die Drums einsetzen kommt der Flow, spätestes dann kann man chillig ein paar Monster mehr auf dem Bildschirm erledigen!

Okay, „All They Left Behind” ist der Titel von Lied 5, es geht in voller Fahrt voraus, wir lassen alles zurück, der Song ist was schneller im „feeling“, vielleicht sogar tanzbar (ich bin kein großer Tänzer)?!, mit Stimme und wirklich tollen Sounds, lässt sich sehr gut hören. Hier POPpt der Bär? (das hätte ich weglassen sollen *schäm)

Egal…weiter zu „Time And Eternity” ein weiteres Instrumental Stück, Ambient Art House alla Art Noir, sehr gediegen aber stark und wieder zieht es mich gedanklich in den Weltraum. Warum auch nicht, da bin ich gerne!

Dann kommt „The Imagined World”, Synthie Geräusche die wie interstellare Vogelschwärme klingen und rauschen von Wind in Glasbäumen, dann kommt die tolle Stimme zurück, die Sängerin (Nadja Delajura), schööööön… , nun die Augen schließen und sich auf diese eingebildete Welt einlassen…es wird kalt, noch ist Winter, wer weiß was noch kommt.

Am Ende enden immer die Illusionen, „End of Illusions“ ist Song acht auf diesem Album, Instrumental, Universe Music statt World Music, gut gemacht Jan Weber. Kann man feiern.

Zu „Thorns And Lilies”, die Drums beginnen in diesem tollen Song und führen uns, ja, bereiten uns vor auf eine reine natürliche Welt in der eine weich klingende elfengleiche Stimme uns auf eine Reise durch längst implodierte Welten mitnimmt, einer „Gesamtheit des Lebens“ wie sie mal war.

Zum Schluss kommt ein Remix von „Moving Sky (Wasted Life Remix)“, er ist auch ganz gut, ich mag das Original etwas lieber, hier ist mit zu viel „kratziges“ drin in der Musik, das geht nicht so gut mit der klaren Stimme, aber trotzdem ein perfektes Ende.


Ein tolles Ambient Art Album, das nicht nur zum Träumen einlädt, sondern auch ein paar sehr eingängige, ja fast POP-Songs enthält, wie immer ist das alles Geschmackssache, ich hoffe ich konnte euch anregen Art Noir mal zu probieren und bei gefallen sofort das Album zu kaufen!

Song-Tipps: “Gloomy Sunday”, “Moving Sky”, “All They Left Behind” und von den Instrumental Songs gefällt mir “Pleasure And Pain” am Besten! Danke!

geschrieben von Karsten Zakrzewski





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Solar Fake – New Album „Enjoy Distopia“ CD1+CD2 – VÖ: 12.02.2021 und Video ‚It’s who you are’


– Neue Single & Video ‚It’s who you are‘ veröffentlicht  
– Das neue Solar Fake Album „Enjoy Dystopia“ erscheint am 12. Februar!

Das neue Solar Fake Video ‚It’s who you are’ ist ab sofort hier zu sehen: 

„‘It’s who you are‘ haben wir bereits auf unseren Corona-Sommer-Open Airs gespielt. Die einzelnen ‚Home- Szenen‘ hat jeder separat gedreht, bis auf ein paar Szenen, die wir während der Dreharbeiten zu unserer ersten Single ‚This Pretty Life‘ aufgenommen haben,“ erzählt Sven Friedrich, „und natürlich ist der Clip eine Überspitzung des Bildes, was durch unseren Podcast wahrscheinlich jeder von unserem Privatleben hat. Im Song selbst geht es um unangenehme und schleimige Menschen, die permanent versuchen, ihr Umfeld zu manipulieren.“ 

Drei Jahre nach der Veröffentlichung von „You Win. Who Cares?“ erscheint am 12. Februar endlich das neue Solar Fake Album „Enjoy Dystopia“.

Die Singles streamen oder Solar Fake – „Enjoy Dystopia“ vorbestellen:







Drei Jahre nach dem Silberling „You Win. Who Cares?“ kündigen Solar Fake ein neues Album mit dem Titel „Enjoy Dystopia“ an – ein Album, das den Weg des von Fans geliebten Vorgängers konsequent mehrere Schritte weiter geht.

Das sieht auch Sänger Sven Friedrich so: „Es gibt einige Songs, die näher an „You Win. Who Cares?“ dran sind, andere sind etwas weiter weg. Mit jedem neuen Album schaue ich ein wenig über den Tellerrand und probiere, neue Elemente in die Musik einzubringen, ohne dabei den Solar Fake-Sound zu „verraten.“ Eine Neuerung liegt dem sympathischen Sänger besonders am Herzen: „Es gibt zum ersten mal einen deutschsprachigen Song auf dem Album. Das hatten wir bei Solar Fake noch nie. Ich hatte die Refrain-Zeilen direkt im Kopf, als ich den Song geschrieben habe. Und irgendwie wollte ich das nicht ins Englische übersetzen, das wäre ein Kompromiss gewesen und bei Solar Fake mache ich keine Kompromisse. Nie.“ Starke Worte, aber tatsächlich fügt sich „Es geht dich nichts an“ perfekt auf dem Album ein und zeigt eine bisher unbekannte Facette im Solar Fake Sound. Inhaltlich ist dagegen alles beim Alten, und Solar Fake Fans dürfen sich über in Melodien und Beats gegossene Wut freuen: „Das Album wird von Aggression dominiert, die mal offensichtlicher und mal subtiler ausfällt. Natürlich gibt es auch stillere und traurige Momente. Aber im Groben wird sich derjenige verstanden fühlen, der gerade in der heutigen Zeit nicht weiß, wohin mit seinen Gefühlen, seiner Aggression, seiner Verzweiflung am Menschen, seiner Hilflosigkeit der allgemeinen Dummheit gegenüber.“

„Enjoy Dystopia“ erscheint in verschiedenen Formaten. Als einfache CD, als 2-CD Digipak, als limitierte 2-LP sowie als streng limitierte Box inklusive dem Digipak, der exklusiven Akustik CD „Masked“, Handyhalter, Bandfoto, Geldbeutel und Silikonarmband. Aber das ist noch nicht alles: Drei zufällig ausgewählte Boxen werden ein „Golden Ticket“ enthalten. Mit diesem „Golden Ticket“ kann der Gewinner mit einer Begleitperson einen kompletten Konzerttag mit Solar Fake erleben, von der Ankunft bis zum Abbau, inklusive Catering und Übernachtung nach dem Konzert. Ein ganz besonderer Tag mit einer ganz besonderen Band. Alle Infos:





Schaut euch das Video von Solar Fake – „This Pretty Life“ hier an:

„This Pretty Life“ ist vielleicht nicht der typischste Song von Solar Fake, aber ich weiß auch gar nicht nicht, ob es überhaupt DEN typischen Song von uns gibt“, meint Sänger Sven Friedrich dazu und zeigt damit, dass er auch nach einem Karrierehighlight wie „You Win. Who Cares?“ nicht auf Nummer sicher geht. Und er hat mit beiden Aussagen recht, denn einerseits fügt „This Pretty Life“ dem Sound der Band eine deutlich neue Facette hinzu, andererseits bekommen Fans alles, was sie an der Band kennen und lieben: Ein eingängiger Beat, simple und doch tief gehende Synthie Melodien und die unverkennbare Stimme von Sven, die den Hörer sofort gefangen nimmt. „This Pretty Life“ ist eine handnummerierte Clubsingle inklusive drei Bonus Tracks. Jetzt überall erhältlich als MaxiCD (Limited Edition) sowie digital:






Solar Fake:
Sven Friedrich (vocals)
André Feller (keyboards, bass)
Jens Halbauer (drums)









CD 1:
1. At Least We‘ll Forget
2. I Despise You
3. This Pretty Life
4. Arrive Somewhere
5. Es geht dich nichts an
6. It‘s Who You Are
7. Trying Too Hard
8. Implode
9. Just Leave It
10. Wish Myself Away

CD 2:
1. Join Me In Death
2. Where Is My Mind
3. Es geht dich nichts an (Faelder Remix)
4. Implode (Blutengel Remix)
5. Arrive Somewhere (Solitary Experiments Remix)
6. This Pretty Life (Iris Remix)
7. I Despise You (Massive Ego Remix)
8. Trying Too Hard (Dunkelsucht Remix)
9. At Least We‘ll Forget (Backline Remix by Blood & Tears)
10. It’s who you are (Random Starlight Remix)
11. I despise you (Vintage Remix by NAN)
12. At least we’ll forget (Uplifting Emotional Mix by Anja & Alex)
13. It’s who you are (Ost+Front Remix)
14. Just leave it (Lord of the Lost Version)

1. I despise you (Piano Version)
2. This pretty life (Acoustic Version)
3. Arrive somewhere (Acoustic Version)
4. Implode (
5. Just leave it (Piano Version)
6. It’s who you are (Acoustic Version)
7. Wish myself away (Acoustic Version)

Photo Credit: Melanie Haack

Review – Solar Fake – Enjoy Dystopia

Liebe Freunde der düster-elektronischen Musik und charismatischen Sänger, das Warten hat ein Ende. Am 12. Februar 2021 erscheint, drei Jahre nach „You win. Who cares?“, das sechste Studioalbum von Solar Fake. Die Jungs haben sich nicht lumpen lassen und „Enjoy Dystopia“ in mehrere Varianten verpackt. Das gute Stück ist als simple CD, 2-CD Digipack oder als streng limitierte Fanbox mit 3 CDs und allerlei Leckerlis erhältlich. Auch wer sich seine Musik lieber als Vinyl ins Regal stellt, wurde mit der limitierten 2-LP Version nicht vergessen.

Nun aber zu den inneren Werten des neuen Albums.

Wie der eine oder andere vielleicht verfolgt hat, konnte man sich mit „This pretty life“ und einem wirklich unterhaltsamen Videoclip bereits einen ersten kleinen Eindruck verschaffen. Was mir sofort auffiel: Der Einsatz der elektronischen Klänge wurde etwas reduziert. Die Musik ist deshalb aber nicht weniger mitreißend und es ist immer noch ganz klar Solar Fake. Sven hat sich dieses Mal jedoch anscheinend eher für die klaren Klänge entschieden, was ich auch gerne mag.

Eröffnet wird das Album mit „At least we’ll forget“. Man wird gleich von sehr klaren Synthies begrüßt, bevor Svens Stimme einsetzt. Der Song macht sofort Spaß und lädt zum mit wippen ein. Mit druckvollen und ruhigeren Abschnitten bildet er eine gute Gesamtübersicht über die folgenden Stücke.

I despise you“ dürfte denen, die das Glück hatten eins der Sommer-Open-Airs zu besuchen, bereits bekannt sein. Mich erinnert er am Anfang ein bisschen an „All the things you say“ vom Album „Another Manic Episode“. Automatisch fangen meine Füße an zu zucken. Erstaunlich wie man bei einem Song, der davon handelt, wie sehr man jemanden verachtet, so gute Laune bekommen kann.

Enjoy Dystopia“ überrascht außerdem mit dem ersten deutschen Titel in der Geschichte von Solar Fake. „Es geht dich nichts an“ beginnt direkt aggressiv und erscheint in seinen Aussagen kompromisslos. Der Text ist eher gesprochen als gesungen und zeigt eine völlig neue Facette der Band. Ich musste mich ein bisschen rein hören und bin sehr gespannt auf die Live-Umsetzung.

Ein schneller Beat verpackt die textlich schwere Kost von „It’s who you are“ gut tanzbar. Der Refrain geht ins Ohr und Svens Stimme bleibt im Kopf. Auch zu diesem Song ist ein Video erschienen, das die privaten Eigenschaften von André, Jeans und Sven mit einem Augenzwinkern darstellt. Der geneigte Podcast-Hörer wird hier viele der Dinge wiederfinden, welche die Jungs dort so erzählen.

Ein absoluter Ohrwurm ist „Implode“. Dieses Gefühl, wenn man genug hat, es einem wirklich reicht und man es nicht rauslassen darf oder kann, das kennt wahrscheinlich jeder. Der aggressive Unterton im Song beschreibt es gut, garniert mit dem Lächeln, dass man nach außen zeigt. Die orchestrale Umsetzung auf der Bonus-CD „Masked“ ist auch wirklich der Wahnsinn und sehr zu empfehlen.

Just leave it“ ist eher ein Midtempo Song. Er vermittelt mir das Gefühl einen Brief zu lesen. Als würde jemand aus der Vergangenheit rufen, die Dinge die einen unglücklich machen endlich ruhen zu lassen. Sehr mitreißend und mit einem Hoffnungsschimmer versehen. Auch die Pianoversion von Lord of the Lost hat mich sehr berührt.

Den Ausklang bildet die Ballade „Wish myself away“, sie beginnt sehr ruhig und klar. Die Einsetzende Stimme trägt einen davon und man würde gerne mit Sven mitgehen, wohin auch immer er möchte. Der Song hinterlässt mich, wie so oft, mit einem emotionalen Cliffhanger, der auf baldige Fortsetzung hoffen lässt.

Auf „Enjoy Dystopia“ klingt kein Song wie der andere. Sven hat Solar Fake wieder einmal neu erfunden und ist sich dabei trotzdem treu geblieben. Die zehn neuen Songs bieten alles was das Herz begehrt, von Melancholie und Schwere bis zu Tanzbarkeit und dem Scheiß-auf-alle-anderen-Gefühl ist wirklich alles dabei.

Wer außerdem schon immer wissen wollte, wie HIM im Gewand von Solar Fake klingen würden, der sollte sich die Coverversion von „Join me in death“ keines Falls entgehen lassen. Ich, als langjähriger HIM-Fan war skeptisch, aber es ist wirklich gut geworden.

geschrieben von Antje Heine







Interview – Solar Fake

Am 12.Februar 2021 hat das Warten für die Fans von Solar Fake ein Ende. Drei Jahre nach dem letzten Album folgt nun „Enjoy Dystopia“. Ich habe mich für euch mit Sven Friedrich unterhalten und ihm das ein oder andere Detail zum neuen Werk entlockt.

KainKlang: Hallo Sven! Das verrückte Jahr 2020 ist nun gerade vorüber. Wie hast du die letzten Tage des Jahres verbracht?

Sven: Ich habe Silvester in Spanien verbracht. Da befindet sozusagen mein Zweitwohnsitz und es ist eine total ruhige Ecke. Da wird nie geknallt und es gibt keine Böller und ich war um null Uhr tatsächlich mit dem Hund draußen spazieren. Im Berliner Umland, wo ich ja normalerweise wohne, ist das undenkbar. Ich hatte bis Weihnachten auch extrem viel Stress und da habe ich dann über die ganzen Feiertage auch mal ein bisschen ruhiger gemacht und mich erholt.

KK: Euer neues Album „Enjoy Dystopia“ steht in den Startlöchern. Wie viel Arbeit hast du in den gut 4 Wochen bis es erscheint noch vor dir?

Sven: Die Grafik und die Musik ist schon eine Weile fertig. Ich habe die Website von Solar Fake noch erneuert und sitze jetzt gerade noch am Videoclip für „It’s who you are“, der am 28. Januar erscheint. Da ist immer noch genug zu tun.

KK: Das ist ja nun bei weitem nicht euer erstes Album. Ist die Aufregung kurz vor dem Erscheinen trotzdem noch groß?

Sven: Ach, hör bloß auf. Ich habe da jetzt über ein Jahr so ziemlich jeden Tag dran gearbeitet, also wirklich eine ziemlich lange Zeit, und es ist natürlich sehr spannend wie das dann so ankommt. Ob das außer mir überhaupt noch jemand mag. Ich meine, solange man noch dran arbeitet, denkt man ja, man hat da irgendwie noch was in der Hand, um noch was daran zu machen. Aber wenn es einmal abgegeben ist, dann ist es halt so wie es ist und dann kannst du nur noch abwarten. Das ist schon eine ziemliche Qual für mich. Am besten wäre es, wenn es nach dem Abgeben am nächsten Tag auch einfach rauskommt, aber so funktioniert das ja leider nicht, da müssen halt erst noch CDs gepresst werden. Es ist ja auch wichtig etwas zu machen, das man in der Hand halten kann. Ich glaube unsere Fans stehen da auch drauf, gerade auf die Fanboxen. Es wird außerdem auch eine Vinyl-Version geben. Das hat schon was.

KK: Was hast du selbst für Erwartungen an „Enjoy Dystopia“? Ist eine Platzierung in den Charts für dich wichtig oder bist du da eher entspannt?

Sven: Eigentlich bin ich da ziemlich entspannt. Aber dadurch das unsere letzten beiden Alben auch schon relativ gut in den Charts eingestiegen sind und sogar unser Live-Album „Who Cares? It’s live.“ auf Platz 25 eingestiegen ist, da wäre das natürlich schon nicht ganz blöd. Aber andererseits bedeutet es ja auch nur wie viel Umsatz macht welcher Künstler in dieser Woche des Jahres. Wenn man dann eine der Wochen erwischt, mit sehr vielen Veröffentlichungen, dann rutscht man eben auch mal 10 oder 20 Plätze weiter nach hinten. Und in einer anderen Woche sind dann relativ unbekannte Bands in den Top 5. Also so eine richtige Aussage, darüber wie erfolgreich du als Künstler bist, trifft eine Platzierung am Ende auch nicht. Eigentlich kann es einem also egal sein, aber es ist natürlich trotzdem schön, wenn man da eine tolle Platzierung erreicht hat. Ich würde es mir wünschen, aber ich bin jetzt auch nicht am Boden zerstört, wenn es eine schlechtere Platzierung wird.

Früher hatte das noch eine Wertigkeit was die Konzerte anbelangt, ob man als Künstler gebucht wird oder nicht. Heute achtet da kein Veranstalter mehr drauf. Da wird geschaut wie viele Tickets man verkauft und dann buchen sie dich oder lassen es halt bleiben. Die Chartplatzierung ist dann eher etwas für das Künstler-Ego.

Es bedeutet mir insgesamt auf jeden Fall mehr, wie die Musik bei den Leuten ankommt. Wenn mir die Fans schreiben, was sie mit den Songs verbindet, das finde ich dann schon besser. Oder wenn einfach viele Leute zum Konzert kommen. Das ist dann schon eher ein Spiegel dessen, wie erfolgreich du bist.






KK: Als Chef der Band, wie André und Jeans es so gerne bezeichnen, ist dein Einfluss auf das Album wohl am größten. Welche Musik hast du im Schaffensprozess privat gehört und hat diese Musik das Album vielleicht auch ein Stück weit beeinflusst?

Sven: Da ich ja wirklich alles selbst mache, tendiere ich dazu mich sehr schnell verunsichern zu lassen. Deshalb höre ich in dem ganzen Prozess nicht so unendlich viel Musik. In der technischen Phase, wo man die Songs mischt oder mastert, da höre ich dann schon relativ viel fremde Musik von der ich weiß, dass sie gut klingt. Es kam aber in der letzten Zeit auch nicht viel Musik raus, die meinen Geschmack so hundert prozentig trifft, außer das letzte Album von Iris „Six“, das habe ich viel gehört.

KK: Ist es dir ohne die ganzen Eindrücke, die die Touren sonst so mit sich bringen schwerer gefallen am neuen Album zu arbeiten? Hat es dich in deiner Kreativität beeinträchtigt?

Sven: Nee, eigentlich nicht.

Wir hatten das Glück, dass wir unseren zweiten Teil der Tour zum letzten Album im Januar und Februar noch machen konnten und auch noch einige Konzerte in Spanien spielen konnten. Somit hatten wir Anfang des Jahres ja schon noch so ein bisschen Tour Leben. Dass im Sommer die ganzen Festivals weggefallen sind, war schon sehr schade, das macht mir immer tierisch viel Spaß.

Aber letzten Endes für die Produktion war das an sich gar nicht so schlecht. Ich habe das ganze Album mehr oder weniger in Spanien produziert und wenn ich dann beispielsweise nach Deutschland fahre für ein Konzert, dann kann ich mir immer nur ein bisschen Arbeit mitnehmen. Das heißt auch, dass ich aus dem Arbeitsfluss raus gerissen werde. Ich denke, dass ich dadurch jetzt etwas schneller gewesen bin, sonst wäre das neue Album wahrscheinlich erst im Frühjahr oder Sommer erschienen. Das wäre auch kein Drama gewesen, aber so ging es halt etwas schneller.

KK: Ich durfte schon mal in die neuen Werke hinein hören. Dabei ist mir ein Lied besonders aufgefallen: „Es geht dich nichts an“ hat den ersten deutschen Text in der Geschichte von Solar Fake. Wie kam es zur doch eher ungewöhnlichen Umsetzung mit dem „Sprechgesang“?

Sven: Als ich den Song geschrieben habe, hatte ich diesen Refrain-Teil textlich und gesanglich schon fest im Kopf. Ich hatte dann eine ganze Zeit lang überlegt, wie ich jetzt daraus etwas adäquates in Englisch machen könnte und hab mir dann am Ende gedacht: „Das ist doch Blödsinn. Du hast es ja eigentlich und dann machst du denn Song jetzt halt auf Deutsch, das ist ja nun auch kein Beinbruch.“ Ich habe den Text super schnell geschrieben. Normaler Weise sitze ich da ewig dran, aber der schrieb sich einfach so runter. Nach ein, zwei Tagen war er fertig.

In dem Song geht es ja vorrangig darum, wie Leute auf Menschen mit einer psychischen Beeinträchtigung reagieren. Da kommen dann halt so unreflektierte Leute und sagen beispielsweise zu einem depressiven Menschen, dass er sich mal zusammenreißen soll. Die ganzen Strophen sind ja nur eine Aneinanderreihung von Plattitüden, die einfach ohne viel darüber nachzudenken, den Leuten an den Kopf geworfen werden, die an genau solchen Sachen dann zugrunde gehen. Es passt halt auch nicht dazu, zu diesen Aussagen viel zu singen, deshalb ist es eher gesprochen.

KK: Zu „This pretty life“ habt ihr ein sehr unterhaltsames Video produziert. Warum wird eigentlich immer André umgebracht? Bei „Under Control“ musste er ja auch schon dran glauben.

Sven: (lacht) Er bietet sich halt einfach an. Nee, er ist von uns schauspielerisch am talentiertesten. Wir sind ja nun alle keine Schauspieler und André kann das einfach am besten rüberbringen. Der hat da überhaupt keine Hemmungen. Deshalb bekommt er die schwierigsten Rollen und das ist in dem Fall eben mal wieder zu sterben.

KK: „I despise you“ weckt bei mir Erinnerungen an „I don’t want you in here“ und „All the things you say“. Folgt hier möglicherweise auch ein Video im ähnlichen Stil, so dass es eine Trilogie wird?

Sven: Wir machen auf jeden Fall noch mehr Videos, haben damit aber noch nicht angefangen. Das werden dann auch nicht mehr so super aufwendige Videos. Momentan schränkt der Lockdown die ganze Sache auch extrem ein. Wir haben noch ein paar Ideen, wo wir mal schauen müssen was zu welchem Song am besten passt aber da ist jetzt noch nichts geplant.

Bei „All the things you say“ und „I don’t want you in here“, sollte es eigentlich ein Videoclip werden. Wir haben aber diese Story überhaupt nicht in einen Song gepackt gekriegt und dann haben wir geguckt, wo können wir das unterteilen und welcher Song passt noch zu dem visuellen Stil. Deshalb haben wir das auf die zwei Songs verteilt, da es auch in der Mitte der Story so eine Zäsur gab. So was haben wir jetzt aber erstmal nicht geplant.






KK: Der Song „Implode“ ist bei mir direkt hängen geblieben. Wie ist das bei dir? Implodierst oder explodierst du eher?

Sven: Abwechselnd. Implodieren ist ja so ein Ding, wenn alles so komplett in sich zusammenfällt. Man aber selbst in dem Moment nicht fähig ist das raus zu lassen, weil man es nicht kann oder es einfach gerade nicht geht und irgendwo muss das ja alles hin. Dann geht es halt nach innen und das ist natürlich schlecht. Darum geht es in dem Song und das passiert natürlich auch mir. Ich kann aber auch nach außen, also das geht schon auch. Seit ich vor fast 10 Jahren aufgehört habe mit Rauchen passiert das auch viel häufiger. Gerade in der ersten Zeit war das echt schlimm, auch für meine Umwelt. Jetzt habe ich das aber wieder besser im Griff.

KK: Wish myself away“ ist soweit ich feststellen konnte, die einzige Ballade auf „Enjoy Dystopia“. Gibt es einen Grund dafür?

Sven: Ich habe ja bei Solar Fake meistens nicht so viele Balladen auf den Alben. Das ist meistens so der letzte Song und oft gibt es einen Midtempo Song, in dem Fall „Just leave it“. Mehr ist da eher selten drauf. Ich glaube, ich habe auch so ein bisschen Angst davor so ein Balladen-Musiker zu werden. Viele Musiker werden ja im Alter immer harmloser, immer lieblicher und immer gefälliger und das will ich auf gar keinen Fall. Deswegen lass ich mich nicht so oft dazu hinreißen solche Songs zu schreiben, weil es mir bei anderen so auf den Sack geht. Es gibt aber natürlich auch ganz viele Beispiele wie Project Pitchfork, Suicide Commando oder Combichrist, die werden ja auch im Alter nicht harmloser und das finde ich auch gut so. Das ist dann eher so meine Orientierung.

KK: Unter anderem als Vinyl oder aber in der Fan-Edition mit drei CDs, wo auch Remixe und akustische Aufnahmen dabei sind. Was entsteht bei der Albumproduktion zuerst, der akustische oder der elektronische Teil?

Sven: Ich mach immer zuerst die elektronischen Sachen und davon ausgehend bekommt Dirk Riegner, unser Pianist, dann die Demoversionen. Er schickt sie mir dann quasi auf dem Piano zurück oder manchmal auch schon als arrangiertes Stück. Ich singe dann darauf und dann bekommt es Norman und auch André und Jeans und die spielen dann alle ihr Zeug dazu. Am Ende kommt dieser ganze Wust wieder zu mir zurück. Ich mische es dann zusammen und mache, dass es schön klingt. Das macht richtig viel Spaß, einfach auch weil das schöne und ganz andere Versionen sind, obwohl es immer noch erkennbar die gleichen Songs sind. Aber die Basis für alles sind schon die Elektroversionen.

KK: Hat dich einer der Remixe besonders überrascht oder warst du auf einen besonders gespannt?

Sven: Auf den Remix von Iris bin ich sehr stolz, aber ich habe auch einen Remix für sie gemacht. Das ist immer ein Geben und Nehmen. Das ist eigentlich ganz cool, denn man bezahlt dann halt mit seiner eigenen Arbeit.

Ich finde aber alle Remixe sehr, sehr toll. Da war ich insgesamt wirklich überrascht. Die Remixe von Solitary Experiments, Massive Ego oder Blutengel sind großartig. Von Lord of the Lost diese klassische Version von „Just leave it“ und Faelder mit der Rockvariante von „Es geht dich nichts an“, die sind alle wirklich toll geworden. Die sind alle echt abwechslungsreich und machen Spaß zu hören. Ich bin auch froh, dass da so große Namen mitgemacht haben.

KK: Haben die Künstler für die Remixe freie Hand oder gibst du vor in welche Richtung es gehen soll?

Sven: Nee, die haben da komplett freie Hand. Sie können da machen was sie wollen. Sonst macht das ja auch keinen Sinn. Ich gebe meistens zwei Songs zur Auswahl. Man will ja auch nicht x-mal den gleichen Song in unterschiedlichen Versionen drauf haben, sondern schon möglichst das ganze Album abdecken. Die Songauswahl ist also eigentlich das Einzige, wo ich mich einmische und alles andere ist komplett deren Ding.







KK: Singst du dafür die Songs nochmal neu ein? Der Unterschied zum Original ist ja beispielsweise bei „I despise you“ im Massive Ego Remix doch recht groß.

Sven: Nee, das ist alles der originale Gesang. Da ist nichts neu eingesungen. Ich mische das ja dann auch nicht nochmal. Ich bekomme am Ende eine Audiodatei und das wars.

KK: Ich habe auf den Tracklisten unter anderem „Join me in death“ von HIM als Coverversion von euch gefunden. Warum fiel die Wahl auf diesen HIM Song?

Sven: Ich finde den Song toll und ich hatte mal diese Schnapsidee einen Song von HIM zu covern. Dann habe ich erstmal bei Ville nachgefragt, ob das in Ordnung ist. Er meinte das wäre eine Ehre und da habe ich es mal probiert. Ich habe ihm die Demoversion geschickt und Ville fand die cool und da haben ich mir gedacht, na dann mache ich das doch mal. Ganz einfach also.

KK: Was macht dir persönlich mehr Spaß, die Produktion oder die Live-Auftritte?

Sven: Das Schöne an Solar Fake ist, dass mir alles daran Spaß macht. Ob es nun die Produktion ist, oder die Konzerte, das Videodrehen oder die Grafiken. Aber ich kann mich da halt auch komplett austoben, mir redet da niemand rein. Das ist einfach komplett, hundert prozentig mein Ding.

Bei den Konzerten von Solar Fake ist die Chemie auf der Bühne so stimmig und überträgt sich direkt aufs Publikum, das hatte ich bisher auch mit noch keiner Band. Meistens sind ab dem ersten Song alle am Springen und Tanzen und Jubeln. Das ist schon sehr cool und macht tierischen Spaß, wenn du merkst, dass die Leute von Minute eins an einfach nur Spaß haben. Viel besser geht es ja nicht. Das ist einfach perfekt. Ich hoffe das ist so auch bald wieder möglich, obwohl ich auch unsere Corona-Open Airs echt toll fand. In Hannover war es etwas schwieriger, weil die Leute da nicht aufstehen durften, die haben dann halt im Sitzen getanzt. Das ging auch. Das war vielleicht nicht so cool, aber ich glaube, Spaß hat es ihnen trotzdem gemacht.

KK: Das Abschlusskonzert zu „You win. Who cares?“ in Görlitz wurde ja inzwischen auf den 13.11.2021 verschoben. Wird dieses Konzert überhaupt noch zur alten Tour stattfinden, oder bindet ihr es in die Tour zu „Enjoy Dystopia“ ein?

Sven: Ja, na klar. Das ist ja Quatsch zu einem Album ein Konzert zu geben, dass dann schon nicht mehr das aktuellste ist. Das wird dann einfach ein Konzert in der nächsten Tour.

KK: Habt ihr für 2021 insgesamt eine Tour geplant oder wartet ihr lieber noch bis es wieder wahrscheinlicher ist die Konzerte dann auch wirklich spielen zu können?

Sven: Eigentlich hatten wir sehr viele Konzerte schon geplant. Es sollte im März mit den ersten Konzerten losgehen und wäre bis in den Mai rein gegangen. Das ist ja nun logischer Weise alles schon wieder hinfällig. Jetzt schieben wir gerade alles auf Anfang 2022. Mal schauen, ob es da noch ein paar schöne Daten gibt, die frei sind. Wir müssen mal gucken was im Sommer so geht, ob wir da vielleicht wieder ein paar Open Airs machen können. Ich denke das wird dieses Jahr alles eher spontan ablaufen. Hoffen wir einfach, dass ab Ende des Jahres alles wieder ein bisschen entspannter ist.






KK: Live steht ihr seit der letzten Tour neben den Drums auch gelegentlich mit dem Bass auf der Bühne. Werden in Zukunft noch weitere Instrumente hinzukommen?

Sven: Nein, das reicht. Ich will auch auf gar keinen Fall eine Gitarre auf der Bühne oder so. Wir sind zu Dritt so gut eingespielt und verstehen uns so gut, das ist wirklich perfekt. Es fehlt nichts und ich finde das jetzt gerade absolut genial und so lassen wir das jetzt erstmal. Das heißt jetzt nicht, dass es für immer so bleiben muss, vielleicht stellt man irgendwann fest, dass doch noch jemand viertes auf die Bühne muss, nur momentan würde ich das absolut nicht sehen. Das André ab und zu Bass spielt finde ich cool, weil es eben auch noch mal was anderes ist.

KK: Seit dem Frühjahr 2020 verwöhnt ihr eure Fans regelmäßig mit einem Podcast. Wie kamt ihr auf diese Idee und wie gut kommt der Podcast an?

Sven: Der Podcast kommt sehr gut an und wir haben eine stetig wachsende Hörerschaft. Das war alles so ein bisschen aus der Not heraus geboren. Wir wollten uns nicht jeder in seinem Wohnzimmer vor eine Kamera setzten und auf Akustikgitarre unsere Songs spielen. Wir haben halt überlegt wie man sonst für die Fans da sein kann und was man für sie machen könnte. Dann haben wir uns gedacht, wir probieren das mal. Der erste halbe Versuch kam so gut an, genau wie die nächsten Folgen, dass es sich nun so eingespielt hat, dass der Podcast nun mehr oder weniger wöchentlich stattfindet. Wir haben gestern den 32. Podcast aufgenommen. Ich hätte gar nicht gedacht, dass wir so viel zu sagen haben. Also eigentlich haben wir ja gar nichts zu sagen. Die Gespräche sind irgendwie so, wie wenn wir gemeinsam in den Tourbus steigen und losfahren. Insofern war das, gerade während der ersten Corona-Welle, ein Ersatz für das Tourbus-Gefühl.

KK: Vielen Dank für deine Zeit und bleib gesund!

Sven: Gerne, du auch!

geschrieben von Antje Heine













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Ending SOON – The Palace Of Tears – „Of Ruination“ (goth, ethereal, ebm)

Das ätherische Darkwave-Duo THE PALACE OF TEARS hat sein neues Album Of Ruination vorgestellt . Der Album-Teaser feierte HIER seine exklusive Premiere im ReGen Magazine :

Of Ruination ist sieben Tracks von düsterer Schönheit und jenseitiger Verführung. THE PALACE OF TEARS vereint hypnotische Elektronik, stark geschichtete, verarbeitete Gitarren und schwüle Vocals, die faszinieren und ein ätherisches Amalgam schaffen, das Grenzen überschreitet.

Die einzigartige Alchemie des Duos stützt sich auf so unterschiedliche musikalische Einflüsse wie Post-Punk, Shoegaze, Dark Ambient, Gothic Rock, Electronica und vieles mehr. Der Palast der Tränen kreieren ihre eigene Klanglandschaft voller eindringlicher Schönheit – gespenstisch – evokativ – sinnlich.

Of Ruination ist jetzt überall digital erhältlich, bald folgt eine limitierte CD-Edition.

Leahs Vocals erzeugen eine Ohnmacht traumhafter Liebkosungen im Herzen der menschlichen Psyche, die in jeden Moment Schlaflieder sinnlicher Sehnsucht weben und schichten, während Ericks dichter Wirbel aus gespenstisch geschichteten Gitarren und atmosphärischer Elektronik einen Klangzauber aus akustischem Nebel zaubert, um ihn zu beruhigen der Zuhörer in sein üppiges Ambiente.

Der Zerstörung befasst sich mit Themen wie Liebe, Tod und der Suche nach der Wahrheit in einer Welt voller Trauer und Sehnsucht nach Verbindung. Sieben Spuren von Eskapismus für Romantiker und Suchende, die es wagen, ihre eigenen Geister von innen heraus zu beschwören. Dieses Werk kann dem Hörer als Mittel dienen, um Illusionsthemen zu erkunden. „Masque L’Intrigue“, das dunkle irdische Weibliche; „Dein Leib voller schwarzer Nektar“, der Schmerz und die Verwirrung des Verlustes; „Schatten flüsternder Phantome“, ätherische Körper und seltsame Wesenheiten; „Tränen des Mondes“, Träume verlassen und in harte Realitäten eintreten; „Of Ruination“ und die Unbeständigkeit von Körper und Geist; „Cold Dead Skin“ und die Reise zu einem tieferen Bewusstsein.







„Of Ruination“ – Der Palast der Tränen

1. Terra Ephemera
2. Dein Leib voller schwarzer Nektar
3. Masque L’Intrigue
4. Tränen des Mondes
5. Kalte tote Haut
6. Schatten flüsternder Phantome
7. Der Ruinierung











Leah Darkling
Erick Scheid

Beide Künstler bringen gemeinsam eine Vielzahl unterschiedlicher Erfahrungen in der kreativen Performance-Welt mit Einflüssen aus Theater, Tanz, Zirkus, Oper und Butoh auf den Tisch. Die aus New Orleans stammende Sängerin Leah Darkling bringt eine abwechslungsreiche und strukturierte Herangehensweise an ihren Gesang und ihr Songwriting mit und greift dabei auf ihre vielen Disziplinen in den darstellenden Künsten zurück. Auf einer Reise nach Europa auf der Suche nach weiteren Horizonten lernte sie in Berlin den Multiinstrumentalisten Erick R Scheid kennen.

Ericks 10-jähriges Projekt Mercury’s Antennae, in dem er drei Alben als Gitarrist-Ingenieur-Elektronik produzierte, trat am Schauspielhaus in Leipzig für das Wave-Gotik-Treffen auf. Später im selben Jahr begann eine Vermischung der Gedanken, während gleichzeitig eine Fernbeziehung bestand, und das Duo erstellte schließlich gemeinsam Demos. Mit der Zeit und dem Aufkommen der Chemie und Alchemie einer kreativen Partnerschaft traf Erick die mutige und gewagte Entscheidung, aus den grün schimmernden Wäldern von Portland, Oregon, in die unheimlichen und mysteriösen südlichen Tiefen von New Orleans, Louisiana, zu ziehen, um von vorne zu beginnen die vorherige Haut seines früheren Projekts abwerfen. Hier in New Orleans wurde THE PALACE OF TEARS mit der anschließenden Veröffentlichung ihres Debütalbums Of Ruination verwirklicht. Auf unheimliche Weise überspannt das Album in New Orleans nach der gesamten Karnevalsaison eine Zeit völliger Dekadenz mit Masken, Kostümen, Festlichkeit, Ausschweifung und fantastischem Genuss, um sich schnell in tiefe Isolation, Verzweiflung und Verzweiflung zu verwandeln Einsamkeit durch die Pandemie.

Während die Band noch auf ihre Zeit wartet, um vor einem lebendigen, atmenden Publikum aufzutreten, hat sie es sich zur Aufgabe gemacht, digitale Live-Streaming-Möglichkeiten zu nutzen, um ihre Live-Ästhetik zu demonstrieren und weiterhin die Fackel für darstellende Künste als entscheidende Art des Seins und Ausdrucks zu tragen, insbesondere wenn es gibt kollektive Not. Mit großer Vorfreude ist DER PALAST DER TRÄNEN Bereiten Sie ihre Kreationen auf die nächste Welle von Auftritten vor, während die Branche wieder auftaucht.

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Gothic Singer ELLE NOIR Unveils Her New 5-Tack EP, „Like A Black Doll“

 Following the release of two successful singles & videos, gothic soprano singer, ELLE NOIR has unveiled her highly-anticipated new EP, Like A Black Doll.  

„Like a Black Doll is an EP born last year in the months I lived in London.
During those months, I was often alone, and I had time to rework my life once more. It’s a five-track EP, extremely autobiographical and digging into the dark aspects of my past. My songs are metaphors of images that come back to my memory. They tell my world, a balanced chaos.“ – Elle Noir

About The EP

Like a Black Doll“ is a nightmare with different levels of meaning. At first sight it’s the image of a girl who can’t react to life. Who closes herself in her dark inner world and surrounds herself with things that can’t hurt her. But deep down, it tells about a traumatic situation of my childhood, which I do not talk about and that I have been able to elaborate over the years thanks to music. It is one of the reasons that pushed me to sing, to use my voice and my songs to exorcise my demons.

„The Day I Died“ is the metaphor of emotional death. It tells of a world where nothing has value anymore, which is also an inner world given by mental states like depression. My inner worlds are always autobiographical, my songs are always lived in the first person. Death, mental illness and emotional states of discomfort are central themes in my writing.

„Kill me now“ is an inner dialogue in search of self-awareness. The search for peace is combined with the need to leave certain things behind. Either you accept every side of yourself or it is the metaphorical death of the person. You have to be able to forgive yourself, forgive those who hurt you so that you can move on.

„Welcome to my Hell“ is my welcome to all the people who have tried over the years to get close to me. Those who want to know me in depth should know that my world is full of deep, black holes, often masked by a beautiful smile.

„Sorry“ is a letter of pain.It is the letter that I could never write, and that I will never deliver to the person concerned.But I needed to say what I thought of this person. It is a song that really destroys me.“








Buy/Stream via bandcamp:









„My mantra is „Take the risk and go into the wild“ and I’m sure in my previous life I was a wolf. My passion for the dark world was born when I first saw the Smashing Pumpinks‘ „Ava Adore“ video on MfTV. I was a little girl. My father had just died and I needed a world to leave me in. As a teenager, Marilyn Manson’s „The Dope Show“ bewitched me but it was with Nightwish that I realized that music was my way.

To me singing was screaming and my Opera voice was the salvation. I graduated in Opera singing , in Musicology and in Music Composition, but after Conservatory’s classes I ran off to the rehearsal room with my symphonic metal band. I’m an eclectic singer and performer with a passion for the world of vintage and cabaret that brought me to perform on important London stages with my cabaret shows and in  contemporary and experimental music theatre.

Elle Noir is my truth. It is the union of all my worlds. My songs are my essence.“

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Wer fürchtet sich vorm Schwarz-Hemden-Mann…?“ In Anlehnung an das Kinderspiel vom schwarzen Mann greift Amandas in seiner neuen Single ein heißes und sehr umstrittenes Thema an (Kritik am Welt-Finanz-System und am bevorstehenden Ende des Bargeldes) und featured dabei niemand geringeren als Godex (Ex-Schlagwetter) am Schlagzeug.

Die Single erscheint am 14.01.2021 bei ISHTAR RISING und ist ab dann auf allenDownload- und Streaming-Platformen erhältlich. Video-Release ist am 21.01.2021.

Die „Camisa Negra“ – das schwarze Hemd (die „Schwarzhemden“) – galt den Faschisten
Mussolinis als Symbol und ist bis heute Symbol faschistischer Kleidung. So war auch die
SS ganz bewusst in dieser Farbsprache ausgestattet, so wie die Antifa, ganz bewusst
übrigens auch. In der Abschaffung des Bargeldes, der bevorstehenden Währungsreformen
weltweit, die durch Pandemie-verursachte Staatsbankrotte ausgelöst werden wird, sieht
Amandas ein riesiges Gefahrenpotential für menschliche Freiheit und benennt es ganz
klar als Faschismus.
Unter dem Vorwand von Sicherheit und Bequemlichkeit wird den Menschen ein großes
Stück Anonymität, Freiheit und Selbstbestimmung genommen. Die Freiheit BAR zu zahlen
und dabei keine Spuren zu hinterlassen ist gelebte Freiheit.
Das Argument „wer nichts zu verbergen hat, muss sich auch nicht fürchten“ ist ein
schlechtes. Freiheit ist Freiheit und der Verlust jener hart erkämpften Freiheit darf nicht

Amandas persönliches Statement:
„Anti-Faschismus und Anti-Kapitalismus kann immer nur dann Ernst genommen werden,
wenn er auch die kritisieren darf, die Kapital (Geld) erschaffen und für deren Verteilung in
von Form von Krediten, Derivaten etc. zuständig sind.
Mir ist bewusst, dass ich ob dieser Kritik harten Gegenwind erfahren werde, da Kritik am
Finanz-System nicht erlaubt ist. Ich muss aus Überzeugung aber dennoch bei meiner
Kritik bleiben. Die Bargeldabschaffung wird Faschismus in neuer Form bringen. Das
können aber nur jene verstehen, die sich von der alten Vorstellung des Faschisten in Form
des „judenhassenden Nazi“ befreit haben. Faschismus bedeutet in erster Linie:
Zentralisierte Machtausübung. Top-Down-Government, ohne Mitsprache des Volkes.
Tyrannei. So sind auch alle kommunistischen Diktaturen als faschistisch zu definieren. Es
gibt nur einen Faschismus. Und er bedeutet Unterdrückung.
Gleichzeitig möchte ich GANZ KLAR und AUSDRÜCKLICH darauf hinweisen, dass ich
mich von Antisemitismus in JEDER FORM distanziere. Generalisierte Vorwürfe einer
„jüdischen Hochfinanz“ oder generellen Anschuldigungen „gegen Juden“ weise ich mit
aller Vehemenz zurück. ABER! Wenn Player des Finanz-Systems dennoch Juden sind,
dürfen sie wegen ihrer Religionszugehörigkeit dennoch NICHT sakrosankt und von Kritik
befreit werden. Denn das ist…?
Wer wegen seiner ethischen oder religiösen Zugehörigkeit bevorzugt behandelt wird,
diskriminiert gleichzeitig andere. Das ist abzulehnen.
Weiße haben nicht mehr Rechte, weil sie weiß sind. Und Juden haben sie auch nicht.
Menschen aller Ethnien sind gleichwertig zu behandeln. Im Guten und weniger Guten. Ich
lehne Rassismus und Diskriminierung – sowohl negative als auch positive – in JEDER
Meine Kritik am Finanz-System ist dementsprechend FREI von ethnischen oder religiösen
Bezügen und richtet sich AUSSCHLIESSLICH gegen menschenfeindliche

Amandas … wer ?!
Amandas! Die Nadel!
Unbändige Leidenschaft in der Kehle und den
Teufel in sechs Saiten gebannt. Mit herzbetonten
Lyrics und starken Melodien zum Mitsingen lockt
Amandas aus der Komfortzone. Das ist nicht
Das ist nicht brav. Aber es trifft Dich in der
Seele …
… und tritt Dir in den Arsch.
Seit seinem Debütalbum „Sticht“ 2015 ist viel
Zeit vergangen. Amandas hat eine erstaunliche
Persönlichkeitsveränderung vollzogen. Vom bärtigen „Haudrauf“ zum fast fragilen
Mädchenjungen. Ja. Das hat einen Hintergrund. Amandas ist Transgender. Er
definiert sich selbst als „non-binary“, als beiden oder keinem Geschlecht zugehörig
und möchte das – nach jahrelangem inneren Kampf und enormem Druck und
Ablehnung durch Familie und Gesellschaft – auch nach Außen klar darstellen und
Den Namen Amandas hat er schon 2007 in Anspielung an seine non-binary-Selbst-
Definition bewusst gewählt. Amanda mit S.
Ein Mann und eine Frau, die immer beides sind. Hart und weich, Feuer und
Wasser, sanft und brutal, verspielt und „in your face“.
Ein quadruple Bourbon-Espresso mit roten Haaren … und einem Stück Zucker.


Booking und PR:
Anubis Artist Service
Scharnhorststr. 24
10115 Berlin
Mobil: +49 (0) 176 – 49 77 96 66

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Front Line Assembly – mechanical soul

Front Line Assembly (FLA) is a Canadian electro-industrial band formed by Bill Leeb in 1986 after leaving Skinny Puppy. Influenced by early electronic and (post-)industrial acts such as Cabaret Voltaire, Portion Control, D.A.F., Test Dept, SPK, and Severed Heads,[1] FLA has developed its own unique sound while combining elements of electronic body music (EBM). The band’s membership has rotated through several members over the years, including Rhys Fulber and Michael Balch who are both associated with several other successful artists.






The legendary industrial act Front Line Assembly has always been willing fearlessly push past the boundaries between genres, exploring all manner of styles and influence. The new album, Mechanical Soul, can be seen as a culmination of these artistic endeavors, a masterful work from one of the genre’s greats. Features guest appearances by Front 242’s Jean-Luc DeMeyer and Fear Factory’s Dino Cazeres.








01 Purge
02 Glass and Leather
03 Unknown
04 New World
05 Rubber Tube Gag
06 Stifle
07 Alone
08 Barbarians
09 Komm, stirbt mit mir
10 Time Lapse
11 Havetol (Black Asteroid Remix)

Rezension – mechanical soul

Am 15. Januar 2021 erschien das neue Studioalbum Mechanical Soul der Industrial Urgesteine Front Line Assembly, kurz FLA. Man kann bei der Menge an Scheiben schon mal die Übersicht verlieren, aber ich glaube es müsste das 20. Studioalbum sein. Mit einer Stunde Laufzeit und 10 Titel plus Bonus Remix Track plus Hidden Track bekommt man einiges fürs Geld.

Das erste Durchhören zeigt bereits, dass Profis am Werk sind. Die Songs sind klasse produziert, abgemischt und man lauscht gerne hinter die Bässe, um die Synthie-Effekte zu erlauschen. Zum einen ist die Scheibe klassisch FLA, zum anderen überrascht sie mit ihrer erwachsenen Attitüde. Was ich damit meine? Synthiesound und Stimme sind eindeutig FLA zuzuordnen, aber es mangelt an den Disco-Hit-Krachern. Schlecht finde ich das nicht, ganz im Gegenteil. Man wird beim Hören in die sphärische, düstere, Endzeit-esque, mechanische Seele gezogen und darf dort auch verbleiben. Es gibt zwar Upbeat-Nummern, auf die man hervorragend abzappeln kann, aber ob sie die Disco-Industrials erreichen, ist die Frage.

Für Tanzbeinschwinger ist sicher die ersten beiden Tracks „Purge“ und „Glass and Leather“ gute Anspieltipps. Ich finde beide Titel, mal abgesehen von der Tanzbarkeit, eher schwächere Titel. Es überrascht wenig und sind zu sehr Genre-spezifisch. „Unknown“ lässt den Hörer das erste Mal genauer hinhören. Der Titel hat eine spannende Drum/Base-Line und die Stimme des Sängers wird durch Verzerrungen darin eingebunden. Der Refrain hat Ohrwurmcharakter, auch wenn er klingt als wäre er von Funker Vogt gestohlen.

Die beiden langsameren Songs “New World“ und „Barbarians“ bieten zwar Abwechslung, es fehlt aber an Ecke und Kante. Kaum ist der Song vorbei, hat man ihn auch schon vergessen. Die Midtempo-Nummern „Rubber Tube Gag“ und „Stifle“ quietschen und blubbern zwar schön, aber auch hier fehlen mir die Aha-Momente, die zum erneuten Hinhören beitragen würden.

Und dann kommt “Alone“, mein Lieblingstrack auf der CD. Dieser Titel stielt allen anderen die Show. Besonders ist, dass die Strophe und die Hook wenig beeindrucken, dafür aber der Songaufbau. Der Song beginnt zuerst mit kickendem Bass in der Strophe, mündet im Refrain, um dann in eine düstere Klangwelt abzusacken. Die bedrückende Klangwelt wird mit 80er Synthie-Sound und wilden Synth-Melodiefolgen nach und nach wiederaufgebaut, um sich dann wieder beim Kick-Basepart einzufinden.

Ein Titel in deutscher Sprache ist ebenfalls enthalten. “Komm, stirbt mit mir“ ist nicht nur grammatikalisch falsch, er hört sich auch so an. Ich kenne einen Thriller-Roman, der genauso heißt, nur ohne T eben. In dem Buch geht es um eine Minderjährige, die sich in einen Mann verliebt. Dieser möchte mit ihr zusammen in den Freitod gehen, um die Liebe ewig zu konservieren. Nach der „Trauungszeremonie“ liegt sie allein tot da und die Suche nach dem Täter beginnt. Der Text des Songs erinnert mich daran: „Der Körper ist kalt / Aber nicht sehr alt / Komm sterbe mit mir / Die Liebe ist hier“. Leider kann ich dem Song ansonsten nichts abgewinnen.

Zusammenfassend kann man sagen, dass die Platte einen gewissen düsteren Reiz hat und ein Muss für FLA / Industrialfans ist. Gerade weil wenig Disco-Kracher vorhanden sind, könnte die CD auch auf Interesse bei Hörern anderer Sparten stoßen. Mir persönlich sind zu viele Titel zu vorhersehbar und haben keinen Re-Hear-Factor. Ich vergebe 7 von 10 mechanische Seelchen.

geschrieben von Marc Seidler








Kaufen kann man es hier:




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TourdeForce – Vargtimmar

The starting point of the year 2021 is magnified by the publication of this wonderful album by the Italian solo-act TourdeForce, impersonated by the brilliant and eclectic mastermind Christian Ryder. The new full-length „Vargtimmar“ represents a further advancement in the technological style of the project, which since its distant beginnings has been characterized by a remarkable conceptual intelligence and melodious electronic procedures, introducing now further elements that in some chapters make the musics more aggressive and acidly alienating. The tracklist, consisting of thirteen songs, is a succession of different emotions and extraordinary sonic perceptions, in which we can find the unmistakable, harmonious, melancholic beauty of synthpoppish harmonies, the danceable dynamism of EBM and some romantically neoclassical interludes, occasionally combined with the electric and heavy power of industrial – electro rock guitarism, all in a triumph of energy and incisiveness. Midtempo / downtempo / uptempo drum-programming, sequencers hatches, catchy keyboard symphonies and euphonic vocals, make up the most typically ‚TourdeForcing‘ section of the new album, while the innovative and experimental episodes are played by an incandescent chant and by the abrasive metrics of instrumentality, embellished as always by the explicit and subliminal meanings of the texts. „Vargtimmar“ is yet another evolutionary form of TourdeForce, a multifaceted, immersive and soulful album that perfectly reflects the soul of outsider Christian Ryder, one of the most inspired explorers of Italian alternative electronic scene. This is an unmissable release. You will be fatally attracted to it.  


TOURDEFORCE – Vargtimmar (2021)

01. Le Dernier Des Bellini 04:16
02. A Hero For His Son 04:52
03. For Our Lost Empire 04:04
04. You Ass Rah ‚El 03:47
05. Nemo Propheta In Patria 05:09
06. Nowhere Street 03:51
07. Too Many Words 01:19
08. Ich Vermisse Dich 03:52
09. The Last Song (Quiet) 03:48
10. The Great Replacement 03:52
11. I Am Providence 05:08
12. Hey Julie 04:59
13. The Wandering Vampire 04:18

Tot. 53m19s









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evo-lution / REWORK BEST OF Album

evo-lution haben nach Ihren 22 jähriges Bestehen, endlich ein Best Of Album (REWORK) herausgebracht. Mit viel Power& EBM
lassen sie ihre alten Songs nochmal so richtig aufleben.

REWORK ist ein 14 Track Album mit vielen Facetten der Band. Von Dark Electro bis zu EBM findet Ihr alles. Es geht auch bei
einigen Songs etwas ruhiger zu, was für manche Hörer eine Überraschung sein wird, wenn sie die Songs von evo-lution kennen
und eigentlich harte Klänge erwarten.

MY HEART & SWEETEST GIRL sind die Anfänge des Albums getan und somit auch die 2 unveröffentlichten Songs die in einen
ungewöhnlichen harten Gewand, neu produziert worden sind. SOCIETY OF TODAY ist schon ein Klassiker und war damals mit
der ersten Version auf der unveröffentlichten EP[ TIME] und bekommt jetzt hier die richtige EBM Note. LIES zeigt mal die Dunkle
Seite der Band. THE TERMINATOR ist eine schöner Drum & Bass Sound mit dem typischen Terminator Vocals. Mit FÜR DICH &
MICH lassen evo-lution mal, diesen gefühlvollen Song heraus und zeigen den Hörer das sie auch anders können. Bei dem Song
IM HIMMEL gibt es wieder eine voll auf die 12 geknallt und hauen einen knalligen EBM Song heraus. HERR DER TRÄNEN ist eine
schöne Dark Pop Nummer mit einem tollen Text. Bei HERZSCHLAG wird es sehr kraftvoll, schöne Synthleads laden zum Tanzen
ein. Mit Träume wird es wieder elektronischer mit vielen experimentellen Sounds. EWIGKEIT ist wieder eine schöne Dark Electro
Nummer. Mit JAHRESZEITEN geht es verträumt an schöne Flächige Synthsounds. ERZENGEL zeigt dann wieder das Electro Pop
und EBM auch gut zusammen passen. Mit dem letzten Song GEH! schießen evo-lution wörtlich gesprochen den Vogel ab und
knallen eine mächtige EBM Nummer in den Vordergrund.

REWORK ist ein Album voller Ideen und Raffinessen der Band, viele Analoge Sounds , kraftvoll eingesungen mit harten Beats,
lassen sie ihre alten Songs in einen modernen Gewand neu aufleben.

REWORK erscheint am 20.11.2020, digital über das Label Sonic-X und diversen Digital Shops im Internet. Das Mastering erfolgte
im STAHLKLANG Studio in Herford.

MY HEART 1998 [ unreleased]
SWEETEST GIRL 1998 [unreleased]
SOCIETY OF TODAY 1998 [unreleased]
LIES 2012 [Changing Memories]
THE TERMINATOR 2012 [Changing Memories]
FÜR DICH & MICH 2012 [Changing Memories]
IM HIMMEL 2013 [Changing Memories]
HERR DER TRÄNEN 2014 [Jahreszeiten]
HERZSCHLAG 2014 [Jahreszeiten]
TRÄUME 2015 [Jahreszeiten]
EWIGKEIT 2015 [Jahreszeiten]
JAHRESZEITEN 2015 [Jahreszeiten]
ERZENEGEL 2016 [Looking Forward]
GEH! 2016 [Looking Forward]






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BELOVED ENEMY Back From Another Side -VÖ: 30 January 2021


BELOVED ENEMY veröffentlichen ihre neue EP „Another Side” (30.01.2021) und ein Video zum neuen „Mother“ – Vorbestellungen sind ab heute möglich.

Das Video zur neuen Version von „Virus Undead“ hat am 24.12.2020 um 15.00 Premiere! Schaut es euch HIER an:

Der Teaser zur ersten Single „Mother“ kann bereits hier angeschaut und geteilt werden:

Die EP mit fünf Akustik-Nummer und einem Video erscheint am 30.01.2021 und ist im Vorverkauf über erhältlich. Das Video zu Mother feiert seine Premiere eine Woche früher. 2021 wird ein Jahr mit vielen Erwartungen und vielen Hoffnungen. Und wir dürfen uns alle einer Sache sicher sein: Es wird das Jahr der Rückkehr von Beloved Enemy.

„We are the Virus Undead!“ – FOLLOW:

Noch vor einem Jahr ….

„Auferstanden von den (Un)Toten: Die Band um Gitarrist und Songwriter Peter Pathos und Sänger Andrew James ‚Dead L-Vis‘ wird auf dem Castle Rock 2020 ihr Comeback mit neuen Songs feiern.“

So las sich letztes Jahr noch der Pressetext, mit dem sich Beloved Enemy eigentlich auf dem Castle Rock Festival zurückmelden wollten.Eigentlich wollten Beloved Enemy dort ihr neues und drittes Album vorstellen. Eigentlich war alles schon perfekt vorbereitet und die Band konnte es kaum erwarten, sich endlich wieder auf die Bühnen zu stürzen. Eigentlich … aber dann kam alles anders.

Denn ein Virus warf alles aus der Bahn. Ein Virus, das nicht nur die komplette Festivallandschaft auf die Stunde Null zurückstellte, sondern das auch bleibenden Einfluss auf der ganzen Welt hinterlässt.  Als hätte er es 2008 bereits geahnt, schrieb Peter Pathos den Song „Virus Undead“ für den Soundtrack des gleichnamigen Films des Regieduos Wolf Wolff und Ohmuthi, der ein ähnliches Thema behandelt.

Das Virus mag die Welt und alles, was wir kennen nachhaltig verändert haben. Auch Beloved Enemy haben sich in den sechs Jahre ihrer Abwesenheit verändert – zeigen sich, von einer anderen Seite – bleiben sich aber dennoch treu. Ein Virus mag mutieren – selbst ein „Virus Undead“. Und aus dieser Mutation ging schließlich die Idee hervor, die Band und die Musik von Peter Pathos einmal von einer ganz anderen Seite zu zeigen. Vier alte und ein komplett neuer Song zeigen jetzt „Another Side“ of Beloved Enemy.

In short:
Mit „Enemy Mine“ legen Beloved Enemy 2007 aus dem nichts ein Debüt vor, das sich gewaschen hat. Industrial, Metal, Gothic, Rock, die musikalische Mischung aus der Feder von Peter Pathos ist unvergleichlich und legt ein perfektes Fundament für die einzigartige Stimme von Sänger ‚Dead L-Vis‘. Auftritte auf dem Wave Gotik Treffen, Rock Harz, Wacken Rocks South, Magic Circle Festival oder Castle Rock folgen und 2011 das zweite Album „Behind Enemy Lines“. „Another Side“ zeigt die Band nun von einer akustischen Seite und kündigt 2021 eindrucksvoll das Comeback der Jungs an.

Vocals: Andrew James ‚Dead L-Vis‘

Guitars: Peter Pathos

Drums: Martin ‚Dog‘ Kessler

Guitar: Chai Deveraux

Bass: Eddy

Tracklist EP Another Side“ (VÖ: 30.01.2021)

Die Alone

Virus Undead

The Other Side

Running Man


If you have any questions, contact

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LEFT HAND SOLUTION New Single „First Day Of Winter“ is out now! Album coming up in 2021.

LEFT HAND SOLUTION – Die Kult-Doom-Metal-Band aus Schweden ist wieder da.
LEFT HAND SOLUTION veröffentlichen neue Single „First Day Of Winter“!

Left Hand Solution haben soeben ihre erste Single „First Day Of Winter“ veröffentlicht, und zwar am tatsächlichen ersten Tag des Winters und der Wintersonnenwende am 21. Dezember 2020. Die erste Auskopplung „First Day Of Winter“ stammt aus dem kommenden Album, welchen im Jahr 2021 veröffentlicht werden soll.

Streame den Song von Left Hand Solution „First Day Of Winter“ hier: 

Schlagzeuger und Songwriter Erik Barthold sagt über den Song:

”I remember starting to write the song “First Day Of Winter” as the first snow fell in the year of 2002. Little did I imagine that it would take another 18 years for it to be fully completed! The song was finished this summer in a hot recording studio, but of course, we had to wait until the winter solstice for this release. Sorry, that we’ve kept you waiting, but here it finally is in its full winter dress.”

Was Left Hand Solution immer besonders gemacht hat, war ihre Kombination aus harten Riffs, düsteren Melodien und Mariana Frykmans dunkler und wundervoller Stimme. Als eine der frühen Metal-Bands mit einer Sängerin wurde ihr Einfluss weitgehend übersehen, während ihre eingeschworene Fangemeinde in letzter Zeit ziemlich stark gewachsen ist.

Und jetzt ist es Zeit für ein neues Album und eine neue Entwicklung für die Band. Das neue Album „Dead of Winter“ wird voraussichtlich am 16. April 2021 veröffentlicht.


Left Hand Solution wurde 1991 gegründet, veröffentlichten drei Alben und tourten mehr als 10 Jahre lang durch Europa, die USA und Kanada und beeindruckten ihre Followers mit ihrem einzigartigen Doom Metal. Dann verschwand die Band einfach. Bis 2019, als sie ganz plötzlich das im Geheimen aufgenommene Album „Through The Mourning Woods“ veröffentlichten. Eine weiterentwickelte Version des süßen Alptraums von Left Hand Solution, der die Klänge aus ihren frühen Doom-Zeiten und die Goth-Elemente aus ihren späteren Tagen miteinander vereinte und alles in einen neuen Kontext brachte. Die Band wurde in den letzten Jahren mehrmals für sehr erfolgreiche lokale Gigs wiederbelebt, aber erst als Erik und der ursprüngliche Gitarrist Joakim Nachbarn wurden, begannen die Dinge sich wirklich zu entwickeln. Plötzlich fanden sie sich in Erik’s Keller wieder, um Songs zu schreiben, und bald schlossen sich Peter und Mariana mit Freude an.

Line Up
Mariana Frykman – Vocals
Joakim Mårdstam – Guitar
Peter Selin – Bass
Erik Barthold – Drums & Backing Vocals

(Photos from LHS Archives)

Press Contact:
Iris Bernotat, Ph. +49 172-7636651,
Please send magazines to:
FOCUSION Promotion & Marketing, Postfach 31, 73062 Uhingen (Germany).
and links via e-mail or social media channels * instagram, twitter, Xing, LinkedIn @IrisBernotat. Thank you / Vielen Dank.

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DIVE – New Video & Album “Where do we go from here?” is out now!

DIVE – Neues Album “Where do we go from here?” ist ab jetzt erhältlich!

Am 11.12.2020 erschien das mit Spannung erwartete neue Album des belgischen Elektronik-Pioniers Dirk Ivens und seinem Kultprojekt DIVE, „Where Do We Go From Here?“. Zwischen dröhnendem Noise und stampfendem Industrial hat sich Dirk Ivens mit DIVE seinen eigenen, unverwechselbaren Stil erschaffen. Und mit „Where Do We Go From Here?“ hat er sein Meisterwerk abgeliefert – ein Album, das den Sound und den Spirit der Klassiker in die Gegenwart transferiert. Das Album „Where Do We Go From Here?“ ist ein weiteres Meisterwerk minimalistisch-dunkler Electro-Tonkunst, welches ab jetzt überall erhältlich ist.

Hier das neue DIVE Video ‚Inside Your Head‘ anschauen:

Auf „Where Do You Go From Here?“ beschreitet Dirk neue Wege, um seinen Sound zu veredeln: „Ich habe mich für dieses Album mit Jan Dewulf von Your Life On Hold und Diskonnekted zusammengetan“, sagt der bescheidene Mainman, „und neue Zusammenarbeiten führen zu neuen Sounds.“ Dennoch transportiert „Where Do We Go From Here?“ über weite Strecken den Sound früher DIVE und The Klinik Tage, angereichert mit den Stärken einer modernen Produktion. Die Beats sind noch brutaler, die Klangteppiche noch finsterer, der Gesang noch eindringlicher.

„Die Welt, in der wir leben, wird nie wieder dieselbe sein“, kommentiert Ivens die offensichtlichen Einflüsse auf das Album. „Aber selbst, wenn es hoffnungslos aussieht, versuchen wir, eine positive Einstellung zu behalten.“ 

So ist „Where Do We Go From Here?“ zwar wie üblich ein düsterer Brocken Musik, bringt den Hörern aber auch einen Funken Hoffnung. „Where Do We Go From Here?“ erscheint als einfache CD sowie als auf 500 Einheiten limitierte Holzbox mit der Vinylversion, der CD Version sowie einer exklusiven Vinyl EP.


1 Inside Your Head
2 Black Star
3 Slave To Desire
4 Leave Me Be
5 Facing The Moon
6 Dark Place
7 Death Machine
8 Invisible
9 Where Do We Go From Here

A1 Inside Your Head
A2 Black Star
A3 Slave To Desire
A4 Leave Me Be
A5 Facing The Moon
B1 Dark Place
B2 Death Machine
B3 Invisible
B4 Where Do We Go From Here

A1 Inside Your Head (EP Version)
A2 Death Machine (Numb Remix)
B1 Black Star (EP Version)
B2 Leave Me Be (Suicide Commando Remix)




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Scarlet Soho Best Of Album – Free Radio/Blog Download


Out 16/11/20
Scentair Recs (RU)
(Limited Edition Remastered Double CD/Digital)

Scarlet Soho are back with this powerful 31 track Best Of & Rarities double album, celebrating 20 years of music making.
Featuring an 8 page colour booklet, including previously unseen band photos from the archives. A must for any synthpop collector!
CD 1 showcases the band’s better known tracks from all 3 studio albums (Divisions Of Decency, Warpaint, and In Cold Blood) as well as previously unreleased versions of Into The Night, and Children Of The Sun, whilst CD 2 explores early demo versions, B-sides, and remixes from the likes of !distain, James Yuill, Trouble Over Tokyo (Sohn) and Teenage Mutants.

Modern Radio
Skin Trade
Programmed To Perfection
I Dare
Analogue Dialogue (Kill The Beat)
Speak Your Mind
Is Growing Up The Best That We Can Do?
Lights Out London
In Cold Blood
When The Lights Go Out
What You Need
Solo KO
Into The Night ft Isgaard & Loic Rathscheck
Children Of The Sun ft Loic Rathscheck

No Encore (Digimix)
Pseudo Sushi
Useless Information
Daylight (Demo)
Wire Me Up (Demo)
Retail Therapy
Is Growing Up The Best That We Can Do? (DJ Barletta
When The Lights Go Out – (Tokytron Remix)
Gigolo (!distain Remix)
Solo KO (Teenage Mutants Remix)
Two Steps From Heartache (James Yuill Remix)
Solo KO (Candide Remix)
In Cold Blood (!distain Remix)

Pre order signed copies Immediately from Bandcamp


It may not be such an unusual sight now, with many acts happily straddling the worlds of pop and indie, but when I first met Scarlet Soho, no one else was doing what they were doing. At a time when going to a gig always meant watching three near identical guitar bands, Scarlet Soho shunned that tired idea of what a band should be, got in a van with some synths and a drum machine and played pop music to those same audiences.

It’s hard to describe now the range of responses they received. There was a time when you could guarantee that at least one person in the audience every night would shout, “Where’s your drummer?” Like the band hadn’t noticed they were a man down. It didn’t matter that Scarlet’s fuzzed-up bass lines provided sharp grooves to counter those clinical drums, or that James‘ warm, souring vocals shot over expansive guitars. Or even that the songs these parts went together to make up were always smarter, catchier and simply better than any of the tired sounds their contemporaries were making. Some people just weren’t ready for the step forward Scarlet Soho were making.

But plenty were, and the band built up a solid network of fans around the country, desperate for something different.

Influenced as much by Faith No More as they are by The Human League and Depeche ModeScarlet Soho have always known how to mash genres to create perfect pop. And, like those bands, they stamp their own clear sound and personality on everything they do.

The band released their debut album, Divisions Of Decency, through UK indie label Human Recordings in 2004, bringing them to the attention of bands including Razorlight, Delays and IAMX, all of whom personally requested for Scarlet Soho to join them on tours. The dates took them around the UK and Europe, with gigs supporting IAMX at a sold out show at London’s legendary Scala venue, and headlining the very first MySpace Live event in Berlin.

In 2008, they signed to Hamburg-based label Major Records, home to IAMX and Ladytron, who released the second Scarlet Soho album, Warpaint, in 2009. A clear progression from their debut, the band were more comfortable and confident in their sound and their songwriting, evident in tracks such as Analogue Dialogue (Kill The Beat) and the epic This Nausea.

Further time on the road ensued, with their own headline European tour followed by UK dates with 80s legends A Flock Of Seagulls, and a Europe-wide outing with Zoot Woman.
A third album was now on the cards, and two limited edition EPs – When The Lights Go Out and Solo KO – saw the band return to Europe with Kosheen and O Children, plus make their first appearance at WGT Leipzig in 2013.

In 2015 the band released their last studio album In Cold Blood. Thought of by many as their best work to date, this album included the singles When The Lights Go Out, Solo KO, and Two Steps From Heartache and was produced by the band themselves, with the mixing undertaken by Graham Laybourne and James Yuill.

Andy Malt (CMU Daily)


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Massiv in Mensch feat. Rana Arborea– Gestrandet – (Katyusha Records) – VÖ: 30.10.2020

Am 30.10.2020 erscheint die neue Single „Gestrandet“ von „Massiv in Mensch“ und Rana Arborea. Die musikalische Robinsonade steht in der Tradition von Songs wie „Sturm“ und „The Way to Oblivion“. So verbinden die Friesen hier gekonnt Minimal-, Electro-, Pop- und Rockelemente miteinander und unterstreichen klanglich die dramatische Geschichte eines gestrandeten Mannes auf einer einsamen Insel.


Die Single, die durch das schwedische Label Katyusha Records veröffentlicht wird, beinhaltet gleich fünf Bonustracks. Unter diesen findet sich auch ein sehr originelles Cover des 70er-Jahre Schlagers „Das Lied von Manuel“.




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Dissonance/Cat Hall „Ephemeral“ EP

 Darkwave/electronic artist DISSONANCE has announced the release of the new single and visualizer clip, „Ephemeral.“   The visualizer made its premiere on ReGen Magazine on Wednesday, September 30 HERE:

Cover artwork by Cat Hall
Cat Hall – lyrics and vocals
Justin Burning- music

Story of Ephemeral

It was 2013-  my bright, funny, enormously articulate, darling father, a professor of Geography, Anthropology, and Folklore at LSUS, was having balance issues and had been falling-  one of the falls resulted in a brain bleed that went undiagnosed for several months.   It resulted in a massive subdural hematoma that required surgery.  There were complications- additional surgeries, strokes, depression, and aphasia.   He was in the hospital for 42 days.   When he came home he was not the same man.  Despite physical, occupational, and speech therapy, Dad went into a slow decline and passed away in late September of 2017.  My mother suffered enormously under the strain that caregivers do, despite in-home help.  She had been a Computer Science and Mathematics professor at LSUS with my father since the university had opened in Shreveport, where I was born and grew up.   She had developed a weak heart, due to the prolonged stress, and could no longer stay home alone.  She came to live with me in November of 2017.   Despite my efforts to involve her in activities and to introduce her to new things, her depression after Dad’s passing was evident.  In early November of 2018, she became ill.  She was hospitalized with a respiratory infection, which quickly turned to pneumonia.  She was put on a ventilator, but was never able to recover.  We removed her life support on December 29, 2018.  So much grief over such an extended time for me.   Watching two people I adore suffer, fade, and die was crushing for me.  I wrote this song for my parents, John and Carol Hall..

Many of us have experienced loss and grief.   There is nothing for the pain except to feel it.  We are more fragile and fleeting than we realize.  We are ephemeral, as are the flowers of summer-  here for a season and gone.


Cat Hall / DISSONANCE Bio:

DISSONANCE began in the early 90’s as part of the Texas synthpop scene, playing live at Dallas venues such as the Lizard Lounge, Curtain Club, Galaxy Club, Trees, and Arcadia.   Cat’s vocals have been described by several as a “siren song,” “compelling,” and  “angelic,” layering several harmonies and textures in a unique manner.  DISSONANCE caught the ear of Paul Robb (INFORMATION SOCIETY) who was forming his label Hakatak International, and was signed in 1996.  Her first self-titled release, Dissonance, produced by Robb, came out in 1997.

The style was edgy electronica/darkwave with Cat’s distinctively layered vocals.  1998 saw Cat working with Paul Robb on a more aggressive solo project Cat Hall – Come To Mama, also available on Hakatak. The second release from DISSONANCE came in 2000 with Reincarnate– on Nilaihah Records.

After this, the band focused on individual pursuits until 2015 when Cat revived DISSONANCE and began work on new material.  Void, a much darker, more atmospheric album, was released on Hakatak in 2017.

More recent releases include: Sycamores, a darkwave/atmospheric maxi single, with mixes by Paul Robb, Federico Balducci, and Jack Alberson.  This was released on the Hakatak label in 2018.

Ascent, an energetic darkwave record produced and co-written by Jim Marcus (DIE WARZAUGoFIGHT) and featuring Kurt Larson (INFORMATION SOCIETY) was released on Hakatak in 2019. Remix maxi-singles of „Poison Kiss“ and „Starstuff“ followed the Ascent release on Hakatak in 2019, featuring mixes by Erie Loch, Ian Staer, Brian Graupner, Danny Saber, and Jim Marcus.

Thus far in 2020, Cat collaborated with Bug Gigabyte of SINTHETIK MESSIAH on his Split Damage release, providing lyrics and vocals for “Languish.”

As of September, 2020, Cat Hall / DISSONANCE has released three new maxi-singles for DISSONANCEPrecipiceTrials, and Ephemeral.  These include remixes by JOE HAZESINTHETIK MESSIAHDIVERJE and more.






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Elektronischer / alternativer Künstler CARVR entfesselt Debüt Single & Visualizer, „Erase Me“

Cristian Carver ( BELLA MORTE , PANIC LIFT , MAN1K1N ) veröffentlicht offiziell seine Debütsingle und den dazugehörigen Visualizer für den Song „Erase Me“. Die Single und der Visualizer wurden HIER im ReGen Magazine uraufgeführt :

„Erase Me“ enthält den ätherischen und ruckelnden Gesang von Goo Munday aus Sydney, Australien (Negative Gain Productions.) Und wurde am 10. Oktober 2020 unabhängig auf allen Streaming-Plattformen veröffentlicht.

“Der Song war inspiriert von der Art und Weise, wie Partner mit dem Ende von Beziehungen fertig werden. Sie haben sich so verhalten, als ob ihr Gegenüber noch nie da gewesen wäre, und ihre Trauer öffentlich mit Glück maskiert. “ – Cristian Carver

CARVR ist das dunkle Synth-Pop-Solo-Projekt von Cristian Carver. CARVR verbindet melancholische, aber energiegeladene Synthesizer mit einem Hauch von industriellem, hart schlagendem Schlagzeug, um stets die gegensätzlichen Elemente von bunten Keyboards und schwerem Tanz zu überbrücken, der Basslinien hervorruft.





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DISMAL – Quinta Essentia

6th Album from the Italian Dark Gothic Masters DISMAL, celebrating 25th years of
Activity. “Quinta Essentia” is another Masterpiece of Classical symphonic music mixed with doom metal, darkwave, neofolk, waltz and… tango!
„Quinta Essentia“ is a the new gothic musical fairy tale of DISMAL – The Waltz Of Mind artistic project.


1 Gold Leviathan Part I, II

2 Turin Black Light Act I, II, III

3 Alma Mater (Alchimia Della

4 Mind & Randomness

5 Hermes The Thrice-Greatest

6 Beyond The Matter

7 The Big Bang Is My Light

8 Pale Blue Dot

9 Leviathan of Gold Part III

Review – german Version –

Dismal aus Italien gibt es mittlerweile 25 Jahre und dies muss mit einer neuen CD gefeiert werden. Sie schicken diese mit dem Titel Quinta Essentia in den Äther – laut Aristoteles das fünfte Element der Alchimie. Optisch gefällt mir das Cover sehr gut. Ein Wanderer läuft auf ein golden leuchtendes Tor zu, das geschmückt ist mit Statuen aus verschiedenen Epochen. Es gibt Speere und Lovecraftsche Tentakel. Hinter dem Tor ist eine radiale Maßeinheit zu sehen, vielleicht eine Anlehnung an den Tierkreis?

Sofort beim ersten Durchhören wird klar, dass man es hier nicht mit Garagenmusikern zu tun hat. Die klassisch ausgebildeten Bandmitglieder vermischen Metalelemente mit Rhythmen, Kompositionen und Stilelementen der Klassik. Das ergibt eine Mischung, die schwerlich einer Musikrichtung zuzuordnen ist und auch eine gewisse Zeit braucht um ins Ohr zu gehen. Am ehesten würde ich es in die Neoklassik einordnen mit Einflüssen aus dem Symphonic-/Doom-Metal. Einen Vergleich zu anderen Bands fällt mir nicht ein, denn das was ich höre ist sehr speziell. Die Musik hat einen Hang sich kompliziert und verworren anzuhören, was bei Klassikhörern aber sicher nicht so ins Gewicht fällt wie bei True-Metallern. Insgesamt ist die CD fantastisch produziert, alles sauber abgestimmt und die klassischen Instrumente perfekt eingebunden.

Es ist schwierig einzelne Lieder auszudeuten, aber ich kann sie in zwei Kategorien einordnen. Kurze Erklärung zu meiner Entscheidung: Ob es nun Musicals oder Disney-Filme sind. Es rollen sich mir die Fußnägel nach oben, wenn auf Deutsch übersetzt gesungen wird. Bis dato hat es niemand geschafft das Gefühl des Originals nachzuempfinden. Oder an alle Metaller: Hört Euch die englische Version von Rammstein „Du hast“ an und Ihr wisst was ich meine. Ähnlich geht es mir bei dieser Scheibe. Teils sind die Lieder in Englisch, teils in Italienisch gesungen. Da alle Songs einen gewissen Touch von Klassik und Operngesang haben, klingt Italienisch dazu echt und Englisch eher nicht so. Daher gefallen mir persönlich fast nur die Titel auf Italienisch. Vielleicht entscheidet sich die Band mal eine Sonderedition mit ausschließlich Italienischer Sprache davon zu machen.

Es ist wirklich zum Heulen, denn auch die Titel auf Englisch sind eigentlich richtig interessant. Zum Beispiel der Opener „Gold Leviathan Part I,II“ und der Folgetitel „Turin Black Light Act I,II,III“ sind wie Opern in Akten/Teilen aufgebaut. Düstere Snippets, Stimmsamples, Tempiwechsel, Darkmetal-Stilelemente auf dem Klavier, Melodien passend zu der Aufmachung der CD (arabisch angehaucht), Jerichohörner oder auch gezupfte Violinen sind zu finden. Aber vorweg: Es ist anspruchsvolle Musik und man muss sich hineindenken. Easy listening ist anders. „Mind and Randomness“ klingt wie eine Ouvertüre der düstersten Oper, die je geschrieben wurde. Die Gitarren doomen sich mit der mol-igen Violine um die Wette.

Mein Lieblingstracks auf der CD ist „Alma Mater (Alchimia della natura). Leider verstehe ich bis auf Amore Mio den Text nicht, da auf Italienisch, aber dieses Lied ist wundervoll und erzählt mit der Musik allein die Geschichte. Die Sängerin und ein Sänger sprechen Textpassagen mit Klavier und Violine, der Refrain geht gut ins Ohr und ist ein doomiges Stück Metal. Wäre doch die ganze CD so, ich würde sie WOCHEN suchten.

Zusammenfassend kann man festhalten, dass diese CD ein Genre bedient, das es selten gibt und schwere Kost ist, auf die man sich einlassen muss. Leider fühlt sich die Englische Sprache zu den operalen Kompositionen nicht echt an. Es blutet mir das Herz, dass ich diese CD deswegen etwas schlechter bewerten muss, obwohl ich vor der Musikalität, Kreativität und Kompositionen der Band den Hut ziehe und mich tief verbeuge. Eigentlich hat sie eine 10 verdient, aber aus oben genannten Gründen kann nur 6 von 10 Operngläser vergeben.  

geschrieben von Marc Seidler


Rossana Landi – vocals & double-bass
Bradac – piano, synths, orchestrations &
Daniel Porfido – 8 strings electric guitar,
classic guitar
Lautaro Acosta – violin


Dismal is an italian gothic band formed in 1995. The first album was released in November 1998 for Pagan Moon Records, titled “Fiaba Lacrimevole – like a red bleeding rose in a glacial desert”. This debut album was an immediate success and soon it became a top selling album for the Label. In September 2002 Dismal signed a long term deal with Aural Music Group, co-founding Dreamcell11, a division of Aural Music in order to follow and to promote the band artistically and commercially.
Within the end of 2002 the band entered the Gulp Studio by Marco Calliari to record their second Album titled “Rubino Liquido – Three Scarlet Drops…” using a 12-elements orchestra. Described as a mix of claustrophobic and essential drum parts, waltz and tango mixed with
baroque and orchestral sound.
“Miele Dal Salice” is the third album released in 2006, the band dedicated a lot of time to this record, full of bizarre and intense tones. On this new effort, Rossana Landi is the new lead singer, playing contrabass too. After a short but intense touring around Germany and Italy,
protagonists of very important festivals like the Wave Gothic Treffen in Leipzig and Berlin, Dismal took a break and Afelio (guitarist and male vocal) left the band due to personal reasons. After this very long break the band decided to enter the studio again at the Punto Rec Studios by Fabrizio Argiolas in 2013 to record the new album titled “Giostra di Vapore”. In this work the band has created a new sound dimension fusing electronic sound with the classical music, modern and antique meets together for a sound inspired by steampunk and industrial revolution.
Dismal in the 2019 begins the composition of their fifth new concept-album “Quinta Essentia”, concluding the recording in July 2020 in the Gulp Studio by Marco Calliari. The band claims to have combined all their previously works, keeping their signature Gothic and theatrical sound constant. The lyrics are developed on cultural, philosophical and alchemical themes.
Quinta Essentia is a sonorous mesmerism take the listener into a bizarre epic limbo, in a “carnival of the mind” where rationality and madness are constantly touched. Mix of magical atmospheres characterize the new gothic musical fairy tale by DISMAL – The Waltz Of Mind .

“Our Sad Saga“ – (Demo– CD 1996)
“Fiaba Lacrimevole” – (Pagan Moon LP – 199Smilie: 8)
“Dionisiaca” – (Beyond…prod – MCD – 2001)
“Rubino Liquido – Three Scarlet Drops” – (DreamCell11/Aural Music – CD – 2004)
“Miele Dal Salice” – (DreamCell11/Aural Music – CD – 2007)
„Giostra di Vapore“ – (DreamCell11/Aural Music – CD – 2013)
“Quinta Essentia“ – (DreamCell11/Aural Music – CD/LP/box – 2020)





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